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Spielplan für März 2019


Kategorie: Klassik


Kategorie: Klassik

Lange wurde das Schlagzeug in der europischen Kunstmusik eher stiefmtterlich behandelt. Denn obwohl Pauken, Trommeln und Becken an markanten Hhepunkten im Orchester immer mal wieder auftrumpfen durften, fristeten sie sonst ein Schattendasein oft als bloe Taktgeber. Dies zu ndern, war erklrtes Ziel des Multiperkussionisten Martin Grubinger, dessen Palette von eruptiven Klangkaskaden bis zu zart verklingenden Glockentnen reicht. Vor allem ihm ist es zu verdanken, dass immer mehr Konzertbesucher perkussive Klangwelten fr sich entdecken, in denen der athletische Einsatz des Spielers, die physische Prsenz und Wucht der Klnge sowie der Farbenreichtum des Instrumentariums sich zu einer faszinierenden, krperlich-sinnlichen Musik verbinden. Nicht umsonst ist die Aura der Extremsportart ein unverzichtbares Element der Trommelkunst.Im Rahmen seines Debts bei den Berliner Philharmonikern widmet sich Martin Grubinger dem Konzert fr Schlagzeug und Orchester Speaking Drums, das Peter Etvs fr ihn komponiert hat. Der Werktitel ist Programm, denn der Solist hat hier nicht nur zu trommeln, sondern auch zu sprechen und zu rufen. Ich habe das bei indischen Trommlern gesehen und gehrt, erklrte Etvs 2016 in einem Interview. Sie trommeln das, was sie sagen. Das heit, sie sprechen einen bestimmten Text und in demselben Tempo, in demselben Rhythmus spielen sie Schlagzeug dazu. Dadurch wird es sehr farbig, aber auch sehr sprechend, als wrden sie eine Geschichte mit dem Instrument erzhlen. Diese Haltung habe ich fr mein Stck bernommen. Die Texte stammen von Sndor Weres, der viele Nonsens-Gedichte geschrieben hat, die nur eine rhythmische Funktion erfllen, sowie von Jayadeva, einem indischen Dichter aus dem 12. Jahrhundert. Alle Texte, so Etvs, haben eindrckliche Rhythmen. Diese auf Schlaginstrumente und aufs Orchester zu bersetzen, ist ein Genuss.Eingeleitet wird der von Zubin Mehta dirigierte Abend mit Edgard Varses Intgrales, das neben virtuosestem Klangraffinement auch mitreiende Rhythmik bietet, da die Stimmen der vier Holz- und sechs Blechblasinstrumente in reizvollem Kontrast zu den von vier Schlagzeugern gespielten 17 in der Partitur geforderten Perkussionsinstrumenten stehen. Raffinierte Orchesterklnge bietet schlielich Nikolaj Rimsky-Korsakows Symphonische Suite Scheherazade, in der verschiedene Episoden und Bilder aus Tausendundeiner Nacht in Musik gefasst werden: Das Meer und Sindbads Schiff, die fantastische Erzhlung des Prinzen Kalender, Prinz und Prinzessin, Festtage in Bagdad und das Schiff, das am Felsen mit dem ehernen Reiter zerschellt (Rimsky-Korsakow).


Kategorie: Klassik

Lange wurde das Schlagzeug in der europischen Kunstmusik eher stiefmtterlich behandelt. Denn obwohl Pauken, Trommeln und Becken an markanten Hhepunkten im Orchester immer mal wieder auftrumpfen durften, fristeten sie sonst ein Schattendasein oft als bloe Taktgeber. Dies zu ndern, war erklrtes Ziel des Multiperkussionisten Martin Grubinger, dessen Palette von eruptiven Klangkaskaden bis zu zart verklingenden Glockentnen reicht. Vor allem ihm ist es zu verdanken, dass immer mehr Konzertbesucher perkussive Klangwelten fr sich entdecken, in denen der athletische Einsatz des Spielers, die physische Prsenz und Wucht der Klnge sowie der Farbenreichtum des Instrumentariums sich zu einer faszinierenden, krperlich-sinnlichen Musik verbinden. Nicht umsonst ist die Aura der Extremsportart ein unverzichtbares Element der Trommelkunst.Im Rahmen seines Debts bei den Berliner Philharmonikern widmet sich Martin Grubinger dem Konzert fr Schlagzeug und Orchester Speaking Drums, das Peter Etvs fr ihn komponiert hat. Der Werktitel ist Programm, denn der Solist hat hier nicht nur zu trommeln, sondern auch zu sprechen und zu rufen. Ich habe das bei indischen Trommlern gesehen und gehrt, erklrte Etvs 2016 in einem Interview. Sie trommeln das, was sie sagen. Das heit, sie sprechen einen bestimmten Text und in demselben Tempo, in demselben Rhythmus spielen sie Schlagzeug dazu. Dadurch wird es sehr farbig, aber auch sehr sprechend, als wrden sie eine Geschichte mit dem Instrument erzhlen. Diese Haltung habe ich fr mein Stck bernommen. Die Texte stammen von Sndor Weres, der viele Nonsens-Gedichte geschrieben hat, die nur eine rhythmische Funktion erfllen, sowie von Jayadeva, einem indischen Dichter aus dem 12. Jahrhundert. Alle Texte, so Etvs, haben eindrckliche Rhythmen. Diese auf Schlaginstrumente und aufs Orchester zu bersetzen, ist ein Genuss.Eingeleitet wird der von Zubin Mehta dirigierte Abend mit Edgard Varses Intgrales, das neben virtuosestem Klangraffinement auch mitreiende Rhythmik bietet, da die Stimmen der vier Holz- und sechs Blechblasinstrumente in reizvollem Kontrast zu den von vier Schlagzeugern gespielten 17 in der Partitur geforderten Perkussionsinstrumenten stehen. Raffinierte Orchesterklnge bietet schlielich Nikolaj Rimsky-Korsakows Symphonische Suite Scheherazade, in der verschiedene Episoden und Bilder aus Tausendundeiner Nacht in Musik gefasst werden: Das Meer und Sindbads Schiff, die fantastische Erzhlung des Prinzen Kalender, Prinz und Prinzessin, Festtage in Bagdad und das Schiff, das am Felsen mit dem ehernen Reiter zerschellt (Rimsky-Korsakow).


Kategorie: Klassik


Kategorie: Klassik

Empfohlen fr Kinder ab 5 Jahren


Kategorie: Klassik

Die klanglich beraus reizvolle Kombination von Flte und Harfe hat zahlreiche Komponisten gereizt unter ihnen auch Wolfgang Amadeus Mozart. Dabei war er im Grunde alles andere als ein Freund der Flte, wie wir aus einem Brief erfahren, den er im Februar 1778 aus Mannheim an seinen Vater schrieb: Dann bin ich auch, wie sie wissen, gleich stuff wenn ich immer fr ein instrument |: das ich nicht leiden kann :| schreiben soll. Die beiden Fltenkonzerte, an denen Mozart damals arbeitete, zeigten das Instrument indes von seiner schnsten Seite und geben Grund zu der Annahme, dass Mozart sich mit dem ungeliebten Instrument schnell vershnte, sobald es von einem exzellenten, intonantionssicheren Musiker gespielt wurde. Das war auch der Fall, als er einen Monat spter in Paris einen franzsischen Aristokraten kennenlernte, der so berichtete Mozart seinem Vater diesmal unvergleichlich die flte spiellt. Da die Tochter des Grafen berdies magnifique die Harpfe [sic!] spielte, reifte in Mozart der Plan zu einem Werk fr diese beiden Instrumente. Sein von franzsischem Esprit erflltes Konzert fr Flte, Harfe und Orchester steht im Zentrum dieses von Ton Koopman geleiteten Konzerts der Karajan-Akademie.- Solisten sind der philharmonische Solofltist Mathieu Dufour und die franzsische Harfenistin Marion Ravot.Am Beginn des abwechslungsreichen Programms steht Johann Sebastian Bachs Orchestersuite Nr. 2 mit der berhmten Badinerie als Schlusssatz.- auch in diesem Werk spielt die Flte eine quasi solistische Rolle. Nach der Pause kommen mit je einer Symphonie der Bach-Sohn Carl Philipp Emanuel und Joseph Haydn zu Wort. War der eine mit seiner fr die Zeit ungewohnt experimentellen Klangsprache einer der wesentlichen Wegbereiter der Klassik, gilt Haydn nicht zuletzt mit seinen 12 Londoner Symphonien als einer der Fixsterne dieser Epoche der Musikgeschichte. Eine davon, die Nr. 98 in seinem symphonischen Gesamtschaffen, erklingt zum Abschluss dieses facettenreichen Konzerts.


Kategorie: Klassik


Kategorie: Klassik


Kategorie: Klassik

Brad Mehldau wurde erklrtermaen von Franz Schubert beeinflusst. Doch auch andere klassische Tonsetzer faszinieren ihn: In den letzten Jahren spiele ich verstrkt Bach und Brahms. Das ist eine Musik, die dich ein ganzes Leben ausfllen kann. Man lernt daran, verschiedene Stimmen herauszuarbeiten, man entwickelt seine Technik, seine Fertigkeiten vom Blatt zu spielen, man kann daran alles ben. Wer sich durch die Internetseite des amerikanischen Jazzpianisten und Komponisten klickt oder sich in seine langen Booklet-Texte vertieft, stt zudem auf umfassende geistesgeschichtliche berlegungen von Goethe ber Siegmund Freud bis hin zu Rilke und Thomas Mann. Literatur ist neben dem Jazz Mehldaus zweite Leidenschaft, weil sie fr ihn eng mit der Musik zusammenhngt: Es gibt im Deutschen den Begriff Sehnsucht, der mit dem englischen longing nur unzureichend bersetzt ist. Manns Schreiben hat etwas von diesem Gefhl, von dem ich denke, dass es auch viel mit Musik zu tun hat. Gemeint ist nicht Sehnsucht im landlufigen Sinn, eher ein Zustand, in den wir hineingeboren werden. Und weiter: Wenn man bereit ist, jemanden wirklich in seinem Text zu folgen, dann ist das wie aufmerksames Zuhren. Natrlich hat sich Brad Mehldau intensiv mit jenen Genres auseinandergesetzt, die seine beiden liebsten Kunstgenres Musik und Literatur bndeln. Gemeinsam mit dem britischen Tenor Ian Bostridge stellt er sie nun in der philharmonischen Reihe Vokal vor: eine Neukomposition fr Stimme und Klavier sowie eine Auswahl seiner Arrangements traditioneller und populrer Songs.


Kategorie: Klassik

Pures Understatement: Wie wird man Musiker? Jede Geschichte ist anders. In meinem Fall war es so, dass ich niemals gefragt wurde, ob ich Musikerin werden wollte. Meine Eltern sind beide Musiker, und als sich bei mir frhzeitig ein gewisses Talent fr die Violine zeigte, erhielt ich eine professionelle Ausbildung erst in Moldawien, spter in Wien. Und so versuche ich, nun das Beste daraus zu machen. Patricia Kopatchinskaja, die 1989 nach Wien zog, um von dort aus ihre Weltkarriere zu starten, zhlt heute zu den fhrenden Geigerinnen ihrer Generation. In den Konzerten der Stiftung Berliner Philharmoniker debtierte sie begleitet von der Jungen Deutschen Philharmonie unter der Leitung von Andrey Boreyko im Mrz 2011 und war seitdem mehrfach Gast der Berliner Philharmoniker.An diesen Abenden wird die Virtuosin den Solopart in dem Dr. Anton von Webern gewidmeten Violinkonzert op. 36 von Arnold Schnberg bernehmen. Bei dem nach den Regeln der Methode mit zwlf nur aufeinander bezogenen Tnen entworfenen Stck handelt es sich um eines der ersten groen Werke, die Schnberg nach seiner Emigration in die USA in Angriff nahm. In ihm gelang es dem Komponisten, eine dicht gefgte Satztechnik kunstvoll mit den traditionellen Zugestndnissen an die wirkungsvoll-brillante Virtuositt des Soloparts zu verschrnken. Nicht umsonst bemerkte er scherzhaft, die Musik sei fr eine neue Art von Geigenspielern mit 6 Fingern gedacht.Nach der Pause hat Kirill Petrenko Peter Tschaikowskys Fnfte Symphonie aufs Programm gesetzt, die heute zu den beliebtesten Schpfungen des Komponisten zhlt. Dieser Erfolg war allerdings nicht abzusehen, da das Werk ungeachtet seiner gelungenen Deutschland-Premiere 1889 in Hamburg bereits zwei Jahre spter vllig in Vergessenheit geraten war. So berichtet es der Musikkritiker Nikolaj Kaschkin in seinen 1896 verffentlichen Erinnerungen an Peter Tschaikowsky, in denen es weiter heit, dass sich Arthur Nikisch, der jetzige Kapellmeister des Leipziger Gewandhauses und der Philharmonischen Konzerte in Berlin ihrer annahm und eben diese Symphonie in London, Leipzig, Berlin und Moskau mit glnzendem Erfolg auffhrte, so dass man hoffen kann, dass sie den ihr gebhrenden Platz im sinfonischen Repertoire einnehmen wird. Der Einsatz Nikischs, der Tschaikowsky als Meister seines Faches und als Zauberer vor dem Orchester verehrte, verfehlte seine Wirkung nicht. Immer mehr Dirigenten engagierten sich fr das Werk, sodass Tschaikowskys Fnfte heute neben Mozarts Jupiter-Symphonie und Beethovens Eroica zu den weltweit am hufigsten aufgefhrten symphonischen Werken berhaupt zhlt.


Kategorie: Klassik

Pures Understatement: Wie wird man Musiker? Jede Geschichte ist anders. In meinem Fall war es so, dass ich niemals gefragt wurde, ob ich Musikerin werden wollte. Meine Eltern sind beide Musiker, und als sich bei mir frhzeitig ein gewisses Talent fr die Violine zeigte, erhielt ich eine professionelle Ausbildung erst in Moldawien, spter in Wien. Und so versuche ich, nun das Beste daraus zu machen. Patricia Kopatchinskaja, die 1989 nach Wien zog, um von dort aus ihre Weltkarriere zu starten, zhlt heute zu den fhrenden Geigerinnen ihrer Generation. In den Konzerten der Stiftung Berliner Philharmoniker debtierte sie begleitet von der Jungen Deutschen Philharmonie unter der Leitung von Andrey Boreyko im Mrz 2011 und war seitdem mehrfach Gast der Berliner Philharmoniker.An diesen Abenden wird die Virtuosin den Solopart in dem Dr. Anton von Webern gewidmeten Violinkonzert op. 36 von Arnold Schnberg bernehmen. Bei dem nach den Regeln der Methode mit zwlf nur aufeinander bezogenen Tnen entworfenen Stck handelt es sich um eines der ersten groen Werke, die Schnberg nach seiner Emigration in die USA in Angriff nahm. In ihm gelang es dem Komponisten, eine dicht gefgte Satztechnik kunstvoll mit den traditionellen Zugestndnissen an die wirkungsvoll-brillante Virtuositt des Soloparts zu verschrnken. Nicht umsonst bemerkte er scherzhaft, die Musik sei fr eine neue Art von Geigenspielern mit 6 Fingern gedacht.Nach der Pause hat Kirill Petrenko Peter Tschaikowskys Fnfte Symphonie aufs Programm gesetzt, die heute zu den beliebtesten Schpfungen des Komponisten zhlt. Dieser Erfolg war allerdings nicht abzusehen, da das Werk ungeachtet seiner gelungenen Deutschland-Premiere 1889 in Hamburg bereits zwei Jahre spter vllig in Vergessenheit geraten war. So berichtet es der Musikkritiker Nikolaj Kaschkin in seinen 1896 verffentlichen Erinnerungen an Peter Tschaikowsky, in denen es weiter heit, dass sich Arthur Nikisch, der jetzige Kapellmeister des Leipziger Gewandhauses und der Philharmonischen Konzerte in Berlin ihrer annahm und eben diese Symphonie in London, Leipzig, Berlin und Moskau mit glnzendem Erfolg auffhrte, so dass man hoffen kann, dass sie den ihr gebhrenden Platz im sinfonischen Repertoire einnehmen wird. Der Einsatz Nikischs, der Tschaikowsky als Meister seines Faches und als Zauberer vor dem Orchester verehrte, verfehlte seine Wirkung nicht. Immer mehr Dirigenten engagierten sich fr das Werk, sodass Tschaikowskys Fnfte heute neben Mozarts Jupiter-Symphonie und Beethovens Eroica zu den weltweit am hufigsten aufgefhrten symphonischen Werken berhaupt zhlt.


Kategorie: Klassik

Pures Understatement: Wie wird man Musiker? Jede Geschichte ist anders. In meinem Fall war es so, dass ich niemals gefragt wurde, ob ich Musikerin werden wollte. Meine Eltern sind beide Musiker, und als sich bei mir frhzeitig ein gewisses Talent fr die Violine zeigte, erhielt ich eine professionelle Ausbildung erst in Moldawien, spter in Wien. Und so versuche ich, nun das Beste daraus zu machen. Patricia Kopatchinskaja, die 1989 nach Wien zog, um von dort aus ihre Weltkarriere zu starten, zhlt heute zu den fhrenden Geigerinnen ihrer Generation. In den Konzerten der Stiftung Berliner Philharmoniker debtierte sie begleitet von der Jungen Deutschen Philharmonie unter der Leitung von Andrey Boreyko im Mrz 2011 und war seitdem mehrfach Gast der Berliner Philharmoniker.An diesen Abenden wird die Virtuosin den Solopart in dem Dr. Anton von Webern gewidmeten Violinkonzert op. 36 von Arnold Schnberg bernehmen. Bei dem nach den Regeln der Methode mit zwlf nur aufeinander bezogenen Tnen entworfenen Stck handelt es sich um eines der ersten groen Werke, die Schnberg nach seiner Emigration in die USA in Angriff nahm. In ihm gelang es dem Komponisten, eine dicht gefgte Satztechnik kunstvoll mit den traditionellen Zugestndnissen an die wirkungsvoll-brillante Virtuositt des Soloparts zu verschrnken. Nicht umsonst bemerkte er scherzhaft, die Musik sei fr eine neue Art von Geigenspielern mit 6 Fingern gedacht.Nach der Pause hat Kirill Petrenko Peter Tschaikowskys Fnfte Symphonie aufs Programm gesetzt, die heute zu den beliebtesten Schpfungen des Komponisten zhlt. Dieser Erfolg war allerdings nicht abzusehen, da das Werk ungeachtet seiner gelungenen Deutschland-Premiere 1889 in Hamburg bereits zwei Jahre spter vllig in Vergessenheit geraten war. So berichtet es der Musikkritiker Nikolaj Kaschkin in seinen 1896 verffentlichen Erinnerungen an Peter Tschaikowsky, in denen es weiter heit, dass sich Arthur Nikisch, der jetzige Kapellmeister des Leipziger Gewandhauses und der Philharmonischen Konzerte in Berlin ihrer annahm und eben diese Symphonie in London, Leipzig, Berlin und Moskau mit glnzendem Erfolg auffhrte, so dass man hoffen kann, dass sie den ihr gebhrenden Platz im sinfonischen Repertoire einnehmen wird. Der Einsatz Nikischs, der Tschaikowsky als Meister seines Faches und als Zauberer vor dem Orchester verehrte, verfehlte seine Wirkung nicht. Immer mehr Dirigenten engagierten sich fr das Werk, sodass Tschaikowskys Fnfte heute neben Mozarts Jupiter-Symphonie und Beethovens Eroica zu den weltweit am hufigsten aufgefhrten symphonischen Werken berhaupt zhlt.


Kategorie: Klassik

Wiener Klassik trifft auf Moderne: Das Chamber Orchestra of Europe und Pierre-Laurent Aimard stellen Mozarts Klavierkonzerte B-Dur KV 450 und C-Dur KV 503, in denen der Pianist als Solist und Dirigent in Personalunion auftritt, der Musik Elliott Carters gegenber, eines der bedeutendsten US-amerikanischen Komponisten des 20. Jahrhunderts. Daniel Barenboim betonte, Carter, der sich als legitimer Nachfolger von Charles Ives verstand, habe die unterschiedlichsten Welten zusammengebracht, ohne sie zwangslufig verbinden zu wollen. Der zweimalige Pulitzer-Preistrger verstarb 2012 im Alter von 103 Jahren. Noch in seinem Todesjahr begann er (erklrtermaen um sich zu amsieren), eine Reihe kurzer Stcke fr Klaviertrio zu komponieren, die er unter dem Titel Epigrams zu einer Suite zusammenstellte: Carters letztes Werk, das Pierre-Laurent Aimard gewidmet ist und in Titel und Struktur auf die antike griechische Gattung der Epigramme anspielt, von deren Prgnanz, berraschenden Wendungen und Witz sich der Komponist (der als Student an der Harvard University griechische Lyrik studierte) sein Leben lang angezogen fhlte. Das Quintett fr Klavier, Oboe, Klarinette, Horn und Fagott entstand rund 20 Jahre zuvor fr Heinz Holliger. In ihm gliederte Carter die musikalischen Akteure in drei Gruppen Klavier, Horn und Holzblsertrio , um das dialektische Wechselspiel zwischen den Instrumenten zu steigern. Jeder Gruppe werden eigene Ausdruckscharaktere zugeschrieben, wobei der kaleidoskopartige Wechsel von Kommentar, Antwort, humoristischer Verneinung, Ironie, Untersttzung oder Selbstauslschung das mitreiende musikalische Geschehen bestimmt.


Kategorie: Klassik

Ich habe den Pierrot oft als Geigerin gespielt, schreibt Patricia Kopatchinskaja auf ihrer Website. Aber ich sehnte mich immer danach, einmal auch den Sprech- bzw. Gesangspart zu machen. Die Rede ist von Arnold Schnbergs Melodram Pierrot lunaire, dessen ffentliche Urauffhrung am 16. Oktober 1912 in Berlin stattfand und zu einem Triumph wurde: Schnberg und die Auffhrenden, berichtete Anton Webern, muten oft und oft kommen, vor allem natrlich Schnberg.- man schrie im Saal nach ihm immer wieder. In einer Zeit, in der Patricia Kopatchinskaja aufgrund einer Armverletzung weniger ben konnte, begann die moldawisch-stmmige Violinvirtuosin unter professioneller Anleitung von Esther de Bros Pierrots Sprechgesang zu studieren. Nach einjhriger Arbeit, so die Virtuosin, habe ich im Oktober 2017 mit Musikern des Utah Symphony und Thierry Fischer den Schritt gewagt in der abenteuerlichen Umgebung des Sky-Nachtklubs in Salt Lake City. Nun wird Patricia Kopatchinskaja Schnbergs expressionistisch geschrfte Miniaturen auch im Rahmen dieser philharmonischen Late Night prsentieren, gemeinsam mit Mitgliedern der Berliner Philharmonikern und Gsten. Ebenfalls in diesem Konzert zu hren: Walzer von Johann Strau (Sohn) in Arrangements von Arnold Schnberg, Alban Berg und Anton Webern, welche in einem legendren Konzert des Vereins fr musikalische Privatauffhrungen am 27. Mai 1921 Premiere hatten. Nicht nur die Kuriositt des stilistischen Gegensatzes, sondern auch Schnbergs humorvolle Conference hatten damals zum Erfolg dieses Abends wesentlich beigetragen.


Kategorie: Klassik

Empfohlen ab 16 Jahren


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Kategorie: Klassik

Wenn man diese Musik zum ersten Mal hrt, ist man einfach nicht vorbereitet auf dieses wogende Klangmeer und diese Dissonanzen, gesteht Sir Simon Rattle, auf seine fr ihn relativ spte erste Begegnung mit Johann Sebastian Bachs Johannes-Passion zurckblickend. Der Dirigent war damals 30 Jahre alt und vollkommen berwltig von der spannungsreichen, fast modern klingenden Musik sowie der dramatischen Wucht und der Vielschichtigkeit des Werks.Auch auf Bachs Zeitgenossen mssen die Passionen des Komponisten eine irritierende Wirkung ausgebt haben. So mancher emprte sich ber den theatralischen Stil der Werke. Behte Gott, ihr Kinder! Ist es doch, als ob man in einer Opera comdie wre, soll sich eine adelige Witwe ereifert haben. Johann Sebastian Bach hatte gerade sein erstes Amtsjahr als Thomaskantor hinter sich, als er den Leipzigern die erste Fassung seiner Johannes-Passion prsentierte und seine Zuhrer mitnahm auf eine verstrende Reise in die Abgrnde des menschlichen Seins. Sie beginnt mit der Gefangennahme Jesu im Garten Gethsemane und der Verleugnung durch Petrus, der bis dato sein treuester Gefolgsmann war. Sie fhrt ber das Verhr beim rmischen Statthalter Pontius Pilatus, der an Jesus keine Schuld erkennen kann, sich trotzdem den Forderungen des Volks beugt und den Mann, der sich unbeirrt Gottes Sohn nennt, kreuzigen lsst, hin zur Todessttte Golgatha.Es ist eine schmutzige, ekelhafte Parodie von Gerechtigkeit, meint der Regisseur Peter Sellars, der nach der aufsehenerregenden szenischen Realisierung der Matthus-Passion mit Simon Rattle auch die Johannes-Passion darstellerisch umsetzte. Es gibt in diesem Stck viele Heimlichtuereien und gleichzeitig diese unverholene Brutalitt, als wre es eine Geschichte aus heutiger Zeit. Diese Brutalitt kommt vor allem in den Chorszenen zum Tragen, in denen die aggressive Menge den Tod Jesu verlangt und gleichzeitig macht Bach diesen Chor mit seinen kontemplativen Choralstzen zum Ruhepol der Passion. Der in Rezitativform gehaltene Bericht des Evangelisten schildert reportageartig die Passionsgeschichte des Johannes-Evangeliums, whrend die Arien Momente der persnlichen Reflexion und der subjektiven Empfindung widerspiegeln. Sir Simon Rattle hat Bachs Meisterwerk mehrfach mit den Berliner Philharmonikern aufgefhrt, zuletzt 2014 in Peter Sellars Inszenierung, die in Berlin und bei den Osterfestspielen in Baden-Baden zu erleben war. Diese beeindruckende Auffhrung wird nun in dieser Saison mit dem nahezu gleichen Sngerensemble und dem Rundfunkchor Berlin wieder aufgegriffen.


Kategorie: Klassik

Wenn man diese Musik zum ersten Mal hrt, ist man einfach nicht vorbereitet auf dieses wogende Klangmeer und diese Dissonanzen, gesteht Sir Simon Rattle, auf seine fr ihn relativ spte erste Begegnung mit Johann Sebastian Bachs Johannes-Passion zurckblickend. Der Dirigent war damals 30 Jahre alt und vollkommen berwltig von der spannungsreichen, fast modern klingenden Musik sowie der dramatischen Wucht und der Vielschichtigkeit des Werks.Auch auf Bachs Zeitgenossen mssen die Passionen des Komponisten eine irritierende Wirkung ausgebt haben. So mancher emprte sich ber den theatralischen Stil der Werke. Behte Gott, ihr Kinder! Ist es doch, als ob man in einer Opera comdie wre, soll sich eine adelige Witwe ereifert haben. Johann Sebastian Bach hatte gerade sein erstes Amtsjahr als Thomaskantor hinter sich, als er den Leipzigern die erste Fassung seiner Johannes-Passion prsentierte und seine Zuhrer mitnahm auf eine verstrende Reise in die Abgrnde des menschlichen Seins. Sie beginnt mit der Gefangennahme Jesu im Garten Gethsemane und der Verleugnung durch Petrus, der bis dato sein treuester Gefolgsmann war. Sie fhrt ber das Verhr beim rmischen Statthalter Pontius Pilatus, der an Jesus keine Schuld erkennen kann, sich trotzdem den Forderungen des Volks beugt und den Mann, der sich unbeirrt Gottes Sohn nennt, kreuzigen lsst, hin zur Todessttte Golgatha.Es ist eine schmutzige, ekelhafte Parodie von Gerechtigkeit, meint der Regisseur Peter Sellars, der nach der aufsehenerregenden szenischen Realisierung der Matthus-Passion mit Simon Rattle auch die Johannes-Passion darstellerisch umsetzte. Es gibt in diesem Stck viele Heimlichtuereien und gleichzeitig diese unverholene Brutalitt, als wre es eine Geschichte aus heutiger Zeit. Diese Brutalitt kommt vor allem in den Chorszenen zum Tragen, in denen die aggressive Menge den Tod Jesu verlangt und gleichzeitig macht Bach diesen Chor mit seinen kontemplativen Choralstzen zum Ruhepol der Passion. Der in Rezitativform gehaltene Bericht des Evangelisten schildert reportageartig die Passionsgeschichte des Johannes-Evangeliums, whrend die Arien Momente der persnlichen Reflexion und der subjektiven Empfindung widerspiegeln. Sir Simon Rattle hat Bachs Meisterwerk mehrfach mit den Berliner Philharmonikern aufgefhrt, zuletzt 2014 in Peter Sellars Inszenierung, die in Berlin und bei den Osterfestspielen in Baden-Baden zu erleben war. Diese beeindruckende Auffhrung wird nun in dieser Saison mit dem nahezu gleichen Sngerensemble und dem Rundfunkchor Berlin wieder aufgegriffen.


Kategorie: Klassik

Wenn man diese Musik zum ersten Mal hrt, ist man einfach nicht vorbereitet auf dieses wogende Klangmeer und diese Dissonanzen, gesteht Sir Simon Rattle, auf seine fr ihn relativ spte erste Begegnung mit Johann Sebastian Bachs Johannes-Passion zurckblickend. Der Dirigent war damals 30 Jahre alt und vollkommen berwltig von der spannungsreichen, fast modern klingenden Musik sowie der dramatischen Wucht und der Vielschichtigkeit des Werks.Auch auf Bachs Zeitgenossen mssen die Passionen des Komponisten eine irritierende Wirkung ausgebt haben. So mancher emprte sich ber den theatralischen Stil der Werke. Behte Gott, ihr Kinder! Ist es doch, als ob man in einer Opera comdie wre, soll sich eine adelige Witwe ereifert haben. Johann Sebastian Bach hatte gerade sein erstes Amtsjahr als Thomaskantor hinter sich, als er den Leipzigern die erste Fassung seiner Johannes-Passion prsentierte und seine Zuhrer mitnahm auf eine verstrende Reise in die Abgrnde des menschlichen Seins. Sie beginnt mit der Gefangennahme Jesu im Garten Gethsemane und der Verleugnung durch Petrus, der bis dato sein treuester Gefolgsmann war. Sie fhrt ber das Verhr beim rmischen Statthalter Pontius Pilatus, der an Jesus keine Schuld erkennen kann, sich trotzdem den Forderungen des Volks beugt und den Mann, der sich unbeirrt Gottes Sohn nennt, kreuzigen lsst, hin zur Todessttte Golgatha.Es ist eine schmutzige, ekelhafte Parodie von Gerechtigkeit, meint der Regisseur Peter Sellars, der nach der aufsehenerregenden szenischen Realisierung der Matthus-Passion mit Simon Rattle auch die Johannes-Passion darstellerisch umsetzte. Es gibt in diesem Stck viele Heimlichtuereien und gleichzeitig diese unverholene Brutalitt, als wre es eine Geschichte aus heutiger Zeit. Diese Brutalitt kommt vor allem in den Chorszenen zum Tragen, in denen die aggressive Menge den Tod Jesu verlangt und gleichzeitig macht Bach diesen Chor mit seinen kontemplativen Choralstzen zum Ruhepol der Passion. Der in Rezitativform gehaltene Bericht des Evangelisten schildert reportageartig die Passionsgeschichte des Johannes-Evangeliums, whrend die Arien Momente der persnlichen Reflexion und der subjektiven Empfindung widerspiegeln. Sir Simon Rattle hat Bachs Meisterwerk mehrfach mit den Berliner Philharmonikern aufgefhrt, zuletzt 2014 in Peter Sellars Inszenierung, die in Berlin und bei den Osterfestspielen in Baden-Baden zu erleben war. Diese beeindruckende Auffhrung wird nun in dieser Saison mit dem nahezu gleichen Sngerensemble und dem Rundfunkchor Berlin wieder aufgegriffen.


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Die Organisten der Kathedrale Notre-Dame de Paris gehren automatisch zu den Superstars unter den Organisten. Louis Vierne hatte diesen Posten bis zu seinem Tod 1937 inne, nach dem Zweiten Weltkrieg prgte der legendre Pierre Cochereau fr Jahrzehnte die Orgelmusik in der wohl berhmtesten Kirche Frankreichs. Seit Cochereaus Tod 1984 teilen sich drei Organisten diese Aufgabe. Von denen war Olivier Latry schon mehrfach in der Berliner Philharmonie zu Gast.- nun gibt der jngste Titularorganist von Notre-Dame sein Philharmonie-Debt. Der 1980 geborene Vincent Dubois war zunchst Organist der Kathedrale im nordfranzsischen Soissons, bevor er vor zwei Jahren an die Seine berufen wurde. Darber hinaus ist er Direktor des Konservatoriums im elsssischen Strasbourg. Das Programm beginnt mit einem Blockbuster der Orgelliteratur: Franz Liszts Symphonische Dichtung Ad nos, ad salutarem undam. Bei der 1850 entstandenen Komposition handelt es sich gewissermaen um eine Miniaturoper ohne Worte. Nach einer Ouvertre der Vorhang hebt sich beginnt eine fast halbstndige Erzhlung bestehend aus Duetten und Terzetten, Rezitativen, Arien und Chren sowie einem fulminanten Ende. Orgelmusik vom Feinsten. Danach betritt die Akkordeonistin Marie-Andre?e Joerger die Bhne und spielt zusammen mit Vincent Dubois Werke von Gabriel Faur, Astor Piazzolla und Richard Galliano. Fr einen Moment verwandelt sich die Philharmonie in ein argentinisches Caf, wenn die beiden Interpreten Astor Piazzollas Tango La muerte del angel anstimmen.


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Sie gehren mit zu den besten Nachwuchsmusikern Deutschlands. In der Jungen Deutschen Philharmonie vereinen sich seit 1974 Musikstudenten im Alter von 18 bis 28 Jahren, die nur ein Ziel haben: spter in einem renommierten Symphonieorchester zu spielen. In dem Klangkrper knnen die jungen Instrumentalisten nicht nur auf professionellem Niveau Orchestererfahrung sammeln, sondern sie lernen auch, wie sie sich demokratisch an der Programmplanung sowie der Wahl der Dirigenten und Solisten beteiligt knnen. Zeitgenssische Musik bildet einen wichtigen Schwerpunkt des Repertoires und prgt fast jedes Konzertprogramm.Fr den diesjhrigen Auftritt in der Berliner Philharmonie haben sich die Mitglieder der Jungen Deutschen Philharmonie eine Dreifachbegabung eingeladen: Jrg Widmann ist Komponist, Klarinettist sowie Dirigent und prsentiert sich an diesem Abend auch in allen drei Funktionen. Erffnet wird das Konzert mit dem Andante aus der Klarinettensonate Es-Dur, die Felix Mendelssohn Bartholdy im Alter von 15 Jahren komponiert hat. Der Satz betrt durch sein inniges, lyrisches Thema und begeisterte Jrg Widmann schon lange.- 2016 hat er ihn fr Klarinette, Streichorchester, Harfe und Celesta transkribiert. Des Weiteren dirigiert er seine 2005 entstandene Messe fr Orchester, ber die er schreibt: Die Musiker selbst sind die Protagonisten: Soli, Chor und Orchester in einem. In der Monodia des Kyrie gibt es beispielsweise einen Wechselgesang zwischen Chor und Orgel, ohne dass eine Orgel oder ein Chor beteiligt wren. An zentralen liturgischen Stellen, etwa zu Beginn des Kyrie und des Gloria, erscheint das Notenbild wie eine riesenhafte Chorpartitur.- jeder Musiker singt auf seinem Instrument den jeweiligen Messetext.Zwischen den beiden Werken Widmanns erkling die Zweite Symphonie von Robert Schumann, mit der der Komponist 1845/1846 eine schwere psychische Krise zu berwinden suchte und die heute als Inbegriff einer romantischen Symphonie gilt. Im Finale dieses Werks, das brigens von Mendelsohn Bartholdy uraufgefhrt wurde, zitiert der Komponist eine Melodie aus Ludwig van Beethovens Liederzyklus An die ferne Geliebte als Dank an seine Frau Clara, die ihm in dieser schweren Zeit zur Seite gestanden hat.


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2008 taten sich Mitglieder der Berliner Philharmoniker mit anerkannten Spezialisten aus dem Bereich der Alten Musik zusammen, um das Ensemble Concerto Melante zu grnden. Die Namensgebung enthielt bereits einen versteckten Hinweis darauf, wessen Kompositionen den Musikerinnen und Musikern besonders am Herzen lag: Denn niemand anderes als Georg Philipp Telemann wrfelte einst die Buchstaben seines Nachnamens durcheinander, um so zu dem wohlklingenden, italienisch anmutenden Pseudonym Melante zu finden. Eine reines Telemann-Ensemble ist das Concerto Melante deshalb aber keineswegs! In Konzerten und auf Tontrgern hat die in wechselnden Besetzungen musizierende Formation nicht nur Kompositionen ihres Namensgebers neu zur Diskussion gestellt, sondern auch immer wieder Interpretationen von Werken zu Unrecht in Vergessenheit geratenen Komponisten des 17. und 18. Jahrhunderts vorgestellt.In diesem Konzert, fr das sich das Concerto Melante mit dem international besetzten Vokalkollektiv Ensemble Polyharmonique zusammengeschlossen hat, wird neben Kompositionen der Barockkomponisten Biagio Marini, Franz Tunder, Dietrich Becker, Dieterich Buxtehude und Pietro Andrea Ziani ein seit Jahrhunderten nicht mehr aufgefhrtes Werk seinem Archivschlaf entrissen: ein Passionsoratorium mit dem etwas sperrigen Titel Natura et quatuor elementa dolentia ad Sepulcrum Christi. Sein Komponist Antonio Cesti war u. a. in Venedig, Florenz, Innsbruck und Wien ttig und zhlte im 17. Jahrhundert europaweit zu den erfolgreichsten und meist gespielten Opernkomponisten, schrieb als Mitglied des Franziskanerordens aber auch Musik fr die Kirche.


Kategorie: Klassik

Try to like it! habe ich zu Prinz Charles gesagt bei unserer seltsamen Begegnung in London, als er meinte: Modern music is so difficult to understand! Und ich erlaubte mir, Ophelias Vater Polonius in Shakespeares Hamlet leicht abzuwandeln: There is method in our madness, wunderbar in der Schlegel-Tieckschen bersetzung: Ist dies schon Wahnsinn, hat es doch Methode. Wir sollten nicht Spa, sondern Ernst machen. Ernst im heiteren Sinne des liebevollen Entdeckens und Entwickelns von Kontexten, wie sie jedem von uns auf andere Weise begegnen. Und es macht mir immer wieder Spa zu sagen: Ernst machen das kann ja heiter werden ... Helmut Lachenmann hatte schon immer den sportlichen Ehrgeiz, in die Hhle des Lwen zu gehen, dort, wo sich die Menschen mit ihrem Musikverstndnis geborgen und glcklich fhlen, eine Erfahrung zu schaffen, in dieser Geborgenheit, die ja auch eine Art unbewusster Lhmung bedeutet, ein Abenteuer in Gang zu setzen beim Hren. Aus diesem Grund will er diesem Orchester, das wir kennen, ein neues Gesicht geben. Das ist Komponieren: aus diesen Instrumenten ein eigenes Instrument zu machen.ber My Melodies Musik fr acht Hrner und Orchester sagt er, dass es eine besondere Herausforderung gewesen sei, weil er gezwungen war mit dem Instrumentarium von acht Hrnern so etwas wie eine Harmonik zu finden. Da gibt es jetzt Vierklnge, Zweiklnge, Achtklnge. [...] Es geht darum, immer wieder auf eine andere Weise immer wieder andere Antennen zu entwickeln. Und wenn das stimmt, dann msste es eigentlich auch einem C-Dur-Dreiklang mglich sein. Nachdem Sir Simon Rattle 2011 mit Tableau erstmals ein Orchesterwerk Helmut Lachenmanns aufs Programm gesetzt hat, widmen er und die Philharmoniker sich nun Lachenmanns umfangreichen und spektakulr besetztem Werk.Ein Komponist, der sich mit seinem Konzertstck fr vier Hrner ebenfalls von der Vervielfachung des Horns als Soloinstrument nicht abschrecken lie, war Robert Schumann, dessen Zweite Symphonie nach der Pause auf dem Programm steht. In diesem konsequent auf das Finale hin ausgerichteten Werk folgte der groe Romantiker dem Vorbild beethovenscher Finalsymphonien. Auch deshalb zog Ernst Gottschald in der Neuen Zeitschrift fr Musik 1850 den Vergleich zu Beethovens Neunter Symphonie, wobei Schumann ber Beethoven hinaus den grten Forstschritt in der Instrumentalmusik gemacht habe: Ludwig konnte es noch nicht mit den bloen Instrumenten, er musste von der Dichtkunst das Wort borgen, Robert vollbringts zum ersten Male mit den bloen Instrumenten.


Kategorie: Klassik

Try to like it! habe ich zu Prinz Charles gesagt bei unserer seltsamen Begegnung in London, als er meinte: Modern music is so difficult to understand! Und ich erlaubte mir, Ophelias Vater Polonius in Shakespeares Hamlet leicht abzuwandeln: There is method in our madness, wunderbar in der Schlegel-Tieckschen bersetzung: Ist dies schon Wahnsinn, hat es doch Methode. Wir sollten nicht Spa, sondern Ernst machen. Ernst im heiteren Sinne des liebevollen Entdeckens und Entwickelns von Kontexten, wie sie jedem von uns auf andere Weise begegnen. Und es macht mir immer wieder Spa zu sagen: Ernst machen das kann ja heiter werden ... Helmut Lachenmann hatte schon immer den sportlichen Ehrgeiz, in die Hhle des Lwen zu gehen, dort, wo sich die Menschen mit ihrem Musikverstndnis geborgen und glcklich fhlen, eine Erfahrung zu schaffen, in dieser Geborgenheit, die ja auch eine Art unbewusster Lhmung bedeutet, ein Abenteuer in Gang zu setzen beim Hren. Aus diesem Grund will er diesem Orchester, das wir kennen, ein neues Gesicht geben. Das ist Komponieren: aus diesen Instrumenten ein eigenes Instrument zu machen.ber My Melodies Musik fr acht Hrner und Orchester sagt er, dass es eine besondere Herausforderung gewesen sei, weil er gezwungen war mit dem Instrumentarium von acht Hrnern so etwas wie eine Harmonik zu finden. Da gibt es jetzt Vierklnge, Zweiklnge, Achtklnge. [...] Es geht darum, immer wieder auf eine andere Weise immer wieder andere Antennen zu entwickeln. Und wenn das stimmt, dann msste es eigentlich auch einem C-Dur-Dreiklang mglich sein. Nachdem Sir Simon Rattle 2011 mit Tableau erstmals ein Orchesterwerk Helmut Lachenmanns aufs Programm gesetzt hat, widmen er und die Philharmoniker sich nun Lachenmanns umfangreichen und spektakulr besetztem Werk.Ein Komponist, der sich mit seinem Konzertstck fr vier Hrner ebenfalls von der Vervielfachung des Horns als Soloinstrument nicht abschrecken lie, war Robert Schumann, dessen Zweite Symphonie nach der Pause auf dem Programm steht. In diesem konsequent auf das Finale hin ausgerichteten Werk folgte der groe Romantiker dem Vorbild beethovenscher Finalsymphonien. Auch deshalb zog Ernst Gottschald in der Neuen Zeitschrift fr Musik 1850 den Vergleich zu Beethovens Neunter Symphonie, wobei Schumann ber Beethoven hinaus den grten Forstschritt in der Instrumentalmusik gemacht habe: Ludwig konnte es noch nicht mit den bloen Instrumenten, er musste von der Dichtkunst das Wort borgen, Robert vollbringts zum ersten Male mit den bloen Instrumenten.


Kategorie: Klassik

In Kooperation mit dem Festspielhaus und Theater Baden-Baden


Kategorie: Klassik

Try to like it! habe ich zu Prinz Charles gesagt bei unserer seltsamen Begegnung in London, als er meinte: Modern music is so difficult to understand! Und ich erlaubte mir, Ophelias Vater Polonius in Shakespeares Hamlet leicht abzuwandeln: There is method in our madness, wunderbar in der Schlegel-Tieckschen bersetzung: Ist dies schon Wahnsinn, hat es doch Methode. Wir sollten nicht Spa, sondern Ernst machen. Ernst im heiteren Sinne des liebevollen Entdeckens und Entwickelns von Kontexten, wie sie jedem von uns auf andere Weise begegnen. Und es macht mir immer wieder Spa zu sagen: Ernst machen das kann ja heiter werden ... Helmut Lachenmann hatte schon immer den sportlichen Ehrgeiz, in die Hhle des Lwen zu gehen, dort, wo sich die Menschen mit ihrem Musikverstndnis geborgen und glcklich fhlen, eine Erfahrung zu schaffen, in dieser Geborgenheit, die ja auch eine Art unbewusster Lhmung bedeutet, ein Abenteuer in Gang zu setzen beim Hren. Aus diesem Grund will er diesem Orchester, das wir kennen, ein neues Gesicht geben. Das ist Komponieren: aus diesen Instrumenten ein eigenes Instrument zu machen.ber My Melodies Musik fr acht Hrner und Orchester sagt er, dass es eine besondere Herausforderung gewesen sei, weil er gezwungen war mit dem Instrumentarium von acht Hrnern so etwas wie eine Harmonik zu finden. Da gibt es jetzt Vierklnge, Zweiklnge, Achtklnge. [...] Es geht darum, immer wieder auf eine andere Weise immer wieder andere Antennen zu entwickeln. Und wenn das stimmt, dann msste es eigentlich auch einem C-Dur-Dreiklang mglich sein. Nachdem Sir Simon Rattle 2011 mit Tableau erstmals ein Orchesterwerk Helmut Lachenmanns aufs Programm gesetzt hat, widmen er und die Philharmoniker sich nun Lachenmanns umfangreichen und spektakulr besetztem Werk.Ein Komponist, der sich mit seinem Konzertstck fr vier Hrner ebenfalls von der Vervielfachung des Horns als Soloinstrument nicht abschrecken lie, war Robert Schumann, dessen Zweite Symphonie nach der Pause auf dem Programm steht. In diesem konsequent auf das Finale hin ausgerichteten Werk folgte der groe Romantiker dem Vorbild beethovenscher Finalsymphonien. Auch deshalb zog Ernst Gottschald in der Neuen Zeitschrift fr Musik 1850 den Vergleich zu Beethovens Neunter Symphonie, wobei Schumann ber Beethoven hinaus den grten Forstschritt in der Instrumentalmusik gemacht habe: Ludwig konnte es noch nicht mit den bloen Instrumenten, er musste von der Dichtkunst das Wort borgen, Robert vollbringts zum ersten Male mit den bloen Instrumenten.


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Kategorie: Klassik

In Kooperation mit dem Festspielhaus und Theater Baden-Baden


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Daniel Harding war Assistent von Sir Simon Rattle und Claudio Abbado. Fr seinen offiziellen Einstand am Pult des City of Birmingham Symphony Orchestra wurde er mit dem Royal Philharmonic Society Best Debut Award ausgezeichnet. 1996 dirigierte er im Rahmen der Berliner Festwochen zum ersten Mal die Berliner Philharmoniker und debtierte zudem bei den BBC Proms in London als jngster Dirigent in der Geschichte dieses renommierten Festivals. Als einer der erfolgreichsten Orchesterleiter seiner Generation ist er heute Musikdirektor des Schwedischen Radio-Symphonieorchesters mit dem er 2017 sein zehnjhriges Jubilum feierte. 2016 bernahm Daniel Harding dazu die Position des Chefdirigenten beim Orchestre de Paris. Er ist Ehrendirigent des Mahler Chamber Orchestra, das eine mehr als 20-jhrige knstlerische Zusammenarbeit mit ihm verbindet, und er war Chefdirigent des Trondheim Symphony Orchestra sowie der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen.Dieses Gastspiel bei den Berliner Philharmonikern lsst Daniel Harding mit der Orchestersuite Three Places in New England beginnen, deren drei Stzen Charles Ives berschriften vorangestellt hat, die sich auf naturhafte Szenerien oder Schaupltze aus der amerikanischen Historie beziehen So ist zum Beispiel der erste Satz, The Saint-Gaudens in Boston Common, einem Denkmal aus dem amerikanischen Brgerkrieg gewidmet. Die Musik der Three Places enthlt eine Flle von Anspielungen auf traditionelle Mrsche und Lieder, die immer wieder wie aus rumlicher und zeitlicher Distanz in den ruhigen musikalischen Verlauf hineinklingen.Anschlieend stehen Alban Bergs Drei Bruchstcke aus der Oper Wozzeck auf dem Programm, deren Sopranpart Dorothea Rschmann bernehmen wird. Berg extrahierte 1924 auf Anregung von Herrmann Scherchen Teile aus seinem bereits seit zwei Jahren vorliegenden Bhnenwerk, an dessen Premiere sich bislang kein Dirigent herangetraut hatte. Die zwischen innerem Seelendrama und expressivem Bekenntnis changierende Musik verfehlte ihre Wirkung nicht: Erich Kleiber war von der emotionalen Intensitt der Bruchstcke so hingerissen, dass er den Wozzeck am 14. Dezember 1925 an der Berliner Staatsoper Unter den Linden urauffhrte. Hauptwerk des Abends ist Gustav Mahlers Erste Symphonie, zu deren Beginn den Hrer mit dem Erwachen der Natur am frhesten Morgen (Mahler) ein musikalisch-rumliches Abbild kreatrlicher Waldeinsamkeit umfngt. Dem rustikalen Scherzo, das Willem Mengelberg schlicht als Bauerntanz bezeichnete, folgt der langsame Satz von einer bald ironisch lustigen, bald unheimlich brtenden Stimmung, bevor das mit einem entsetzlichen Aufschrei beginnende Finale (Mahler) fr einen dramatischen Abschluss sorgt.


Kategorie: Klassik

Daniel Harding war Assistent von Sir Simon Rattle und Claudio Abbado. Fr seinen offiziellen Einstand am Pult des City of Birmingham Symphony Orchestra wurde er mit dem Royal Philharmonic Society Best Debut Award ausgezeichnet. 1996 dirigierte er im Rahmen der Berliner Festwochen zum ersten Mal die Berliner Philharmoniker und debtierte zudem bei den BBC Proms in London als jngster Dirigent in der Geschichte dieses renommierten Festivals. Als einer der erfolgreichsten Orchesterleiter seiner Generation ist er heute Musikdirektor des Schwedischen Radio-Symphonieorchesters mit dem er 2017 sein zehnjhriges Jubilum feierte. 2016 bernahm Daniel Harding dazu die Position des Chefdirigenten beim Orchestre de Paris. Er ist Ehrendirigent des Mahler Chamber Orchestra, das eine mehr als 20-jhrige knstlerische Zusammenarbeit mit ihm verbindet, und er war Chefdirigent des Trondheim Symphony Orchestra sowie der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen.Dieses Gastspiel bei den Berliner Philharmonikern lsst Daniel Harding mit der Orchestersuite Three Places in New England beginnen, deren drei Stzen Charles Ives berschriften vorangestellt hat, die sich auf naturhafte Szenerien oder Schaupltze aus der amerikanischen Historie beziehen So ist zum Beispiel der erste Satz, The Saint-Gaudens in Boston Common, einem Denkmal aus dem amerikanischen Brgerkrieg gewidmet. Die Musik der Three Places enthlt eine Flle von Anspielungen auf traditionelle Mrsche und Lieder, die immer wieder wie aus rumlicher und zeitlicher Distanz in den ruhigen musikalischen Verlauf hineinklingen.Anschlieend stehen Alban Bergs Drei Bruchstcke aus der Oper Wozzeck auf dem Programm, deren Sopranpart Dorothea Rschmann bernehmen wird. Berg extrahierte 1924 auf Anregung von Herrmann Scherchen Teile aus seinem bereits seit zwei Jahren vorliegenden Bhnenwerk, an dessen Premiere sich bislang kein Dirigent herangetraut hatte. Die zwischen innerem Seelendrama und expressivem Bekenntnis changierende Musik verfehlte ihre Wirkung nicht: Erich Kleiber war von der emotionalen Intensitt der Bruchstcke so hingerissen, dass er den Wozzeck am 14. Dezember 1925 an der Berliner Staatsoper Unter den Linden urauffhrte. Hauptwerk des Abends ist Gustav Mahlers Erste Symphonie, zu deren Beginn den Hrer mit dem Erwachen der Natur am frhesten Morgen (Mahler) ein musikalisch-rumliches Abbild kreatrlicher Waldeinsamkeit umfngt. Dem rustikalen Scherzo, das Willem Mengelberg schlicht als Bauerntanz bezeichnete, folgt der langsame Satz von einer bald ironisch lustigen, bald unheimlich brtenden Stimmung, bevor das mit einem entsetzlichen Aufschrei beginnende Finale (Mahler) fr einen dramatischen Abschluss sorgt.


Kategorie: Klassik

Daniel Harding war Assistent von Sir Simon Rattle und Claudio Abbado. Fr seinen offiziellen Einstand am Pult des City of Birmingham Symphony Orchestra wurde er mit dem Royal Philharmonic Society Best Debut Award ausgezeichnet. 1996 dirigierte er im Rahmen der Berliner Festwochen zum ersten Mal die Berliner Philharmoniker und debtierte zudem bei den BBC Proms in London als jngster Dirigent in der Geschichte dieses renommierten Festivals. Als einer der erfolgreichsten Orchesterleiter seiner Generation ist er heute Musikdirektor des Schwedischen Radio-Symphonieorchesters mit dem er 2017 sein zehnjhriges Jubilum feierte. 2016 bernahm Daniel Harding dazu die Position des Chefdirigenten beim Orchestre de Paris. Er ist Ehrendirigent des Mahler Chamber Orchestra, das eine mehr als 20-jhrige knstlerische Zusammenarbeit mit ihm verbindet, und er war Chefdirigent des Trondheim Symphony Orchestra sowie der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen.Dieses Gastspiel bei den Berliner Philharmonikern lsst Daniel Harding mit der Orchestersuite Three Places in New England beginnen, deren drei Stzen Charles Ives berschriften vorangestellt hat, die sich auf naturhafte Szenerien oder Schaupltze aus der amerikanischen Historie beziehen So ist zum Beispiel der erste Satz, The Saint-Gaudens in Boston Common, einem Denkmal aus dem amerikanischen Brgerkrieg gewidmet. Die Musik der Three Places enthlt eine Flle von Anspielungen auf traditionelle Mrsche und Lieder, die immer wieder wie aus rumlicher und zeitlicher Distanz in den ruhigen musikalischen Verlauf hineinklingen.Anschlieend stehen Alban Bergs Drei Bruchstcke aus der Oper Wozzeck auf dem Programm, deren Sopranpart Dorothea Rschmann bernehmen wird. Berg extrahierte 1924 auf Anregung von Herrmann Scherchen Teile aus seinem bereits seit zwei Jahren vorliegenden Bhnenwerk, an dessen Premiere sich bislang kein Dirigent herangetraut hatte. Die zwischen innerem Seelendrama und expressivem Bekenntnis changierende Musik verfehlte ihre Wirkung nicht: Erich Kleiber war von der emotionalen Intensitt der Bruchstcke so hingerissen, dass er den Wozzeck am 14. Dezember 1925 an der Berliner Staatsoper Unter den Linden urauffhrte. Hauptwerk des Abends ist Gustav Mahlers Erste Symphonie, zu deren Beginn den Hrer mit dem Erwachen der Natur am frhesten Morgen (Mahler) ein musikalisch-rumliches Abbild kreatrlicher Waldeinsamkeit umfngt. Dem rustikalen Scherzo, das Willem Mengelberg schlicht als Bauerntanz bezeichnete, folgt der langsame Satz von einer bald ironisch lustigen, bald unheimlich brtenden Stimmung, bevor das mit einem entsetzlichen Aufschrei beginnende Finale (Mahler) fr einen dramatischen Abschluss sorgt.


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Sie sind im wahrsten Sinn des Wortes ein eingespieltes Team nicht nur als Orchesterkollegen, sondern auch als Kammermusikpartner. Das aus vier philharmonischen Streichern bestehende Philharmonia Quartett besticht durch eine unverwechselbare Klangkultur: Sein Markenzeichen ist jener nuancenreiche und dennoch homogene Klang, an dem die Musiker seit fast 35 Jahren immer wieder feilen und polieren. Die ausgewogene Balance zwischen Individualitt und Ensemblegeist bilde so die Musiker eine Sule des knstlerischen Erfolgs. Die andere sei die Kontinuitt in der Zusammenarbeit. Es gibt so eine Art unerklrliche Gemeinsamkeit, eine gemeinsame Ensemblesprache, die sich mit der Zeit einstellt.Was das Philharmonia Quartett noch auszeichnet: Sein Faible fr ungewhnliche Programmzusammenstellungen. An diesem Abend prsentiert es zwei Meilensteine der modernen Quartettliteratur. Das Zweite Streichquartett von Karol Szymanowski aus dem Jahr 1927 bedient zwar in seinem formalen Aufbau noch klassische Formprinzipien, aber hinsichtlich seiner expressiven Tonsprache mit den flirrenden Begleitstimmen, der avantgardistischen Harmonik und den Anklngen an polnische Volksmusik weist das Werk seinen Schpfer deutlich als Komponisten des 20. Jahrhunderts aus. Ebenso wie Leo Jan?ek, dessen fast zeitgleich entstandenes Streichquartett Nr. 2 Intime Briefe ein musikalisches Liebesbekenntnis an die 38 Jahre jngere Kamilla Stsslova, der Muse seiner letzten Lebensjahre, abgibt pathetisch, leidenschaftlich und hochemotional. Dazwischen erklingt das Sechste der Streichquartette op. 18 von Ludwig van Beethoven. Mit seinen Opus 18 versuchte sich der 30-jhrige Komponist erstmals in der damals noch recht jungen Gattung des Streichquartetts. Noch nach seinem eigenen Stil suchend und sich an den Vorbildern von Haydn und Mozart orientierend, zeugen diese ersten Quartette bereits von Beethovens kompositorischer Meisterschaft.


Kategorie: Klassik


Änderungen vorbehalten! - Angaben ohne Gewähr! - Stand:30.08.18
© Fotos der Vorstellungen: [+][-]
MusikPLUS - Percussionstheater(Dorothea Huber/Dorothea Huber) Gastveranstaltung(/) Zubin Mehta und Martin Grubinger(Monika Rittershaus/Monika Rittershaus) Konzert mit Karl-Forster-Chor Berlin, Heiko Holtmeier(/) Familienkonzert Karneval der Tiere(/) Konzert mit Ton Koopman, Mathieu Dufour, Marion Ravot(Peter Adamik/Peter Adamik) Konzert mit Edward Gardner, Clmentine Margaine(/) Lunchkonzert(/) Konzert mit Ian Bostridge, Brad Mehldau(Sim Canetty Clark/Sim Canetty Clark) Kirill Petrenko und Patricia Kopatchinskaja(Marco Borggreve/Marco Borggreve) In memoriam Claudio Abbado(Erika Rabau/Erika Rabau) Late Night mit Patricia Kopatchinskaja(Marco Borggreve/Marco Borggreve) 4. Musiklabor: Innenansichten eines Regisseurs(Dorothea Huber/Dorothea Huber) Konzert mit Boris Brovtsyn, Jens Peter Maintz, Eldar Nebolsin, Lukas Bhm, Ni Fan(/) Konzert mit Moskauer Kathedralchor(/) Bachs Johannes-Passion mit Simon Rattle und Peter Sellars(Monika Rittershaus/Monika Rittershaus) Konzert mit Andreas Wittmann, Eloi?se Bella Kohn(/) Konzert mit Vincent Dubois, Marie-Andre Joerger(Heribert Schindler/Heribert Schindler) Konzert mit Markus Poschner, Gabriel Adorjn(/) Jrg Widmann dirigiert die Junge Deutsche Philharmonie(Achim Reissner/Achim Reissner) Carte blanche(Peter Adamik/Peter Adamik) Konzert mit Raimar Orlovsky, Alexander Schneider(Alessandro Cappone/Alessandro Cappone) Sir Simon Rattle dirigiert Schumann und Lachenmann(Monika Rittershaus/Monika Rittershaus) Konzert mit Vokalhelden-Kinderchor, Aurlien Bello, Tiina Hartmann(Dorothea Huber/Dorothea Huber) Konzert mit Simon Rssler(/) Konzert mit David Robert Coleman, Nadja Korovina(/) Konzert mit Philharmonischer Chor Berlin, Jrg-Peter Weigle, Janina Staub, Carmen Artaza, Thomas Michael Allen, Hanno Mller-Brachmann(/) Konzert mit Kent Nagano, Jean-Yves Thibaudet(/) Konzert mit Paavo Jrvi, Waltraud Meier(/) Daniel Harding dirigiert Mahlers Erste Symphonie(Harald Hoffmann/Harald Hoffmann) Konzert mit Stanley Dodds, zgr Aydin(/) Konzert mit Karina Canellakis, Pekka Kuusisto(/) Konzert mit Daniel Stabrawa, Christian Stadelmann, Neithard Resa, Dietmar Schwalke(Stefan Rhl/Stefan Rhl)

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