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Deutsches Theater Berlin

Schumannstraße 13 A - 10117 Berlin

Tel: 030 28441-0 / Fax: 030 2824-117

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Spielplan für Februar 2018

Vom weißen Blatt zur Oper: Jamie Man, Josep Planells und Feliz Anne Reyes Macahis – die drei Gewinner des Kompositionswettbewerbs NEUE SZENEN IV – stecken mitten in der Arbeit für ein je dreißigminütiges Musiktheaterwerk, die zu einem Abend gebündelt im Frühjahr 2019 in der Tischlerei uraufgeführt werden. Bereits ein Jahr vorher, im Gesprächskonzert am 1. Februar 2018, geben sie einen Einblick in ihre Musiktheater-Werkstatt und lassen sich über die Schultern blicken: Sie berichten von ihren Ideen für die neuen Opern, von unterschiedlichen Arbeitsweisen und Kompositionstechniken. Und sie haben drei Miniaturen für Stimme solo oder Stimme mit Klavier bereits zum Abschluss gebracht und stellen sie dem Publikum vor: Uraufgeführt werden sie von jungen Sängerinnen und Sängern der Hochschule für Musik „Hanns Eisler“ Berlin, die auch mit weiteren Kompositionen zu hören sind. Gesprächskonzert mit Jamie Man, Josep Planells und Feliz Anne Reyes Macahis (Gewinnern des Kompositionswettbewerbs NEUE SZENEN IV) und Studierenden der Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin


Kategorie: Klassik

Einen modernen Prometheus nannte Mary Shelley ihren Frankenstein im Untertitel – er stiehlt zwar nicht den Göttern das Feuer und wird dafür bestraft, doch auch Frankenstein will gottgleich sein: Er schafft Leben. Der 1818 zunächst anonym veröffentlichte Roman – entstanden war die Erzählung als Zeitvertreib während eines Besuchs Mary Shelleys bei Lord Byron am Genfer See – faszinierte Leser und Künstler von Beginn an. Ganz im Stil der Schauerromantik variiert die Autorin darin ein Thema, das nicht nur Wissenschaftler, gerade zu Beginn des 19. Jahrhunderts, umtrieb: Wie weit darf der Forschungsdrang des Menschen gehen? Wie ein Doktor Faust, wie ein Prometheus scheint Viktor Frankenstein die Grenzen des human Möglichen zu überschreiten, wenn er lebende Materie aus totem Fleisch schafft. Es ist faszinierend, dass es gerade dieser Stoff war, der gut hundert Jahre später die ersten Filmemacher umtrieb. Bis heute gibt es unzählige Verfilmungen, Variationen und Weitererzählungen des Stoffes, die Frankenstein zu einem der größten Phänomene der Populärkultur gemacht haben. Regisseur Maximilian von Mayenburg, der 2015 für seine Bielefelder XERXES-Inszenierung mit dem Tischlereipreis der Götz-Friedrich-Stiftung ausgezeichnet wurde, nimmt sich dieses großen Stoffes an. Gemeinsam mit seinem Ausstattungsteam verwandelt er die Tischlerei in ein Labor – die Zuschauer werden teilhaben an der Erschaffung menschlichen Lebens und mit musikalischen Splittern, Klängen und Atmosphären den Leidensweg von Schöpfer und Monster nachvollziehen.


Kategorie: Neue Musik

Einen modernen Prometheus nannte Mary Shelley ihren Frankenstein im Untertitel – er stiehlt zwar nicht den Göttern das Feuer und wird dafür bestraft, doch auch Frankenstein will gottgleich sein: Er schafft Leben. Der 1818 zunächst anonym veröffentlichte Roman – entstanden war die Erzählung als Zeitvertreib während eines Besuchs Mary Shelleys bei Lord Byron am Genfer See – faszinierte Leser und Künstler von Beginn an. Ganz im Stil der Schauerromantik variiert die Autorin darin ein Thema, das nicht nur Wissenschaftler, gerade zu Beginn des 19. Jahrhunderts, umtrieb: Wie weit darf der Forschungsdrang des Menschen gehen? Wie ein Doktor Faust, wie ein Prometheus scheint Viktor Frankenstein die Grenzen des human Möglichen zu überschreiten, wenn er lebende Materie aus totem Fleisch schafft. Es ist faszinierend, dass es gerade dieser Stoff war, der gut hundert Jahre später die ersten Filmemacher umtrieb. Bis heute gibt es unzählige Verfilmungen, Variationen und Weitererzählungen des Stoffes, die Frankenstein zu einem der größten Phänomene der Populärkultur gemacht haben. Regisseur Maximilian von Mayenburg, der 2015 für seine Bielefelder XERXES-Inszenierung mit dem Tischlereipreis der Götz-Friedrich-Stiftung ausgezeichnet wurde, nimmt sich dieses großen Stoffes an. Gemeinsam mit seinem Ausstattungsteam verwandelt er die Tischlerei in ein Labor – die Zuschauer werden teilhaben an der Erschaffung menschlichen Lebens und mit musikalischen Splittern, Klängen und Atmosphären den Leidensweg von Schöpfer und Monster nachvollziehen.


Kategorie: Neue Musik

Als „Salomé“ von Oscar Wilde 1896 in Paris zum ersten Mal auf die Bühne kam, verbüßte der Autor in London eine Zuchthausstrafe wegen „grober Unsittlichkeit“. In Großbritannien und auch in den deutschsprachigen Ländern waren nur Privataufführungen des skandalumwitterten Stücks möglich. Eine solche besuchte Richard Strauss 1902 in Max Reinhardts „Kleinem Theater“ in Berlin. Ein Jahr später entschied er sich dazu, Wildes Text zur Grundlage eines Operneinakters zu machen. Die Uraufführung der SALOME 1905 in Dresden war ein durchschlagender Erfolg für den Komponisten. Er fordert darin das Genre heraus: Eine rauschhafte und liebestrunkene Musik kontrastiert das denkbar grässlichste, monströseste Geschehen. Die Oper beginnt ohne Vorspiel, und wir werden direkt in Salomes Welt hineinkatapultiert. Salome lebt in einer perfekten bürgerlichen Welt. Sie ist die Tochter der Herodias. Mit ihr lebt sie bei ihrem Stiefvater Herodes – ein mächtiger Mann in einer Männerwelt. Und er hat ein ganz besonderes Verhältnis zu seiner neuen Tochter, der kleinen Prinzessin. Und sie zu ihm. In dieser Familienkonstellation wächst das Kind Salome heran. Und in der Nacht, wenn alle anderen schlafen, imaginiert sie sich ihre eigene Welt. Sie nimmt den Kampf mit ihrem neuen Vater auf, der sie einschüchtert, der sie begehrt, der mit ihr spielt. Diesen Vater, diesen Mann will sie besiegen. Sie erinnert sich an ihre Kindheit, und sie schaut sich selbst zu, wie sie spielt: Vater, Mutter, Kind. Das ist eine hochexplosive Welt, in die sie sich hineinträumt. Aus diesen dunklen Träumen heraus erschafft sich Salome in der Nacht eine Gestalt, einen Gegenentwurf zu der Welt, in der sie sich befindet. Dieses Wesen ist Jochanaan. In dem Familienspiel fungiert er als der Anti-Vater, als die Waffe gegen den Vater, als Erlöser- und Retterfigur. Und wenn der Tag anbricht, sitzt Jochanaan mit Vater, Mutter und dem kriegerischen Kind mit am Tisch. Gemeinsam mit Jochanaan wird Salome diese Ordnung aufsprengen. SALOME ist die erste Arbeit von Claus Guth an der Deutschen Oper Berlin. Seit 1999, als er bei den Salzburger Festspielen mit großem Erfolg CRONACA DEL LUOGO von Luciano Berio inszenierte, gehört er zu den gefragtesten Opernregisseuren der Welt. Salzburg, wo er unter anderem die „Da Ponte Trilogie“ [mit Anna Netrebko als Susanna in LE NOZZE DI FIGARO] inszenierte, Bayreuth [DER FLIEGENDE HOLLÄNDER 2003], Zürich, Mailand, München, Hamburg, Frankfurt, Dresden und das Theater an der Wien gehören zu seinen regelmäßigen Stationen wie auch die Staatsoper im Schillertheater.


Kategorie: Oper

Jazz & Breakfast – eine Veranstaltungsreihe des Restaurants Deutsche Oper [rdo] und der Deutschen Oper Berlin: Eine reizvolle – und wohl in der Stadt einmalige – Mischung von akustischen und frühstückskulinarischen Genüssen. In enger Zusammenarbeit mit Sebastian „Sese“ Krol und Rüdiger „Rübe“ Ruppert aus der BigBand der Deutschen Oper Berlin [und natürlich hauptberuflich im Orchester der Deutschen Oper Berlin] hat Restaurantinhaber Martin Hattenbach vom rdo diesmal fünf Konzerte im Angebot.


Kategorie: Klassik

Mit seiner CARMEN schrieb Georges Bizet eine Kampfansage an die romantische Oper: Mit ihrem unbeugsamen Freiheitswillen verkörpert die Titelheldin das Gegenbild zu den passiven, leidenden Frauenfiguren, die zuvor die Opernbühne beherrscht hatten. Doch antiromantisch ist CARMEN in einem noch umfassenderen Sinn: Bizets Oper zeigt eine Welt, in der Liebe als zwischenmenschliches Gefühl keinen Platz mehr hat und längst durch Sex und Gewalt abgelöst wurde. Carmen und der Torero Escamillo sind Repräsentanten dieser Gesellschaft, in der nur noch das Recht des Stärkeren zählt. Eine Welt, in der Don José mit seinem bürgerlichen Ideal von Liebe ein Fremdling bleibt, der zum Scheitern verurteilt ist . Mit diesem illusionslosen Blick auf die Trostlosigkeit der menschlichen Existenz steht Bizet in unmittelbarer Nähe zu den Romanen eines Emile Zola – entgegen dem Klischeebild vieler Aufführungen ist Bizets Spanien ein Ort, der die Hässlichkeit der Armut in hellem Licht zeigt. Nach seinem erfolgreichen Regiedebüt an der Deutschen Oper Berlin mit Schostakowitschs LADY MACBETH VON MZENSK hat sich der norwegische Regisseur Ole Anders Tandberg nun vorgenommen, diese elementaren Triebkräfte in Bizets Meisterwerk wieder spürbar zu machen. Mit der Französin Clémentine Margaine, die ihre internationale Karriere an diesem Haus begann, steht ihm dabei eine der großen Carmen-Interpretinnen der Gegenwart zur Seite.


Kategorie: Oper

Einen modernen Prometheus nannte Mary Shelley ihren Frankenstein im Untertitel – er stiehlt zwar nicht den Göttern das Feuer und wird dafür bestraft, doch auch Frankenstein will gottgleich sein: Er schafft Leben. Der 1818 zunächst anonym veröffentlichte Roman – entstanden war die Erzählung als Zeitvertreib während eines Besuchs Mary Shelleys bei Lord Byron am Genfer See – faszinierte Leser und Künstler von Beginn an. Ganz im Stil der Schauerromantik variiert die Autorin darin ein Thema, das nicht nur Wissenschaftler, gerade zu Beginn des 19. Jahrhunderts, umtrieb: Wie weit darf der Forschungsdrang des Menschen gehen? Wie ein Doktor Faust, wie ein Prometheus scheint Viktor Frankenstein die Grenzen des human Möglichen zu überschreiten, wenn er lebende Materie aus totem Fleisch schafft. Es ist faszinierend, dass es gerade dieser Stoff war, der gut hundert Jahre später die ersten Filmemacher umtrieb. Bis heute gibt es unzählige Verfilmungen, Variationen und Weitererzählungen des Stoffes, die Frankenstein zu einem der größten Phänomene der Populärkultur gemacht haben. Regisseur Maximilian von Mayenburg, der 2015 für seine Bielefelder XERXES-Inszenierung mit dem Tischlereipreis der Götz-Friedrich-Stiftung ausgezeichnet wurde, nimmt sich dieses großen Stoffes an. Gemeinsam mit seinem Ausstattungsteam verwandelt er die Tischlerei in ein Labor – die Zuschauer werden teilhaben an der Erschaffung menschlichen Lebens und mit musikalischen Splittern, Klängen und Atmosphären den Leidensweg von Schöpfer und Monster nachvollziehen.


Kategorie: Neue Musik

Die literarische Vorlage zu Puccinis „Folteroper“ (Oskar Bie) lieferte Victorien Sardou (1831–1908) mit seinem erfolgreichen Theaterstück LA TOSCA, das 1887 in Paris mit Sarah Bernhardt in der Titelrolle uraufgeführt wurde. Nachdem Puccini 1889 das Stück auf einer Tournee in Mailand erlebt hatte, war er auf Anhieb begeistert von dem Stoff. Aber der TOSCA-Plan bleibt zunächst sechs Jahre liegen, bis Puccini, vermutlich angeregt durch eine weitere Aufführung des Sardou-Dramas in Florenz und durch Luigi Illicas Arbeit an einem TOSCA-Libretto für den Komponisten Alberto Franchetti (1860–1942), Interesse an dem Stoff findet. Nach einer „Verschwörung“ zwischen Puccini, Illica und Ricordi gelingt es dem Verleger, Franchetti zur Aufgabe seines TOSCA-Projektes zu bewegen und Puccini die Vertonungsrechte zu überlassen. Wie in allen Opern Puccinis zeigt auch TOSCA, wie sich menschliche Aufmerksamkeit und kulinarisches Vergnügen einander bedingen können, wenn die künstlerischen Intentionen des Komponisten zum Maßstab der Interpretation werden. Der Aufschrei wie die Resignation sind die wesentlichen Bedingungen der humanen Aufmerksamkeit Puccinis: Das Mitleid, das er komponierte, begnügt sich nicht mit abstrakten Gesten, sondern zielt auf Unruhe, auf Veränderung. Aus den »kleinen Dingen«, die Puccini mit modernem Understatement als seinen Gegenstand bezeichnete, werden „große“, sofern wir das nur wollen. Der Zusammenhang zwischen Puccinis direkt und indirekt vom Geist Zolas, Hauptmanns und Gorkis beeinflusster Stoffwahl und seiner Kompositionsweise lässt darauf schließen, dass man ihm mit der Bezeichnung als Verdi-Nachfolger mit dem Etikett des Verismo versieht. Bekanntlich war er ein großer Wagner-Verehrer, aber alles andere als ein Epigone. Vielmehr schuf er eine sehr persönliche Verbindung aus einigen Errungenschaften beider. Alle gewonnenen Verfeinerungen der Harmonie und alle Differenzierungen der Instrumentation verarbeitend, erlöste er dennoch die Stimme aus der orchestralen Verflechtung und gab ihr zugleich ein weitaus gebrocheneres, klangsensibleres Accompagnato im Orchester als der radikale Lakoniker Verdi. Dafür steht auch die ästhetische Thematik der TOSCA. Der musikalische Gestus ist ebenso brutal wie zärtlich, intelligent wie sentimental, präzise wie träumerisch. Puccini möchte unbedingt Lebenswahrheit, Genauigkeit auch des musikalischen Details, soziale Aufmerksamkeit, den poetischen Klang des scheinbar Alltäglichen, das Heroische mit Kalkül, den Kontrast zwischen engagierter Leidenschaft und kühler Distanz. Der Polizeichef Scarpia, die Sängerin Floria Tosca und der Maler Cavaradossi beanspruchen Freiheit in jeder persönlichen Variante: als dynamisch-subjektiven Machtanspruch (Scarpia), als auf Veränderung zielendes rebellisches Ethos (Cavaradossi), als private, schlichte und zugleich grenzenlose Liebe (Tosca). In einer Zeit epochaler Umwälzungen gewinnen solche Haltungen exemplarische Sinnfälligkeit. Je nachdem, wie wir uns und Puccini in dieser Zeit begreifen, bleibt TOSCA eine Schauerromanze oder gerät zum Menetekel des Themas „Freiheit“. Jedenfalls bezahlt jeder der konträren Partner diese Dreiecksgeschichte mit dem Tod. Ihr Sterben nimmt keine Erlösungsgloriole für sich in Anspruch, sondern ist bitter, entsetzlich, definitiv. Götz Friedrichs 1987 vorgenommene Neueinstudierung von Boleslaw Barlogs geradliniger und auf szenische Konkretheit bedachter Inszenierung aus dem Jahr 1969 nimmt die Intentionen Puccinis beim Wort – die gegenseitige Bedingtheit von menschlicher Aufmerksamkeit und kulinarischem Vergnügen wird von der Musik inspiriert zum Ausgangspunkt auch der szenischen Interpretation.


Kategorie: Oper

„La scuola degli amanti“ – „Die Schule der Liebenden“ lautet der Untertitel der dritten und letzten Zusammenarbeit von Mozart und Lorenzo da Ponte. Und tatsächlich lernen die vier Figuren, die im Verlaufe von COSI FAN TUTTE diese Schule durchlaufen, eine ganze Menge: über das Leben, über die Liebe und vor allem über sich selbst. Begegnet man zu Beginn noch vier jungen Menschen, die felsenfest auf die moralischen Überzeugungen und vorgezeichneten Karrierepläne vertrauen, die ihnen von Kind auf eingetrichtert wurden, so wird dieses Fundament im Verlauf der Oper immer stärker in Frage gestellt. Und am Ende stehen Ferrando und Guglielmo, Fiordiligi und Dorabella vor der Erkenntnis, dass sie mit der Ungewissheit über die eigenen Gefühle wie über die der anderen leben müssen. Eine Ungewissheit, ohne deren Akzeptanz jedoch Verständnis und Liebe nicht möglich sind. Dieser Reifeprozess ist auch für Robert Borgmann das zentrale Thema von COSI FAN TUTTE. Für den Leipziger, der zu den interessantesten Sprechtheater-Regisseuren seiner Generation zählt und nun seine erste Oper inszeniert, ist Mozarts Stück eine durchaus ernste Oper über das Erwachsenwerden – ein Stück über die Ängste, die mit dem Wahrnehmen der eigenen körperlichen und psychischen Veränderungen verbunden sind, ein Stück auch über die Abgründe, die in jedem von uns verborgen sind und in die die vier im Laufe der Oper zum ersten Mal im Leben blicken.


Kategorie: Oper

Unsere Führungen durch das Zuschauerhaus und über die Bühnen sowie durch die Probenräume und das Bühnenbildmagazin der Deutschen Oper Berlin vermitteln Ihnen spannende Eindrücke und Wissenswertes über die Deutsche Oper Berlin und den Alltag hinter den Kulissen. Welches architektonische Konzept verbirgt sich hinter der langen Waschbeton-Fassade an der Bismarckstraße? Wie entsteht ein Bühnenbild? Wie laufen Proben ab? Erfahren Sie außerdem Details zur bewegten Geschichte des Hauses, das heute mit seinen modernen Neuinszenierungen und den frühen Repertoireschätzen einen Querschnitt durch über 40 Jahre Inszenierungs- und Aufführungspraxis zu bieten hat.


Kategorie: Führung

Mit seiner CARMEN schrieb Georges Bizet eine Kampfansage an die romantische Oper: Mit ihrem unbeugsamen Freiheitswillen verkörpert die Titelheldin das Gegenbild zu den passiven, leidenden Frauenfiguren, die zuvor die Opernbühne beherrscht hatten. Doch antiromantisch ist CARMEN in einem noch umfassenderen Sinn: Bizets Oper zeigt eine Welt, in der Liebe als zwischenmenschliches Gefühl keinen Platz mehr hat und längst durch Sex und Gewalt abgelöst wurde. Carmen und der Torero Escamillo sind Repräsentanten dieser Gesellschaft, in der nur noch das Recht des Stärkeren zählt. Eine Welt, in der Don José mit seinem bürgerlichen Ideal von Liebe ein Fremdling bleibt, der zum Scheitern verurteilt ist . Mit diesem illusionslosen Blick auf die Trostlosigkeit der menschlichen Existenz steht Bizet in unmittelbarer Nähe zu den Romanen eines Emile Zola – entgegen dem Klischeebild vieler Aufführungen ist Bizets Spanien ein Ort, der die Hässlichkeit der Armut in hellem Licht zeigt. Nach seinem erfolgreichen Regiedebüt an der Deutschen Oper Berlin mit Schostakowitschs LADY MACBETH VON MZENSK hat sich der norwegische Regisseur Ole Anders Tandberg nun vorgenommen, diese elementaren Triebkräfte in Bizets Meisterwerk wieder spürbar zu machen. Mit der Französin Clémentine Margaine, die ihre internationale Karriere an diesem Haus begann, steht ihm dabei eine der großen Carmen-Interpretinnen der Gegenwart zur Seite.


Kategorie: Oper

Eine Woche lang schwirren 50 Kinder und Jugendliche in die Stadt aus, forschen nach Klängen Berlins, treffen sich mit Experten, entwickeln Fragestellungen, suchen Antworten und finden noch mehr Fragen. Sie sind auf der Suche nach Klängen, Musik und Geräuschen. Die Ergebnisse werden in einer Hör-Show in der Tischlerei präsentiert.


Kategorie: Crossover

DER TROUBADOUR gehört zu Verdis meistgespielten und beliebtesten Opern. Das düstere Kolorit im Spanien des 15. Jahrhunderts und die ungeheuer zarte und zugleich heroische Liebesgeschichte zwischen Leonora und ihrem Troubadour Manrico ließ die Uraufführung des Werkes zum persönlichen Triumph für den Komponisten werden und markierte das Ende seiner sogenannten „Galeerenjahre“. Die schwelgerischen Melodien, die südlichleuchtende Farbigkeit der Musik, aber auch die Innigkeit in den Arien vor allem Leonoras erreichen hier eine Tiefendimension, die über den bloßen Belcanto-Ton weit hinausweist. An seinen Librettisten Salvadore Cammarano schrieb Verdi: „Wenn man mir Poesie anbietet, die man in Musik setzen kann, dann ist mir jede Form, jede Aufteilung recht.- mehr noch, je neuartiger und ausgefallener diese ist, umso glücklicher bin ich darüber.“ Und er fügte einen Satz hinzu, der für die Operngeschichte wegweisend werden sollte: „Wenn die ganze Oper [ich möchte fast sagen] nur eine einzige Nummer wäre, dann würde ich das vernünftiger und richtiger finden.“ Auf dem Weg von der Nummernoper zum Musiktheater des 20. Jahrhunderts ist sein TROUBADOUR ein erster wichtiger Schritt.


Kategorie: Oper

Klassisches Kunstlied und moderne Lyrik: Die Veranstaltungsreihe in Zusammenarbeit mit dem Haus für Poesie vereint Liederabend und Dichterlesung. An jedem der vier Abende im Foyer der Deutschen Oper wird ein Dichter eigene Werke vorstellen, die in inhaltlichem Bezug zu den Liedern des Programms stehen.


Kategorie: Klassik

DER TROUBADOUR gehört zu Verdis meistgespielten und beliebtesten Opern. Das düstere Kolorit im Spanien des 15. Jahrhunderts und die ungeheuer zarte und zugleich heroische Liebesgeschichte zwischen Leonora und ihrem Troubadour Manrico ließ die Uraufführung des Werkes zum persönlichen Triumph für den Komponisten werden und markierte das Ende seiner sogenannten „Galeerenjahre“. Die schwelgerischen Melodien, die südlichleuchtende Farbigkeit der Musik, aber auch die Innigkeit in den Arien vor allem Leonoras erreichen hier eine Tiefendimension, die über den bloßen Belcanto-Ton weit hinausweist. An seinen Librettisten Salvadore Cammarano schrieb Verdi: „Wenn man mir Poesie anbietet, die man in Musik setzen kann, dann ist mir jede Form, jede Aufteilung recht.- mehr noch, je neuartiger und ausgefallener diese ist, umso glücklicher bin ich darüber.“ Und er fügte einen Satz hinzu, der für die Operngeschichte wegweisend werden sollte: „Wenn die ganze Oper [ich möchte fast sagen] nur eine einzige Nummer wäre, dann würde ich das vernünftiger und richtiger finden.“ Auf dem Weg von der Nummernoper zum Musiktheater des 20. Jahrhunderts ist sein TROUBADOUR ein erster wichtiger Schritt.


Kategorie: Oper

„La scuola degli amanti“ – „Die Schule der Liebenden“ lautet der Untertitel der dritten und letzten Zusammenarbeit von Mozart und Lorenzo da Ponte. Und tatsächlich lernen die vier Figuren, die im Verlaufe von COSI FAN TUTTE diese Schule durchlaufen, eine ganze Menge: über das Leben, über die Liebe und vor allem über sich selbst. Begegnet man zu Beginn noch vier jungen Menschen, die felsenfest auf die moralischen Überzeugungen und vorgezeichneten Karrierepläne vertrauen, die ihnen von Kind auf eingetrichtert wurden, so wird dieses Fundament im Verlauf der Oper immer stärker in Frage gestellt. Und am Ende stehen Ferrando und Guglielmo, Fiordiligi und Dorabella vor der Erkenntnis, dass sie mit der Ungewissheit über die eigenen Gefühle wie über die der anderen leben müssen. Eine Ungewissheit, ohne deren Akzeptanz jedoch Verständnis und Liebe nicht möglich sind. Dieser Reifeprozess ist auch für Robert Borgmann das zentrale Thema von COSI FAN TUTTE. Für den Leipziger, der zu den interessantesten Sprechtheater-Regisseuren seiner Generation zählt und nun seine erste Oper inszeniert, ist Mozarts Stück eine durchaus ernste Oper über das Erwachsenwerden – ein Stück über die Ängste, die mit dem Wahrnehmen der eigenen körperlichen und psychischen Veränderungen verbunden sind, ein Stück auch über die Abgründe, die in jedem von uns verborgen sind und in die die vier im Laufe der Oper zum ersten Mal im Leben blicken.


Kategorie: Oper

Lydia Lunch ist Sängerin, Dichterin, Schauspielerin und Aktivistin – und Ikone der New Yorker No Wave-Szene. Mit ihrem Album „My Lover the Killer“ spiegelt sie das verstörende Erlebnis einer – fast – Wiederbegegnung mit einem ehemaligen Geliebten. Sie hatten eine zerstörerische, sich im Drogenrausch verlierende Beziehung am Rande des Abgrunds, der Lydia Lunch nur mit Mühe entkam. Jahre später wollte sie ihren ehemaligen Geliebten wiedertreffen. Doch wenige Stunden vor dem Wiedersehen erschoss dieser zunächst seine Lebensgefährtin und dann sich selbst. Die szenische, erstmals in Deutschland zu erlebende Aufführung von „My Lover the Killer“ verbindet sich mit Stücken aus George Bizets CARMEN – jener Oper des 19. Jahrhunderts, die wie kaum ein anderes Bühnenwerk faszinierendes Fanal und vor Leidenschaft glühende Reflexion über die Abgründe des Eros ist. Fünf Opern und ihr Double: fünf Opernpremieren der großen Bühne werden in der Tischlerei AUS DEM HINTERHALT in den Blick genommen, kommentiert und reflektiert, zerschraubt und remontiert. Es entstehen Abende zwischen Musiktheater und Konzert, Performance und Installation. Künstler aus dem Ensemble der Deutschen Oper Berlin treffen auf Gastkünstler verschiedenster Sparten, die mit ihrem Blick „von außen“ auf das jeweilige Werk reagieren und Neues entstehen lassen. Gastkünstler sind unter anderem der Neubauten-Schlagzeuger N.U. Unruh, die New Yorker No Wave-Ikone Lydia Lunch, das Duo Amnesia Scanner, der Rapper und Lyriker Black Cracker oder auch die Regisseurinnen Julia Lwowski und Franziska Kronfoth mit ihren sinnlich-anarchischen Opern-Mashups. Die künstlerische Leitung der Reihe liegt in den Händen der Regisseurin, Komponistin und Musikerin Alexandra Holtsch.


Kategorie: Neue Musik

Als Vorbereitung auf den Vorstellungsbesuch bieten wir Workshops für Kinder mit einem Eltern- oder Großelternteil an. Dabei ist Mitmachen gefragt: Mit Stimme, Theaterspiel und einfachen Instrumenten entdeckt Ihr das Stück und die Inszenierung.


Kategorie: Workshop

Mit ihrer Kammermusik-Reihe haben sich die Musiker und Musikerinnen des Orchesters der Deutschen Oper Berlin einen Wunsch erfüllt: Inspiriert von zentralen Produktionen des Opernspielplans, stellen sie Konzertprogramme mit Werken zusammen, die ihnen persönlich am Herzen liegen. Dabei werden sie von Sängern aus dem Ensemble des Hauses, aber auch von Gästen unterstützt. Die Konzerte finden in den Bühnenbildern der jeweils aktuellen Tischlerei-Produktion statt, die immer wieder für neue, unkonventionelle Raumlösungen sorgen.


Kategorie: Klassik

Eine verführerische Schöne aus der nächsten Kleinstadt, von deren zweifelhafter Moral man durch ihren Liebhaber so Einiges zu hören bekommt, obwohl sie selbst nie in Erscheinung tritt. Ein hoffnungslos verliebter Tenor, den auch die aufrichtige Liebe eines sittsamen Mädchens nicht rettet. Eine besorgte Mutter, die ihre Zuneigung recht ungleich unter ihren Söhnen aufteilt. Ein flegelhafter Nebenbuhler, ein weiser Hirte, Blumenchöre und ländliches Flair: Dies alles verleiht Francesco Cileas L’ARLESIANA, dem Mädchen aus Arles, seinen besonderen Charme zwischen veristischer Milieustudie, emotionalen Belcanto-Linien und ahnungsvoller Melancholie. Eine echte Rarität auf heutigen Spielplänen, galt seine ARLESIANA dem Komponisten zu Lebzeiten beinahe mehr als die berühmtere ADRIANA LECOUVREUR. Bis zu seinem Tod sollte er die Oper mehrfach überarbeiten, um immer neue Schönheiten aus dem Stoff herauszuschlagen. Bereits die Uraufführung 1897 geriet zum Startschuss für die Weltkarriere des jungen Enrico Caruso. In der konzertanten Aufführung an der Deutschen Oper Berlin tritt Joseph Calleja – nicht zuletzt Gewinner des Caruso-Gesangswettbewerbs – die Nachfolge des italienischen Tenorstars an. Dolora Zajick, die gefeierte Verdi-Interpretin, und Guanqun Yu stehen ihm als leidgeprüfte Mutter und unschuldige Liebende zur Seite.


Kategorie: Oper

Prinz Tamino wird von einem wilden Drachen bedroht. In letzter Minute retten ihn drei geheimnisvolle Frauen, Abgesandte der Königin der Nacht. Als der Vogelfänger Papageno auftaucht und sich mit der Heldentat brüstet, bestrafen sie ihn. Dem Prinzen überreichen sie ein Bild von Pamina, der Tochter der Königin, die vom Herrscher des Sonnentempels, Sarastro, gefangen gehalten wird. Tamino verliebt sich in sie. Da erscheint die Königin selbst und befiehlt ihm, zusammen mit Papageno Pamina zu retten. Eine Zauberflöte soll ihn vor Gefahren schützen, der widerstrebende Papageno erhält ein magisches Glockenspiel. Von drei Knaben geführt, machen sich die beiden auf den Weg zu Sarastros Burg. Während Tamino von den Burgwächtern zweimal zurückgewiesen und beim dritten Mal darüber belehrt wird, dass Sarastro nicht der grausame Despot sei, als den ihn die Königin hingestellt hat, findet Papageno Pamina und versucht mit ihr zu fliehen. Ihren Bewacher Monostatos kann er zwar mit Hilfe des Glockenspiels in Schach halten, aber das Erscheinen Sarastros macht alle Anstrengung zunichte. Papageno, Pamina und Tamino müssen in Sarastros Tempel bleiben. Sie werden aufgefordert, sich lebensgefährlichen Prüfungen zu unterziehen. Als erstes müssen sie schweigen lernen, ein vor allem für Papageno schwieriges Unterfangen. Als ein altes Weiblein daherkommt, hält er es nicht mehr aus und fragt sie nach ihrem Namen. Mit einem Donnerschlag verschwindet sie wieder. Papageno tröstet sich mit Speis und Trank, die den beiden auf wundersame Weise serviert werden, nur Tamino schweigt und spielt auf seiner Flöte. Pamina kommt und ist verzweifelt, weil Tamino nicht mehr mit ihr spricht. Ihre Mutter hat zuvor vergeblich versucht, sie zum Mord an Sarastro zu überreden. Als sie ihrem Leben ein Ende machen will, entreißen ihr die drei Knaben den Dolch und führen sie zu Tamino. Beide durchschreiten, von der Flöte geschützt, Feuer und Wasser, und haben damit alle Prüfungen bestanden. Unterdessen wünscht Papageno in seiner Einsamkeit das alte Weib wieder herbei und verspricht ihr, »solange sich nichts Besseres findet«, sie zur Frau zu nehmen. Da verwandelt sie sich plötzlich in ein junges, hübsches Mädchen, aber die Zeit ist noch nicht gekommen, sie wird ihm wieder entrissen. Vor Verzweiflung will er sich das Leben nehmen, doch die drei Knaben erinnern ihn an das Glockenspiel. Sein Klang ruft Papagena herbei, und beide träumen von einer glücklichen Zukunft. Auch das andere Paar ist glücklich: Tamino und Pamina werden in die Gemeinschaft der Eingeweihten aufgenommen und verherrlichen die Ideale von Natur, Weisheit, Vernunft. Nur die Königin der Nacht nimmt ein böses Ende: Als sie versucht, mit ihrem Gefolge in den Tempel einzudringen, wird sie von den Mächten der Finsternis verschlungen. Mozarts ZAUBERFLÖTE, die meistgespielte Oper im deutschen Sprachraum, das vielschichtige Meisterwerk in der ungewöhnlichen Mischung aus Wiener Volkstheater und Freimaurermysterium, Märchen und Mythen, gibt uns bis heute Rätsel auf: Haben Mozart und sein Textdichter Schikaneder mitten im Werk die Fronten gewechselt zwischen der Königin der Nacht und Sarastro? Ist nicht Misstrauen angezeigt gegenüber der allzu heilen Priesterwelt und ihrer Ideologie, die die Welt einteilt in Gut und Böse? Gibt es nicht sogar Spuren einer Distanz zwischen Text und Musik, wie von manchen Mozart-Spezialisten vermutet wird? Gleichwohl ist es gerade die Musik, die die Widersprüche der Handlung ins Welthafte erhebt. Sie denunziert ihre Figuren nicht, sondern verleiht ihren Konflikten eine existentielle Dimension. Ohne sie würde die Oper wie ein irrationales Märchen klingen.


Kategorie: Oper

Einen modernen Prometheus nannte Mary Shelley ihren Frankenstein im Untertitel – er stiehlt zwar nicht den Göttern das Feuer und wird dafür bestraft, doch auch Frankenstein will gottgleich sein: Er schafft Leben. Der 1818 zunächst anonym veröffentlichte Roman – entstanden war die Erzählung als Zeitvertreib während eines Besuchs Mary Shelleys bei Lord Byron am Genfer See – faszinierte Leser und Künstler von Beginn an. Ganz im Stil der Schauerromantik variiert die Autorin darin ein Thema, das nicht nur Wissenschaftler, gerade zu Beginn des 19. Jahrhunderts, umtrieb: Wie weit darf der Forschungsdrang des Menschen gehen? Wie ein Doktor Faust, wie ein Prometheus scheint Viktor Frankenstein die Grenzen des human Möglichen zu überschreiten, wenn er lebende Materie aus totem Fleisch schafft. Es ist faszinierend, dass es gerade dieser Stoff war, der gut hundert Jahre später die ersten Filmemacher umtrieb. Bis heute gibt es unzählige Verfilmungen, Variationen und Weitererzählungen des Stoffes, die Frankenstein zu einem der größten Phänomene der Populärkultur gemacht haben. Regisseur Maximilian von Mayenburg, der 2015 für seine Bielefelder XERXES-Inszenierung mit dem Tischlereipreis der Götz-Friedrich-Stiftung ausgezeichnet wurde, nimmt sich dieses großen Stoffes an. Gemeinsam mit seinem Ausstattungsteam verwandelt er die Tischlerei in ein Labor – die Zuschauer werden teilhaben an der Erschaffung menschlichen Lebens und mit musikalischen Splittern, Klängen und Atmosphären den Leidensweg von Schöpfer und Monster nachvollziehen.


Kategorie: Neue Musik

Unsere Führungen durch das Zuschauerhaus und über die Bühnen sowie durch die Probenräume und das Bühnenbildmagazin der Deutschen Oper Berlin vermitteln Ihnen spannende Eindrücke und Wissenswertes über die Deutsche Oper Berlin und den Alltag hinter den Kulissen. Welches architektonische Konzept verbirgt sich hinter der langen Waschbeton-Fassade an der Bismarckstraße? Wie entsteht ein Bühnenbild? Wie laufen Proben ab? Erfahren Sie außerdem Details zur bewegten Geschichte des Hauses, das heute mit seinen modernen Neuinszenierungen und den frühen Repertoireschätzen einen Querschnitt durch über 40 Jahre Inszenierungs- und Aufführungspraxis zu bieten hat.


Kategorie: Führung

Eine verführerische Schöne aus der nächsten Kleinstadt, von deren zweifelhafter Moral man durch ihren Liebhaber so Einiges zu hören bekommt, obwohl sie selbst nie in Erscheinung tritt. Ein hoffnungslos verliebter Tenor, den auch die aufrichtige Liebe eines sittsamen Mädchens nicht rettet. Eine besorgte Mutter, die ihre Zuneigung recht ungleich unter ihren Söhnen aufteilt. Ein flegelhafter Nebenbuhler, ein weiser Hirte, Blumenchöre und ländliches Flair: Dies alles verleiht Francesco Cileas L’ARLESIANA, dem Mädchen aus Arles, seinen besonderen Charme zwischen veristischer Milieustudie, emotionalen Belcanto-Linien und ahnungsvoller Melancholie. Eine echte Rarität auf heutigen Spielplänen, galt seine ARLESIANA dem Komponisten zu Lebzeiten beinahe mehr als die berühmtere ADRIANA LECOUVREUR. Bis zu seinem Tod sollte er die Oper mehrfach überarbeiten, um immer neue Schönheiten aus dem Stoff herauszuschlagen. Bereits die Uraufführung 1897 geriet zum Startschuss für die Weltkarriere des jungen Enrico Caruso. In der konzertanten Aufführung an der Deutschen Oper Berlin tritt Joseph Calleja – nicht zuletzt Gewinner des Caruso-Gesangswettbewerbs – die Nachfolge des italienischen Tenorstars an. Dolora Zajick, die gefeierte Verdi-Interpretin, und Guanqun Yu stehen ihm als leidgeprüfte Mutter und unschuldige Liebende zur Seite.


Kategorie: Oper

Einen modernen Prometheus nannte Mary Shelley ihren Frankenstein im Untertitel – er stiehlt zwar nicht den Göttern das Feuer und wird dafür bestraft, doch auch Frankenstein will gottgleich sein: Er schafft Leben. Der 1818 zunächst anonym veröffentlichte Roman – entstanden war die Erzählung als Zeitvertreib während eines Besuchs Mary Shelleys bei Lord Byron am Genfer See – faszinierte Leser und Künstler von Beginn an. Ganz im Stil der Schauerromantik variiert die Autorin darin ein Thema, das nicht nur Wissenschaftler, gerade zu Beginn des 19. Jahrhunderts, umtrieb: Wie weit darf der Forschungsdrang des Menschen gehen? Wie ein Doktor Faust, wie ein Prometheus scheint Viktor Frankenstein die Grenzen des human Möglichen zu überschreiten, wenn er lebende Materie aus totem Fleisch schafft. Es ist faszinierend, dass es gerade dieser Stoff war, der gut hundert Jahre später die ersten Filmemacher umtrieb. Bis heute gibt es unzählige Verfilmungen, Variationen und Weitererzählungen des Stoffes, die Frankenstein zu einem der größten Phänomene der Populärkultur gemacht haben. Regisseur Maximilian von Mayenburg, der 2015 für seine Bielefelder XERXES-Inszenierung mit dem Tischlereipreis der Götz-Friedrich-Stiftung ausgezeichnet wurde, nimmt sich dieses großen Stoffes an. Gemeinsam mit seinem Ausstattungsteam verwandelt er die Tischlerei in ein Labor – die Zuschauer werden teilhaben an der Erschaffung menschlichen Lebens und mit musikalischen Splittern, Klängen und Atmosphären den Leidensweg von Schöpfer und Monster nachvollziehen.


Kategorie: Neue Musik

Wem vertraust Du, für wen würdest Du alles geben und mit wem hast Du dich schon so richtig gezofft? Opernsänger und das Orchester der Deutschen Oper Berlin erzählen mit Arien, Duetten und Ouvertüren Geschichten rund um Freunde und Gefährten, um Feinde und Widersacher, um Streit und Versöhnung. Das Programm für Kinder ab 5 Jahren findet zwei Mal statt: Ein Termin richtet sich sonntagvormittags an Familien [25. Februar 2018], einer werktags an Schulklassen und Kitagruppen [7. Mai 2018]. Programm und Interpreten werden zu einem späteren Zeitpunkt bekannt gegeben.


Kategorie: Klassik

Der amerikanische Leutnant Pinkerton ist mit seinem Schiff im Hafen von Nagasaki vor Anker gegangen. Um sich die Zeit zu vertreiben, hat er der erst 15-jährigen Geisha Cio-Cio-San, genannt Butterfly, den Hof gemacht, die einer vornehmen, aber verarmten Familie entstammt und ihre Liebe sehr ernst nimmt. Pinkerton will mit ihr eine „Ehe auf Zeit“ – damals zwischen europäischen Männern und Geishas nicht unüblich – eingehen und sucht sogar, unterstützt von dem Heiratsvermittler Goro, ein kleines Haus für die gemeinsamen Flitterwochen aus. Als der amerikanische Konsul Sharpless ihn vor dieser Ehe warnt, macht er sich über seinen Freund lustig und stößt sogar auf den Tag an, an dem er mit einer Amerikanerin seine „echte“ Hochzeit feiern werde. Für die junge Japanerin, die aus Liebe sogar zum Glauben ihres Geliebten übergetreten ist, hat die Verbindung mit dem Ausländer schmerzhafte Konsequenzen: Sie wird von ihrer Familie verstoßen, nachdem die Trauung vollzogen ist. Nur schwer gelingt es Pinkerton, seinen „Schmetterling" zu trösten. Drei Jahre sind vergangen. Mit ihrer treuen Dienerin Suzuki und ihrem kleinen Kind führt Cio-Cio-San ein Leben in Abgeschiedenheit. Alle Versuche des Fürsten Yamadori, sie um ihre Hand zu bitten, weist sie ab, da sie unbeirrt an die Rückkehr Pinkertons glaubt. Als Sharpless endlich mit einer Nachricht Pinkertons kommt, in dem dieser ihn bittet, sie auf seine bevorstehende Rückkehr nach Nagasaki und seine inzwischen erfolgte Heirat mit der Amerikanerin Kate vorzubereiten, stellt er erschüttert fest, dass sie ein Kind hat. Er wagt es nicht, seinen Auftrag auszuführen und berichtet ihr nur von Pinkertons Ankunft. Cio-Cio-San ist glücklich. Gemeinsam mit Suzuki schmückt sie ihr Haus, legt ihr Hochzeitskleid an und erwartet ihren Geliebten. Als Pinkerton mit seiner Frau Kate und dem Konsul vor der Tür steht, erfährt Suzuki die ganze Wahrheit. Sie soll Butterfly überreden, ihr Kind herzugeben. Pinkerton will ihr nicht persönlich gegenübertreten und läuft davon. Butterfly erblickt die fremde Frau, und plötzlich wird ihr klar: Pinkerton ist nicht gekommen, um zu ihr zurückzukehren, sondern um das Kind mitzunehmen. Sie bittet um eine halbe Stunde Aufschub und verabschiedet sich von ihrem kleinen Sohn. Dann setzt sie ihrem Leben ein Ende. „Es gibt Gegensätze im Theater: Interesse wecken, Überraschen und Rühren. Was habe ich mit Helden und unsterblichen Gestalten zu schaffen? In solcher Umgebung behagt es mir nicht. Ich bin nicht der Musiker der großen Dinge, ich empfinde die kleinen Dinge, und nur sie liebe ich zu behandeln. So gefiel mir Manon, weil sie ein Mädchen war von Herz und nichts darüber … Und so hat mir auch Butterfly gefallen, weil sie so ein klares, weibliches Ding ist, das aber zu lieben versteht bis zum Tode.“ Puccini hat MADAMA BUTTERFLY zeitlebens als sein liebstes und auch bestes Werk bezeichnet. Tatsächlich entspricht es seiner selbstgewählten Maxime der „Musik der kleinen Dinge“ geradezu meisterhaft. Feinziselierte musikalische Details, eine berückende Melodik in der Stimmführung, unaufdringlich eingefügte exotische Elemente und eine sensible Mischung der Klangfarben im Orchester haben das Werk nicht nur beim Publikum unsterblich gemacht, sondern es auch vielen Komponisten der nachfolgenden Generationen – wie übrigens auch die anderen Opern Puccinis – zum Vorbild werden lassen. Der Publikumserfolg stellte sich allerdings erst nach manchen Änderungen des Komponisten ein. In der überarbeiteten Form wurde die Oper am 28. Mai 1904 in Brescia dann zum ersten Mal aufgeführt. Sie war nun von ursprünglich zwei auf drei Akte erweitert worden.- das Zwischenspiel zwischen dem zweiten und dritten Akt mit dem berühmten „Summ-Chor“ kam ebenfalls neu hinzu. Die Inszenierung der Deutschen Oper Berlin stellt die Tragödie der jungen Frau, die ihrer Liebe, auch wenn sie für alle anderen aussichtslos scheint, treu bleibt, in den Mittelpunkt. In der stimmungsvollen, niemals folkloristisch wirkenden Bühnenausstattung entfaltet sich der Zauber dieses Werkes ganz besonders eindrucksvoll.


Kategorie: Oper

Einen modernen Prometheus nannte Mary Shelley ihren Frankenstein im Untertitel – er stiehlt zwar nicht den Göttern das Feuer und wird dafür bestraft, doch auch Frankenstein will gottgleich sein: Er schafft Leben. Der 1818 zunächst anonym veröffentlichte Roman – entstanden war die Erzählung als Zeitvertreib während eines Besuchs Mary Shelleys bei Lord Byron am Genfer See – faszinierte Leser und Künstler von Beginn an. Ganz im Stil der Schauerromantik variiert die Autorin darin ein Thema, das nicht nur Wissenschaftler, gerade zu Beginn des 19. Jahrhunderts, umtrieb: Wie weit darf der Forschungsdrang des Menschen gehen? Wie ein Doktor Faust, wie ein Prometheus scheint Viktor Frankenstein die Grenzen des human Möglichen zu überschreiten, wenn er lebende Materie aus totem Fleisch schafft. Es ist faszinierend, dass es gerade dieser Stoff war, der gut hundert Jahre später die ersten Filmemacher umtrieb. Bis heute gibt es unzählige Verfilmungen, Variationen und Weitererzählungen des Stoffes, die Frankenstein zu einem der größten Phänomene der Populärkultur gemacht haben. Regisseur Maximilian von Mayenburg, der 2015 für seine Bielefelder XERXES-Inszenierung mit dem Tischlereipreis der Götz-Friedrich-Stiftung ausgezeichnet wurde, nimmt sich dieses großen Stoffes an. Gemeinsam mit seinem Ausstattungsteam verwandelt er die Tischlerei in ein Labor – die Zuschauer werden teilhaben an der Erschaffung menschlichen Lebens und mit musikalischen Splittern, Klängen und Atmosphären den Leidensweg von Schöpfer und Monster nachvollziehen.


Kategorie: Neue Musik

Ein Jazz-Querschnitt durch die Geschichte von Gospel und Soul mit Titeln von Marvin Gaye über Michael Jackson bis zur Quincy Jones Fassung von Händels „Hallelujah“


Kategorie: Klassik


Änderungen vorbehalten! - Angaben ohne Gewähr! - Stand:05.02.18
© Fotos der Vorstellungen: Gesprächskonzert „Neue Szenen“(Thomas Aurin/Thomas Aurin) Frankenstein(Szene aus dem Film „Son of Frankenstein“/Szene aus dem Film „Son of Frankenstein“) Frankenstein(Szene aus dem Film „Son of Frankenstein“/Szene aus dem Film „Son of Frankenstein“) Salome(Ruth Tromboukis/Ruth Tromboukis) Jazz & Breakfast(Stephan Bögel/Stephan Bögel) Carmen(/) Frankenstein(Szene aus dem Film „Son of Frankenstein“/Szene aus dem Film „Son of Frankenstein“) Tosca(Bettina Stöß/Bettina Stöß) Così fan tutte(Marcus Lieberenz/Marcus Lieberenz) Führung(Bettina Stöß/Bettina Stöß) Carmen(/) Radio-Show: Rollentausch(Stephan Bögel/Stephan Bögel) Der Troubadour(Ruth Tromboukis/Ruth Tromboukis) Lieder und Dichter(Agentur/Agentur) Der Troubadour(Ruth Tromboukis/Ruth Tromboukis) Così fan tutte(Marcus Lieberenz/Marcus Lieberenz) Aus dem Hinterhalt: Carmen(2016 Eike Walkenhorst/2016 Eike Walkenhorst) Familien-Workshop(2012 Dorothea Tuch/2012 Dorothea Tuch) 4. Tischlereikonzert: Almas Salon(Simon Pauly/Simon Pauly) L'Arlesiana (konzertant)(Realgestalt/Realgestalt) Die Zauberflöte(2008 Bettina Stöß / stage picture/2008 Bettina Stöß / stage picture) Frankenstein(Szene aus dem Film „Son of Frankenstein“/Szene aus dem Film „Son of Frankenstein“) Familienführung(Bettina Stöß/Bettina Stöß) L'Arlesiana (konzertant)(Realgestalt/Realgestalt) Frankenstein(Szene aus dem Film „Son of Frankenstein“/Szene aus dem Film „Son of Frankenstein“) Kinderkonzert: Freunde wie wir!(Stephan Bögel/Stephan Bögel) Madama Butterfly(Bettina Stöß/Bettina Stöß) Frankenstein(Szene aus dem Film „Son of Frankenstein“/Szene aus dem Film „Son of Frankenstein“) Konzert der BigBand: „A Soul Journey“(2016 Bettina Stöß/2016 Bettina Stöß)

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