Aktuell

Architektur gehört zu den spektakulärsten kulturellen Errungenschaften des Jemen. Lange vor dem sagenhaften Reich der Königin von Saba entwickelte sich im Einklang mit den landschaftlichen Gegebenheiten und klimatischen Herausforderungen eine atemberaubende Vielfalt traditioneller Baustile. Ihre Markenzeichen sind mächtige Festungen, Turmhäuser und auf Bergspitzen gelegene Dörfer, verbunden durch schwindelerregende Pfade. Ausgeklügelte Kanalsysteme versorgen die steilen Terrassenfelder an den Gebirgshängen mit Wasser. Generationen von hochspezialisierten Maurern, Tischlern und anderen Handwerkern errichten mit ausgeklügelten Techniken und lokal verfügbaren Materialien einzigartige Bauensembles. Allein „mit Augenmaß“ gebaut rufen ihre Dimensionen und perfekten Proportionen bis heute Staunen und Bewunderung hervor. Für den Baumeister sind es „buildings that fill my eye“.

Die Ausstellung zeigt Beispiele dieses beeindruckenden Kulturerbes. Zugleich weist sie auf die Bedrohung durch den seit 2015 im Land anhaltenden Bürgerkrieg hin. Neben der menschlichen Tragödie sind herausragende archäologische Fundstätten, Museen und historische Monumente betroffen. Die drei UNESCO Weltkulturerbestätten des Jemen, die Altstädte von Shibam, Sana’a und Zabid, sind heute als bedroht eingestuft, zahlreiche andere Orte sind schwer beschädigt. Jenseits der öffentlichen Wahrnehmung und ohne den Schutz der internationalen Gemeinschaft geht dieses Kulturerbe unwiederbringlich verloren.

Trevor Marchand, Architekt und Anthropologe, hat diese Bauwerke während seiner 13-monatigen Lehrzeit bei jemenitischen Minarett-Baumeistern zwischen 1990 und 1998 fotografiert. Die Aufnahmen zeigen die Architektur im Dialog mit der Landschaft, vom Roten Meer über das Hochland und die Wüste bis zum Indischen Ozean und Wadi Hadramaut. Sie werden ergänzt durch historische Aufnahmen aus der Zeit um 1900, aufgenommen unter anderem von Hermann Burchardt (Leihgaben des Ethnologischen Museums und von Dr. W.-D. Lemke).

Ein Begleitband zu der Ausstellung vermittelt in 21 Beiträgen verschiedener Wissenschaftler Einblicke in verschiedene Aspekte dieses Kulturerbes. Ein Teil des Erlöses geht an UNHCR Yemen.

Die Ausstellung wird unterstützt durch den Gingko Verlag und die Freunde des Museums für Islamische Kunst.

Die Ausstellung zeigt auf 20 Tafeln über 100 bekannte und unbekannte Fotografien von Harald Hauswald. Gegliedert in thematische Bereiche wie etwa Abschied, Einsamkeit und Rebellion, gewähren die Fotografien einen Einblick in das Alltagsleben der Menschen in der DDR. Die Momentaufnahmen zeigen eine ungeschminkte DDR-Realität, an die sich selbst Zeitzeugen heute kaum mehr erinnern. Eingeordnet werden die Fotografien durch die Texte von Stefan Wolle, Historiker und Buchautor, der ebenfalls in der DDR aufgewachsen ist. Zusätzlich verlinken die Ausstellungstafeln mit QR-Codes zu kurzen Videointerviews im Internet, in denen der Fotograf über die Entstehungsgeschichte des jeweils zentralen Fotos der Tafel berichtet.

Harald Hauswald, geboren 1954 in Radebeul, gehörte 1990 zu den Gründungsmitgliedern von OSTKREUZ. Er wurde vor allem mit seinen Aufnahmen des Ost-Berliner Alltags der 1980er Jahre bekannt. 1997 erhielt er das Bundesverdienstkreuz, 2006 wurde er mit dem Bürgerpreis zur Deutschen Einheit ausgezeichnet. Hauswalds Archiv mit 230.000 Schwarz-weiß- und Farbnegativen wird derzeit digitalisiert, finanziert durch die Bundesstiftung Aufarbeitung der SED-Diktatur.

Der größere Ausstellungsraum links (vom Eingang gesehen) führt vor Augen, wie eng die Geschichte Spandaus mit der St.-Nikolai-Gemeinde verbunden ist. St. Nikolai ist nicht nur ein fast 800 Jahre altes Gebäude auf einer Sandinsel am Zusammenfluss von Spree und Havel. Menschen aus der Kirchengemeinde gestalten das Leben in der Stadt mit. Wir kennen ihre Geschichten aus den Kirchenbüchern und anderen Unterlagen des Nikolai-Archivs. Von der frühen Neuzeit bis heute reicht der Gang durch die Jahrhunderte.

Der kleine Ausstellungsraum im Erdgeschoss rechts informiert die Besucher*innen quasi durchs Schlüsselloch über den wertvollen Bestand der historischen Bibliothek von St. Nikolai. Die Einrichtung ist dem Arbeitszimmer des Pfarrers Daniel Friedrich Schulze (1739−1811) nachempfunden: Schreibpult, Bücherregal und ein großer Tisch zum Ausbreiten der Schriften. Der Arbeitstisch präsentiert eine Auswahl von Büchern aus der Bibliothek zum Thema Sternenkunde, speziell Kometen.

Nach der Museumstour lädt unser Café zur Entspannungspause ein.

In der neunten „Schaufensterausstellung“ gibt das Haus am Waldsee im Bikini Berlin Einblick in die Stricktextilien von Konstantin Laschkow und Laura Krauthausen. Mit ihrem Label CASE STUDIES widersetzen sich die jungen Designer, die an der Weißensee Kunsthochschule Berlin ihr Modedesignstudium abgeschlossen haben, durch intensives Experimentieren mit Material, Technik und Form der Schnelllebigkeit der Modeindustrie und schaffen Editionen, die sich an der Schnittstelle zwischen Kunst und Textildesign befinden.

Der Fokus von Laschkow und Krauthausen liegt dabei auf der Schaffung innovativer Oberflächen. Durch die sorgfältig erdachte Musterung, die sich aus wenigen festgelegten Farbwerten ergibt, schaffen sie Designs, die sich im Auge des Betrachters zu dynamischen Farbverläufen verdichten.

In ihrer aktuellen Kollektion entfernen sie sich von der Anwendung im Rahmen von Modeproduktionen und konzentrieren sich mehr auf Homedesign. CASE STUDIES war im April auf der Möbelmesse in Mailand vertreten.

Die Ausstellung THE LONG NOW versammelt vom 8. Juli bis zum 27. August 2018 in der Lounge des me Collectors Room Berlin 20 aktuelle künstlerische Positionen, in denen unterschiedliche Aspekte von Zeitlichkeit zum Tragen kommen.

Diese betreffen unseren Zeitbegriff ebenso wie die Muster der Zeitwahrnehmung und nicht zuletzt die Darstellung von Zeit. Die Zeit erweist sich dabei zusehends als offene Größe, die sich in der subjektiven Erfahrung gänzlich anders zeigt als auf den Zifferblättern unserer Uhren. Polaritäten wie Ruhe und Unruhe, Be- und Entschleunigung, aber auch Augenblicklichkeit, Dauer und Vergänglichkeit werden zu zentralen Kategorien.
Zeit ist etwas, das uns alle sowohl auf konkrete wie elementare Weise betrifft. Ohne einen Begriff von Zeit scheinen unsere Existenz, wie auch die Vorgänge in der Welt um uns herum nicht denkbar. Zugleich stellt die Zeit ein abstraktes und schwer fassbares Phänomen dar, das ForscherInnen und DenkerInnen, wie auch KünstlerInnen seit jeher beschäftigt. Vor dem Hintergrund einer beschleunigten Moderne und einer medial vermittelten globalen Gleichzeitigkeit stellen sich Fragen nach der Zeit umso dringlicher. Was bedeutet uns die Zeit? Was heißt Gegenwart? Wie lange währt das Jetzt?

THE LONG NOW läuft vom 25.03. - 17.06.2018 als zweiteiliges Ausstellungsprojekt im Museum Goch und parallel im Kunstverein Bochum.
Kuratiert von Reinhard Buskies.

KünstlerInnen
Malte Bartsch | Christiane Baumgartner | Roland Boden | Maurits Boettger | Daniel Burkhardt | Mark Formanek | Nikolaus Gansterer | Dafna Gazit | Christoph Girardet | Lukas Grundmann | Timo Klos | Simona Koch | Vera Lossau | Zhenia Couso Martell | Lilla von Puttkamer | Otto Reitsperger | Johanna Reich | Hans-Christian Schink | Katrin Wegemann | Michael John Whelan

1968 wird mit der Walter-Gropius-Schule in Neukölln die erste integrierte Gesamtschule der Bundesrepublik eröffnet. Architektur und Pädagogik setzen Maßstäbe für eine substanzielle Demokratisierung von Schule. Die neue Ausstellung des Museums Neukölln zeigt anhand von ausgewählten Schulen, wie sich die schulische Praxis in den letzten fünfzig Jahren verändert hat und mit welchen Herausforderungen sie im heutigen Neukölln konfrontiert sind.

Nehmen Sie Platz am Schülerpult, im Lehrerzimmer, im Schülercafé, auf dem Sofa der Schülervertretung oder am Besprechungstisch im Zimmer des Direktors. In neun räumlichen Inszenierungen werden bedeutsame Entwicklungen in dieser Zeit aus der Perspektive der jeweiligen Akteur*innen dargestellt. Der Fokus liegt besonders auf Reformansätzen, die dazu beigetragen haben, dass Schüler*innen durch eine dem einzelnen Kind zugewandte Pädagogik selbstständig lernen können und das Selbstvertrauen erhalten, in heterogenen Gruppen miteinander umzugehen. Ausstellung und Begleitpublikation wollen zur Diskussion darüber anregen, welche Defizite und Probleme in den Schulen existieren und welche Perspektiven es für die Zukunft des Lernens gibt.

Schülerinnen und Schüler der 4. Klassen der Pankower Mendel-Grundschule haben sich auf eine künstlerisch-interstellare Stadtreise begeben. Dabei haben Sie sich überlegt, welche Themen und Objekte aus Geschichte, Gegenwart und Zukunft sie auswählen und bauen würden, um sie in einer Zeitkapsel in den Weltraum zu schicken. Stadtvisionen oder Berliner Alltagsgeschichten? Schloss oder Mauer? Was repräsentiert die Stadt in den Augen der Kinder am besten? Die Antwort zeigen sie nun in einer Ausstellung.

In der Stadt und im Märkischen Museum befragten die Kinder ihre Heimat Berlin. Und sie und suchten gemeinsam mit ihren Eltern Dinge, die für sie Berlin repräsentieren: Fotos, Spielzeug, Alltagsdinge und andere persönliche Objekte, die sie ins Museum mitbrachten. Dann wählten sie passende Objekte aus und konzipierten ihre Ausstellung. Die Ergebnisse sind ab dem 10. Mai im Märkischen Museum für alle sichtbar.

Entwickelt und mit den Kindern durchgeführt hat das Projekt die Berliner Bühnenbildnerin Katharina Grantner.

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Nakazatos Nachtaufnahmen von Japans Küste brauchen ein Verweilen, einen langen Blick um gesehen zu werden. Sie verlangen nach Zeit und Konzentration, Kontemplation. Im ersten Moment mag der Betrachter nur Dunkelheit wahrnehmen. Je mehr sich aber die Linse fokussiert, umso mehr tauchen Konturen von Oberflächen aus dem Dunkel auf, wird es kraftvoll, vielschichtig, geheimnisvoll. Die Ruhe der Nacht kontrastiert mit den Urgewalten der Natur: tosendem Meer, zerklüfteten Küstenfelsen. Urgesteine, als entdeckte man einen neuen Planeten - es ist aber die Ursubstanz des unseren.

Katsuhito Nakazato wurde 1956 in der Präfektur Mie geboren.
1978 beendete er sein Studium am Institut für Geographie der Literarischen Fakultät der Hôsei-Universität. Zur Zeit ist er als Professor an der Zôkei-Universität Tokyo tätig.
http://nakazato.info

Zur Finissage am 21. Juni 2018 um 18 Uhr wird es ein Gespräch mit dem Künstler und eine Teezeremonie von Thomas Riedinger geben.

Eine Stadt in Nordgriechenland – Thessaloniki – bildet vier Wochen lang das Zentrum der 15. Europäischen Kulturtage im MEK. Sie steht für eine gemeinsame europäische Kulturgeschichte ebenso wie für historische und zeitgenössische Migration. Ihre Multikulturalität und das rege, engagierte gesellschaftliche Leben machen ihre besondere Spannung aus.

So ist die Stadt auch Thema der Foto-Ausstellung des Museums für Fotografie in Thessaloniki, die den Rahmen der Kulturtage bildet. Die Fotos gewähren Einblicke in das Leben Thessalonikis vom Ende des 19. Jahrhunderts bis heute. Alle Arbeiten sind Leihnahmen aus Museen der Stadt und von Privatpersonen, zusammengetragen und inhaltlich kuratiert von Hercules Papaioannou, dem Direktor des Museums für Fotografie in Thessaloniki.

Verschiedene Veranstaltungsformate wie Lesungen, Performances, Vorträge, Konzerte und Gespräche vertiefen die Aussagen der Bilder. Schließlich lassen die für Thessaloniki typischen musikalischen und kulinarischen Genüsse die vier Wochen im Sommer zu einem besonderen Erlebnis werden.

Die „Europäischen Kulturtage 2018: Thessaloniki“ sind ein Projekt des MEK in Kooperation mit der Botschaft von Griechenland in Deutschland, dem Museum für Fotografie in Thessaloniki, der Heinrich-Böll-Stiftung in Thessaloniki, dem Zentrum Modernes Griechenland an der Freien Universität Berlin, Hellas Filmbox, dem Verein „Respekt für Griechenland e.V.“ und den griechischen Communities in Berlin.

Ars Sacrow e.V. zeigt das bildkünstlerische und filmische Werk einer der großen Künstlerpersönlichkeiten der ehemaligen DDR und des geeinten Deutschlands. Als Doppelbegabung kann Maler Strawalde bis heute begeistern, aktuell war eines seiner wichtigsten Bilder, „Nach Giorgione“, in der Ausstellung „Hinter der Maske. Künstler in der DDR“ im Barberini-Museum zu sehen. Als Dokumentarfilmer ist Jürgen Böttcher, der einstige DEFA-Regisseur, international bekannt und geehrt.

Unter dem Titel DER KREIS SCHLIESST SICH kehrt der 1931 in der Lausitz Geborene an die Potsdamer Havellandschaft zurück, wo er von 1955 bis 1960 an der Filmhochschule Babelsberg studierte. Einer Anekdote zufolge blickte der in Babelsberg wohnende Filmstudent über die Havel in das „unerreichbare“ Sacrow.
Die Ausstellung zeigt Werke aus über sechs Jahrzehnten künstlerischen Schaffens, viele davon entstanden unter schwierigen bis unmöglichen Bedingungen in der ehemaligen DDR, wo sein erster Spielfilm „Jahrgang 45“ noch während der Fertigstellung verboten wurde; er erlebte erst 1990 seine Uraufführung.

Strawaldes Werke befinden sich unter anderem in folgenden öffentlichen Sammlungen: Berliner Nationalgalerie, Sammlung Deutscher Bundestag im Reichstagsgebäude, Dresdner Albertinum und Residenzschoss, Albertina in Wien, Bibliothèque nationale de France, Museum Ludwig, Boston Public Library. Für sein filmisches und dokumentarisches Werk erhielt er zahllose Preise, u.a. das Filmband in Gold, die Berlinale Kamera; er wurde mit Retrospektiven und Ausstellungen im Centre Pompidou Paris, Edinborough, dem Filmmuseum in Frankfurt/M., im Pariser Jeu de Paume, in Bologna und Leipzig geehrt.

Die Sacrower Ausstellung kann dank der räumlichen Gegebenheiten, im Spiegelsaal des Schlosses ist eine Kinoleinwand installiert, beide Werkgruppen auf kleinem, intimen Raum zusammenführen.
Anliegen der Ausstellung ist es, einen Menschen, der das Künstlertum umfassend als Lebensaufgabe versteht, einem breiten wie gesamtdeutschen Publikum vorzustellen. Dabei fällt dem Ort selbst, Park und Schloss Sacrow, wie in den letzten Jahren eine wesentliche Scharnierfunktion zu. Die Naturanbindung zur Havel, mit dem Lennéschen Landschaftspark, seine reichen jahreszeitlichen Variationen ergänzen die Ausstellung ideal und werden erkundbarer Raum.

Das Film-Begleitprogramm wird durch Hans Helmut Prinzler, langjährigem Wegbegleiter Jürgen Böttchers und ehemaligem Direktor der Stiftung Kinemathek und des Filmmuseums in Berlin zusammengestellt, es werden Freunde und Künstlerkollegen zu Wort kommen. Strawalde selbst wird Mal-Workshops für die jüngsten Ausstellungsbesucher geben und zu Parkführungen mit Sacrows Gärtner Uwe Held seine persönliche Beziehung zu Kraft und Ursprungsqualitäten der Natur im Dialog vermitteln. Denn durch sein gesamtes malerisches und grafisches Werk zieht sich eine Spur der Naturbeobachtung, Naturbeschreibung und des Respektes vor ihr.

Die Ausstellung wird durch ars sacrow e.V. in Zusammenarbeit mit Joachim von Vietinghoff und Team veranstaltet, unterstützt durch die Potsdamer Galeristin Friedericke Sehmsdorf / Kunstkontor.

Malus – das lateinische Wort sowohl für Apfel als auch das Übel steht für Erkenntnis und Täuschung, Gesundheit und Gift, süße und saure Seiten des Lebens. Welche Rolle spielt Pomona, die römische Göttin aus Ovids Metamorphosen und Beschützerin der Obstgärten in diesem Spiel?
Besondere Räume spielen im konzeptionellen Werk der Bildenden Künstlerin, die mit unterschiedlichen Medien arbeitet, eine tragende Rolle. Dabei bezieht sie die Geschichte und Mythologie der jeweiligen Orte in ihre eigene Themenwelt mit ein und verknüpft sie mit alltäglichen, zeitgenössischen Assoziationen. So entstehen neue, surreal-märchenhaft anmutende Bilder, oft mit einem ironischen Ansatz. Die Objekt-und Installationskünstlerin entwirft für den Pomona Tempel in einem Tableau von zwölf Collagen ein Kaleidoskop der Dinge des Lebens.
Patrizia Marchese studierte Freie Kunst und Theaterkostüm an der FH Köln und arbeitet mit Objekten, Installationen, Collagen, Fotografien und Videos. Sie lebt und arbeitet in Köln.
Einführen in die Ausstellung wird zur Vernissage am 26. Mai Dr. Karin Gehrmann.
Ausstellung im Pomonatempel, 26. Mai bis 15. Juli 2018,
immer samstags, sonntags und feiertags von 14 bis 17 Uhr
Eintritt frei, Spenden erwünscht

Orchideengärtner und -liebhaber stellen auf über 800 qm die schönsten Orchideen von allen fünf Kontinenten aus ihren Sammlungen aus. Die Mitglieder der Berliner Gruppe der Deutschen Orchideen-Gesellschaft stehen Ihnen für Fragen rund um die Orchideen zur Verfügung.
Praktische Vorführungen zur Pflege und zum Umpflanzen der Orchideen runden das Programm ab. Im Verkaufsbereich bieten Orchideengärtner aus ganz Deutschland die schönsten Pflanzen aus ihren Gewächshäusern zum Kauf an. Es werden nicht nur Orchideen, sondern auch Zubehörartikel von Orchideensubstrat über Etiketten, Pflanzenschutzmitteln, Töpfen bis hin zur Orchideenliteratur angeboten.

Ausstellung im Neuen Glashaus
Eine Ausstellung der Berliner Gruppe der Deutschen Orchideen-Gesellschaft e.V. (D.O.G.)

Sonderausstellung im Botanischen Museum Berlin anlässlich der Wiedereröffnung des grundsanierten Victoriahauses
Victoria blüht! titelten die Berliner Gazetten, nachdem die Riesenseerose in den Julinächten das Jahres 1852 das erste Mal in der Hauptstadt ihre Blüten entfaltete. Es war ein Triumph der Technik, der dem rauen Berliner Klima die tropischen Bedingungen für die Kultivierung dieser wahrhaft königlichen Pflanze abgerungen hatte. Und diese Begeisterung hält bis heute an: In den vergangenen 166 Jahren wurde jede Blüte, jedes eigene Gewächshaus und viele weitere Ereignisse rund um Victoria in Berlin bildstark begleitet und öffentlich diskutiert. Im „Victoria Kabinett“ tauchen Sie ein in die Berliner Geschichte von Victoria – flankiert von hundert Abbildungen aus allen Epochen ihres Lebens in der Hauptstadt bis heute.
Unser Tipp: Kombinieren Sie den Besuch in dieser Sonderausstellung unbedingt mit einem Besuch bei den lebenden Riesenseerosen Victoria im Gewächshaus. Sie sind in diesem Sommer erstmals wieder seit 2006 in Berlin zu sehen! Das Victoria Kabinett ist auch während der Victorianächte bis 24 Uhr geöffnet.

Die Gemäldegalerie nimmt eine Gruppe von bisher kaum gezeigten Gemälden von Vater und Sohn Jacopo und Giovanni Bellini, aus dessen Werkstatt und Nachfolge im Rahmen einer Studioausstellung in den Fokus. Wir heben Schätze, die zum Teil seit dem zweiten Weltkrieg im Depot lagerten und präsentieren sie nun mit Untersuchungs- und Restaurierungsergebnissen.

Restaurierung und Forschung sind untrennbar miteinander verbunden. Das Wissen um Materialien, Technik und Aufbau, um Objektgeschichte und Veränderungen ist die Basis, auf der erst ein Restaurierungskonzept entwickelt und Interpretationen folgen können. Wir zeigen Werke, die unterschiedliche Veränderungen erfahren haben: sie sind teilweise Fragmente eines größeren Altarwerks oder einer Raumausstattung, teilweise beschädigt und an der Oberfläche reduziert, sie wurden bearbeitet und durch Licht, Klima und andere Einflüsse im Laufe der Zeit in ihrem farbigen und plastischen Erscheinungsbild verändert. Die Fragen, wie das Fragmentarische dem Besucher vermittelt werden kann und wie viel Rekonstruktion erforderlich und vertretbar ist, um ein Werk lesbar zu machen, müssen bei jeder Restaurierung neu verhandelt werden.

Bei keinem der ausgestellten Gemälde hat sich ein Zustand erhalten, wie er sich beim Verlassen der Künstlerwerkstatt vor mehr als 500 Jahren darstellte. Durch strahlendiagnostische Untersuchungsverfahren (Röntgen, Infrarotreflektografie) und andere Materialanalysen sowie stereomikroskopische Untersuchungen ist es uns heute möglich, den Prozess der Bildentstehung (auf dem Bildträger noch vor der Fertigstellung) großenteils aufzudecken und den Malern auf die Schliche ihrer durchaus effektiven Bildproduktion zu kommen. Analysiert man die Bildschichten zusammen mit Archivalien, so tun sich mitunter erstaunliche Objektgeschichten auf.

Jeder will es sein seit über 70 Jahren – cool! Höchste Zeit diesem allgegenwärtigen Phänomen mit der deutschlandweit ersten Ausstellung über das Thema auf den Grund zu gehen: »Coolness: Story of an Attitude«, ab dem 18. Mai 2018 im Museum THE KENNEDYS.

Rund 70 Fotografien und Exponate erzählen eine spannende Kulturgeschichte der Coolness von den 1950er-Jahren bis zur Gegenwart. Vier Aspekte von Coolness gliedern die Ausstellung und zeigen ihre Entwicklung auf:

Widerstand: Die Ursprünge der Coolness im Afro-Amerikanischen Milieu
Aneignung: Coolness erobert den weißen Mainstream
Leidenschaft: Coolness als eine Form von Protest in den 1960er- und 70er-Jahren
Distanz: Coolness wird zur Ware und Ausdruck von Individualität

In diesem Sinne: Gehen Sie im Museum THE KENNEDYS auf die Spurensuche nach der Coolness.

Schah-Besuch, Dutschke-Attentat, Vietnamkongress: Der Fotograf Ludwig Binder dokumentiert das Geschehen und macht Bilder, die zu Ikonen der Studentenrevolte 1967/68 in West-Berlin werden. Eindrucksvolle Fotos zeigen die Schuhe von Rudi Dutschke kurz nach dem Attentat auf den Studentenführer am 11. April 1968 oder Pflastersteine nach der Straßenschlacht am Tegeler Weg.
50 Jahre später hält der Fotograf Jim Rakete Persönlichkeiten aus der Zeit der Studentenrevolte in schwarz-weiß-Porträts fest, darunter Hans-Christian Ströbele, Uschi Obermaier, Otto Schily, Helke Sander und viele mehr.
Das Museum in der Kulturbrauerei zeigt vom 27. April bis 7. Oktober 2018 über 60 Fotos der beiden Künstler.

Ludwig Binder, als Sohn eines Pfarrers 1928 in der Nähe von Belgrad geboren, fotografiert bereits mit zehn Jahren und experimentiert mit der Entwicklung von Fotos. 1948 beginnt er ein Jurastudium an der FU Berlin, nachdem er an Universitäten der Sowjetischen Besatzungszone als Pfarrerssohn nicht studieren darf. Während seiner Studienzeit geht Binder seiner zweiten Leidenschaft, der Musik, nach und ist Mitglied einer Jazzband. Der autodidaktisch geschulte Fotograf arbeitet schon früh für verschiedene Zeitungen und Zeitschriften. Ab 1961 betreibt er ein eigenes Fotostudio in West-Berlin und widmete sich als Bildjournalist politischen und kulturellen Tagesereignissen. Ludwig Binder stirbt am 15. Mai 1980.

Jim Rakete, geboren 1951, hospitiert von 1967 bis 1968 im Fotostudio von Ludwig Binder in West-Berlin und arbeitet als Fotoreporter für Tageszeitungen, Magazine und Agenturen. Als Gründer des Kreativlabors "Fabrik" managt er von 1977-1987 Musiker wie die Nina Hagen Band, Spliff, Nena und Die Ärzte. Seit 1987 widmet er sich vollständig der Fotografie, er porträtiert Größen der deutschen sowie internationalen Musik- und Filmbranche, wie z.B. Jimi Hendrix, Mick Jagger, Sean Connery, Natalie Portman oder Helen Mirren.
Zwischen 2008 und 2009 gastiert seine Ausstellung "1/8 sec. - Vertraute Fremde" in mehreren deutschen Städten. Im Auftrag des Deutschen Filmmuseums fotografiert er von 2009 bis 2011 zahlreiche Filmschaffende, die in der Ausstellung "Stand der Dinge" bei der Wiedereröffnung des Museums und an zwölf weiteren Stationen in Deutschland gezeigt werden.
Jim Rakete arbeitet weltweit mit dem Fokus auf Film, Musik, Theater und Bildende Kunst.

Ausstellungsreihe KUNST IM HERRENHAUS (2) - CAMERA URBANA. Fotografische Perspektiven auf Landschaften in Berlin

Im Museum im Herrenhaus präsentieren wir Ihnen 2018 als dreiteilige Ausstellungsreihe KUNST IM HERRENHAUS. Die Künstlerinnen und Künstler setzen sich mittels unterschiedlicher Techniken und Materialien mit den Themen Natur, Ökologie und Urbanität auseinander. Dabei geht es insbesondere um die heutige Beziehung zwischen Mensch und (Nutz-) Tier und das Spannungsverhältnis zwischen Stadt und Land. Die gezeigten Malereien, Grafiken, Fotografien, Videos und Installationen sind zum Teil poetische und sehr persönliche Werke, die uns auf eine visuelle Suche mitnehmen und dabei die Sehnsucht nach Alternativen und Orten der Freiheit wecken …

Die zweite Ausstellung der Reihe – CAMERA URBANA – untersucht die Probleme der Gentrifizierung, zeigt Stadtlandschaften im ewigen Wandel und lotet die Möglichkeiten der Fotografie als Darstellungsmittel aus. Die mysteriös wirkenden Nachtabbildungen von verlassenen Gebäuden und Stadtruinen in Tim van den Oudenhovens Arbeiten vermitteln Gefühle von Entfremdung und Hoffnungslosigkeit. Die durch Langzeitbelichtungen entstandenen analogen Fotografien von Euan Williams aus der Serie „Collapse“ vermitteln hingegen atmosphärische Blicke auf Berlin, die poetische Nichtorte zeigen.
Alexander Steffen schließlich dokumentiert in seinem Projekt "Vanishing Berlin" brachliegende Orte der Metropole, die inzwischen entweder von der Natur zurückerobert oder zugebaut wurden.

Kann Mode als ein Phänomen, das der ständigen Erneuerung unterworfen ist, überhaupt nachhaltig sein? Natascha von Hirschhausen stellt sich in ihrer Arbeit dieser Frage und lotet die Grenzen der Nachhaltigkeit in der Mode aus. Für ihre Kollektionen verwendet sie ausschließlich natürliche, plastikfreie Materialien, deren Herkunft und Verarbeitung entlang der gesamten Wertschöpfungskette geprüft und transparent dargelegt werden. Mittels einer eigens von ihr entwickelten Schnitttechnik gelingt es der Designerin zudem, den Materialverbrauch zu reduzieren und den Verschnitt auf unter ein Prozent zu senken. Die Fertigung der Kleidung erfolgt lokal und auf Bestellung, so können lange Transportwege und Überproduktion vermieden werden. Für ihr Engagement wurde Natascha von Hirschhausen 2017 mit dem Bundespreis Ecodesign ausgezeichnet.

Design Views ist eine neue Ausstellungsreihe des Kunstgewerbemuseums und des Internationalen Design Zentrums Berlin.

Die Ausstellung LESBISCHES SEHEN rückt künstlerische Positionen von queeren FLT* (Frauen, Lesben, Trans) aus über 100 Jahren in den Blick und zeigt Werke von mehr als 30 Künstler_innen aus sechs Generationen. Damit unternimmt das Schwule Museum im Rahmen des „Jahres der Frau_en“ einen ersten Versuch, sie und ihre Arbeiten zu würdigen. Präsentiert wird ein „verborgenes Museum“ queerer Kunst – aus nicht hegemonial-männlicher Perspektive – ein nicht nur für das Schwule Museum wichtiger Meilenstein, dessen Gründung mit der Ausstellung "Eldorado. Homosexuelle Frauen und Männer in Berlin 1850-1950" seinen Ausgang nahm.

LESBISCHES SEHEN nimmt Bezug auf die legendären Ausstellungsprojekte feministischer Kulturaktivist_innen: Etwa die Schau "Künstlerinnen International 1877–1977", 1977 in (West-) Berlin von einer Gruppe von Künstlerinnen initiiert – darunter Ursula Bierther, Evelyn Kuwertz und Sara Schumann – oder die wegweisende Ausstellung "Das Verborgene Museum", die 1987 die Kunst von Frauen in den Berliner Sammlungen dokumentierte und unter anderem von Evelyn Kuwertz und Gisela Breitling kuratiert wurde. Inspiriert ist LESBISCHES SEHEN nicht zuletzt von der "Great American Lesbian Art Show" (GALAS), 1980 im Woman’s Building, Los Angeles, mit Werken von u. a. Tea Corinne, Harmony Hammond und Kate Millet. Diese Projekte waren programmatisch für den Kampf von FLT* um Repräsentation in der Kunstwelt und damit ein erstes Aufbegehren gegen die ungleiche Verteilung von ökonomischem und kulturellem Kapital, die heute noch bestimmt wird von Heteronormativität, Geschlechterbinarität, Klassenverhältnissen und Rassismus.

Motiviert ist das Ausstellungsprojekt LESBISCHES SEHEN von der Beobachtung, dass auf den ersten Blick wenig „Lesbisches“ in der Kunstgeschichte zu finden ist und der Frage, wonach eigentlich zu suchen wäre: Der Selbstdefinition der Künstler_in? Nach dem Inhalt oder der Form des Kunstwerkes? Den Produktionsbedingungen, den sozialen Kontexten, innerhalb derer Kunst entsteht? Oder nach der Interpretation durch die Betrachter_innen? Wie kann überhaupt etwas als „lesbisch“ gesehen werden in einer Kultur, in der ein „male gaze“ die Blickregime fundamental bestimmt? Und würde all das heute nicht eher unter dem Begriff „queer“ verhandelt werden? Die Ausstellung entwirft eine utopisch-melancholische Galerie, die lesbischen Begehrensformen, Erfahrungswelten, Identitätsentwürfen und Lebensweisen auf der Spur ist. „Lesbisch“ wird dabei in seinem umfassendsten Sinn verstanden und anerkannt, dass Begehren und Geschlechtsidentitäten fluide und komplex sind.

Gezeigt werden Werke von Lou Albert-Lazard, Ursula Bierther, Gisela Breitling, Kerstin Drechsel, Martina Minette Dreier, Leonor Fini, Yori Gagarim, Susu Grunenberg, Nilbar Güreş, Grit Hachmeister, Renate Hampke, Lena Rosa Händle, Corinna Harl, Risk Hazekamp, Doli Hilbert, Hannah Höch, Kerstin Honeit, Ingrid Kerma, Evelyn Kuwertz, Lotte Laserstein, Kate Millet, Noemi Yoko Molitor, Gerda Rotermund, Ebba Sakel, Gertrude Sandmann, Ceren Saner, Lene Schneider-Kainer, Sarah Schumann, Simon & Simone, Renée Sintenis, Milly Steger, Erika Stürmer-Alex, Anja Weber, Augusta von Zitzewitz.

Kuratiert von Birgit Bosold und Carina Klugbauer. Das „Jahr der Frau_en“ wird gefördert von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa.

Anlässlich des European Cultural Heritage Summit "Sharing Heritage - Sharing Values" zeigt die Kunstbibliothek im Europäischen Kulturerbejahr eine Ausstellung über die beispiellose Rettung von Görlitz als architektonisches Flächendenkmal. Unter dem Titel „Görlitz – Auferstehung eines Denkmals“ sind bis zum 5. August großformatige Fotografien von Jörg Schöner aus Dresden zu sehen.

Er dokumentiert seit vier Jahrzehnten den enormen architektonischen Reichtum von Görlitz und wurde dabei zum Chronisten des Wandels in der Stadt. Historisches und Gegenwärtiges, Verfallenes und Wiederhergestelltes hielt er mit der Kamera fest und zeigt so nicht nur die herausragende Bausubstanz sondern auch Spuren des Alltags in der Neißestadt. Es entstand eine Dokumentation des scheinbar unaufhaltsamen Verfalls, an dessen Stelle nach 1990 die historisch beispiellose „Auferstehung eines Denkmals“ trat.

Die Ausstellung ist gleichzeitig ein beeindruckender Beleg für das große Engagement und die Begeisterung vieler Menschen, die sich mit großem Respekt vor dem hohen Wert der Denkmalsubstanz der Sanierung der Neißestadt gewidmet haben. Enorme Sanierungsleistungen öffentlicher und privater Akteure tragen maßgeblichen Anteil an dem Aufblühen der Stadt in den 27 Jahren nach der Deutschen Einheit. Dazu zählt auch die sogenannte „Altstadtmillion.“ So bezeichnete man die fast 11 Millionen Euro, die ein unbekannter Gönner über 22 Jahre der Neißestadt für den Erhalt seiner Kulturdenkmale schenkte.

Die von Jörg Schöner kuratierte Ausstellung wurde bereits mit großem Besucherzuspruch in Görlitz, dem Bundesrat in Berlin, im Flughafen Dresden, dem Wiesbadener Stadtmuseum am Markt sowie im Dresdner Landtag gezeigt.

Eintritt frei: Die Ausstellung kann kostenfrei besucht werden.

Die Ausstellung nimmt exemplarisch sieben ganz unterschiedliche Berliner Bibliotheken in den Blick:

Welche Sammlungen wurden von den Nationalsozialisten zerschlagen, welche Einrichtungen geschlossen?
Was geschah mit verbotener Literatur in Volksbüchereien und wie ging man in wissenschaftlichen Bibliotheken damit um?
Welche Wege nahm das Raubgut von Verfolgten, wer hat davon profitiert?
Auch die Ausgrenzung von Nutzerinnen und Nutzern sowie die Entlassung und Diskriminierung von Bibliothekspersonal kommen zur Sprache.

Das "Reichsbanner Schwarz-Rot-Gold, Bund der republikanischen Kriegsteilnehmer e.V." wird nach den schweren politischen Unruhen des Jahres 1923 als parteiübergreifende Organisation zum Schutz der Weimarer Republik gegründet. Anders als der Wehrverband Stahlhelm oder der Rote Frontkämpferbund engagieren sich seine Mitglieder nicht gegen sondern für die noch junge deutsche Demokratie. Der Verband will eine demokratische und republikanische Staatsgesinnung in der Bevölkerung verankern. Erklärtes Ziel ist die Festigung der Republik und die Achtung der Verfassung. Schnell entwickelt sich das Reichsbanner zu einer Massenorganisation mit bis zu drei Millionen Mitgliedern.

Nach dem Wahlerfolg der Nationalsozialisten 1930 verstärkt das Reichsbanner seinen Einsatz gegen die nationalsozialistische Gewalt und schließt sich Ende 1931 mit Gewerkschaften, SPD und Arbeitersportorganisationen zur Eisernen Front zusammen. Doch mit der Ernennung Hitlers zum Reichskanzler am 30. Januar 1933 ist die Niederlage der Republikaner besiegelt. Das Reichsbanner wird verboten, seine Aktivisten werden verfolgt, inhaftiert und ins Exil getrieben.

Eine Sonderausstellung des Kunstgewerbemuseums der Staatlichen Museen zu Berlin in Zusammenarbeit mit dem Fachbereich Kultur und Museum beim Bezirksamt Treptow-Köpenick von Berlin

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen grafische Arbeiten der in Berlin-Köpenick lebenden südafrikanischen Künstlerin Liz Crossley, die sowohl ideell wie formal stark durch topografische Karten inspiriert sind. Die abstrakten Darstellungen auf Landkarten erscheinen der Künstlerin als „Chiffren für das Land, Aufteilungen der Erde mit ihren feinen Linien, Tupfen, Strömen und Geraden, wo Menschen Grenzen ziehen. Jede Landkarte wirkt wie ein Auslöser, eine zweite entsteht durch die Erste.“ Landkarten sind für Liz Crossley nicht nur topografische Momentaufnahmen, sondern zugleich auch Marken ihrer eigenen Gefühle und Gedanken, „ausgelöst durch Linien, die andere gezogen haben.“

Einen besonders intensiven Einfluss auf diese Gruppe ihrer Arbeiten hat das berühmte „Schmettau‘sche Kartenwerk“ ausgeübt, eine kartografische Aufnahme großer Teile von Preußen und Mecklenburg, das zwischen 1767 und 1787 unter der Leitung von Friedrich Wilhelm Karl Graf von Schmettau (1743–1806) entstanden ist. Fremdes Staatsgebiet musste auf diesen Karten leer gelassen werden, was Liz Crossley an südafrikanische Karten der Apartheid-Zeit erinnerte, auf denen die „Homelands“ der schwarzen Bevölkerung ebensolche Leerstellen bildeten. Dagegen war den Angehörigen der Khoi und San – die autochthonen Völker Südafrikas – wie vielen frühen Kulturen die Vorstellung, dass das Land den Menschen als Eigentum gehören kann, gänzlich fremd.

Der preußische Kartograf Friedrich Wilhelm Karl von Schmettau war seit 1804 bis zu seinem Tod der Besitzer und Neugestalter von Schloss Köpenick – damit schließt sich am Ort der Ausstellung „Land-Schafft-Geschichten“ der Kreis nun gleichsam auch räumlich. Hier, in der heutigen Dependance des Berliner Kunstgewerbemuseums, werden den kartografisch inspirierten zeitgenössischen Grafiken von Liz Crossley einige besonders kunstvoll gestaltete Messinstrumente und Reißzeuge aus dem Sammlungsbestand des Museums als historische Werkzeuge geodätischer Weltaneignung assoziativ zur Seite gestellt, wodurch in der Ausstellung eine zusätzliche Bedeutungsebene aufgezeigt wird.

Mit dem Titel "We don’t need another hero" versteht sich die 10. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst als Dialog mit Künstler*innen und anderen Beitragenden. Die Beteiligten setzen sich mit den anhaltenden Ängsten und Sorgen in unserer heutigen Zeit auseinander – Ängste, die durch die Missachtung komplexer Subjektivitäten vervielfacht werden – und denken und handeln in ihrer Auseinandersetzung über den Kunstkontext hinaus.

"We don’t need another hero" wird kuratiert von Gabi Ngcobo und einem kuratorischen Team, dem Nomaduma Rosa Masilela, Serubiri Moses, Thiago de Paula Souza und Yvette Mutumba angehören.

VERANSTALTUNGSORTE:

Akademie der Künste
Hanseatenweg 10, 10557 Berlin

KW Institute for Contemporary Art
Auguststraße 69, 10117 Berlin

Volksbühne Pavillon
Rosa-Luxemburg-Platz, 10175 Berlin

ZK/U – Zentrum für Kunst und Urbanistik
Siemensstraße 27, 10551 Berlin

HAU Hebbel am Ufer (HAU 2)
Hallesches Ufer 32, 10963 Berlin

Der Volksgerichtshof wurde 1934 von den Nationalsozialisten zur „Bekämpfung von Staatsfeinden“ geschaffen. Bis Kriegsende mussten sich mehr als 16.700 Menschen vor diesem neuen obersten politischen Gericht verantworten, das ab 1942 jeden zweiten Angeklagten zum Tode verurteilte.

Die Ausstellung informiert über die Entstehung und Organisation des Gerichts, beleuchtet am Beispiel von Einzelschicksalen seine Urteilspraxis und informiert über den Umgang mit dem ehemaligen Gerichtspersonal nach 1945.

Im Rahmen der Ausstellungsreihe "im Atelier Liebermann" präsentiert die japanisch-schweizerische Künstlerin Leiko Ikemura im Max Liebermann Haus Ausschnitte ihres jüngsten Schaffens und reflektiert zugleich den Entstehungsprozess ihrer Werke. Als Grenzgängerin zwischen japanischer und europäischer Kunst- und Geistesgeschichte arbeitet Ikemura in einer Vielzahl an Medien – vorzugsweise Malerei, Skulptur und Zeichnung, aber auch Installation, Fotografie und Literatur.

Als Quelle der Inspiration und des künstlerischen Austauschs hat Leiko Ikemura zudem Donata und Wim Wenders zur Zusammenarbeit eingeladen. Sie erweitern die Ausstellung mit fotografischen und filmischen Arbeiten, die eng mit dem Werk Ikemuras verbunden sind. Mit dem Künstlerpaar pflegt Ikemura seit Jahren eine besondere Beziehung – nicht zuletzt durch ihre Affinität zur japanischen Kultur. Aufgrund ihrer langjährigen Verbundenheit und des gemeinsamen Bildgedächtnisses entsteht ein spannender Dialog über künstlerische Schaffensprozesse und das Denken in Bildern.

Mit "Verschwindende Vermächtnisse: Die Welt als Wald" verwandelt sich das Tieranatomische Theater in den bedrohten Lebensraum Wald. In der Ausstellung werden tradierte Bilder von Natur angesichts von Artensterben, Entwaldung und Klimawandel in Frage gestellt.

Die Ausstellung lädt zur Beschäftigung mit Naturbildern und deren Wandlung ein. Sie zieht Verbindungen von den Expeditionen des Naturforschers Alfred Russel Wallace im 19. Jahrhundert zu aktuellen Umweltveränderungen in Südostasien und dem Amazonasgebiet. Zeitgenössische Werke und Assemblagen werden zu historischen zoologischen und botanischen Objekten in Kontext gesetzt. Die künstlerischen Positionen von internationalen Künstler_innen wie Maria Thereza Alves, Mark Dion und Robert Zhao Renhui widersprechen einem romantischen Bild unberührter Natur. Sie fragen stattdessen nach den Vermächtnissen, die bleiben, angesichts des fortschreitenden Verlustes hochkomplexer Ökosysteme. 13 Installationen; Fotografien, Filme, Skulpturen und Sammlungspräparate reflektieren unvergleichliche Artenvielfalt im Spannungsfeld von Wissenschaft und Monokultur.

Viele der künstlerischen Arbeiten wurden eigens für die Ausstellung entwickelt. Ein besonderes Highlight ist das digitale 3D-Rendering des Schädels eines Sumatra-Nashorns. Das Exponat zeigt das Spannungsverhältnis von wissenschaftlicher Erkenntnis und Entnaturalisierung. Als CT-Scan dient der Schädel der Wissenschaft, doch macht er zugleich auf die Situation dieser von der Ausrottung bedrohten Tierart aufmerksam. Auf Borneo, Java und Sumatra führten die Fotograf_innen Armin Linke und Giulia Bruno gemeinsam mit den Kurator_innen Anna-Sophie Springer und Etienne Turpin zahlreiche Interviews mit Anwohner_innen, Plantagenarbeiter_innen, Kleinbäuerinnen und -bauern, Umweltschützer_innen, Regierungsbeamt_innen und Wissenschaftler_innen. Daraus entstanden ist ein filmisches Dokument, das die Geschwindigkeit reflektiert, mit der sich Indonesien gegenwärtig in eine Palmöl-Nation verwandelt – inmitten von gewaltigen Torfmoorbränden.

Zur Ausstellung findet ein Begleitprogramm mit Führungen, Lesungen, Filmvorführungen und anderen Veranstaltungen statt.

Teilnehmende Künstler_innen: Maria Thereza Alves, Ari Bayuaji, Bik Van der Pol, Shannon Lee, Castleman/Mobile Ecologies, Revital Cohen & Tuur van Balen, Mark Dion, Radjawali Irendra/Akademi Drone Indonesia, Armin Linke mit Giulia Bruno und Giuseppe Ielasi, Barbara Marcel, Julian Oliver & Crystelle Vu, PetaBencana.id, Robert Zhao Renhui/The Institute of Critical Zoologists, SHIMURAbros, Paulo Tavares/autonoma

"Verschwindende Vermächtnisse: Die Welt als Wald" ist ein dreiteiliges Projekt von Anna-Sophie Springer und Etienne Turpin. Die Wanderausstellung wird vom Centrum für Naturkunde (CeNak) an der Universität Hamburg realisiert, wo sie 2017 zu sehen war. 2018 werden adaptierte Versionen bei den Projektpartnern gezeigt; vom 27. April bis 26. August 2018 im Tieranatomischen Theater (TA T) an der Humboldt-Universität zu Berlin und vom 20. Oktober bis 14. Dezember 2018 im Zentralmagazin Naturwissenschaftlicher Sammlungen an der Martin-Luther-Universität Halle-Wittenberg in Halle/Saale. Der Ausstellungszyklus ist eine Kooperation mit der Schering Stiftung und dem Goethe-Institut Singapur. Das Projekt wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes.

Von Anfang an haben Pressefotografen die Berlinale begleitet, dokumentiert, auch interpretiert. Die Deutsche Kinemathek archiviert mehrere Nachlässe von Fotografinnen und Fotografen, deren Hauptfokus auf gesellschaftlichen Filmereignissen in Berlin lag. Der besondere Reiz dieser Sammlungen liegt am Rande der eigentlichen Motive, wenn beiläufig eingefangene Momente Mode, Zeitgeist, Alltags- und Repräsentationskultur oder das Konsumverhalten widerspiegeln. Die Ausstellung „Zwischen den Filmen“ dokumentiert die Arbeit der Fotografinnen und Fotografen und damit all das, was die Berlinale so charakteristisch macht – all das, was zwischen den Filmen geschieht.

Beim Bayerischen Rundfunk hatten sie ihn immer einfach machen lassen: 1974 die Vorabendserie "Münchner Geschichten" mit der Theaterlegende Therese Giehse und dem unvergessenen Hans Brenner, ab 1979 den Zwölfteiler "Der ganz normale Wahnsinn" über das Liebesleben des Leserbriefredakteurs Glanz. Viele Bonmots aus Dietls Serien wie „Logisch!“ oder „A bissl was geht immer“ sind in den allgemeinen Sprachgebrauch übergegangen. Seine eigenwillige Melange aus schriller Posse und waidwunder Melancholie erprobte der 2015 verstorbene Helmut Dietl mit Filmen wie ROSSINI – ODER DIE MÖRDERISCHE FRAGE, WER MIT WEM SCHLIEF (D 1997) oder VOM SUCHEN UND FINDEN DER LIEBE (D 2005) auch auf der großen Leinwand. In seinen Arbeiten KIR ROYAL (1986), SCHTONK! (D 1992), LATE SHOW (D 1999) und zuletzt ZETTL (D 2012) rechnete er immer wieder auch mit dem Medienbetrieb ab. Aus Anlass der Übergabe seines Schriftgutnachlasses erinnert die Mediathek Fernsehen mit einer Sonderschau an den einzigartigen Helmut Dietl als Autor und Regisseur für Film und Fernsehen.

Ausstellung im Botanischen Museum Berlin
Wie steht es um unsere Empathie gegenüber dem Nicht-Menschlichen? Die französische Künstlerin Karine Bonneval beschäftigt sich mit der Andersartigkeit von Pflanzen und den komplexen Interaktionen, die Pflanzen und Menschen trotz getrennter Reiche miteinander verbinden. Was wäre wenn wir Pilzen beim Wachstum zuhören könnten? Können wir unseren Atem mit Bäumen austauschen? Bonnevals Arbeiten tasten sich an mögliche Verbindungen zwischen Umgangssprache und Technologie heran. Seit 2014 hat sie zusammen mit verschiedenen Gruppen von Wissenschaftlern gearbeitet, darunter auch der Forschungsgruppe für Pflanzenökologie an der Freien Universität Berlin unter der Leitung von Matthias Rillig. Zusammen haben sie Projekte entwickelt, die innovative Forschungsfragen und neueste Methoden auf dem Gebiet der Bioakustik, Mikroskopie und thermischen Bildgebung.
Während ihres „Artist in Residence“-Aufenthaltes am Botanischen Garten im Frühjahr 2018 wird sich Karine Bonneval in ihrer künstlerischen Forschungsarbeit mit der Königin der Wasserpflanzen auseinandersetzen: der Riesenseerose Victoria amazonica. Die Ergebnisse ihrer Untersuchungen werden gemeinsam mit anderen Objekten, Sound- und Videoinstallationen in der Ausstellung im Botanischen Museum gezeigt. Ihre Arbeiten sind in besonderer Weise den „ernsten“ Naturwissenschaften verpflichtet, zugleich reflektieren sie aber auch jedoch in einzigartiger Weise den fragilen und poetischen Charakter und Poesie von Begegnungen und Interaktionen zwischen Mensch und Pflanze reflektieren.
Karine Bonneval ist vom 16. April bis 25. Mai « Artist in Residence » 2018 am Botanischen Garten und Botanischen Museum Berlin
Zum Artist in Residence und „Meet the Artist“ Termine im April+Mai 2018 hier
Zur Künstlerin www.karinebonneval.com/
Unser « Artist in Residence » Programm startete 2015 mit Aufenthalt und Ausstellung der ukrainischen Künstlerin Viktoriia Teletien. Es folgte der flämische Künstler Mark Swysen in 2017. Die Französin Karine Bonneval ist bereits die dritte internationale Künstlerin, die für zwei Monate im Gästehaus des Botanischen Gartens wohnt und sich von der besonderen Atmosphäre des Ortes künstlerisch inspirieren lässt. Die Arbeiten, die während ihrer Residency entstehen, werden ebenfalls in dieser Ausstellung zu sehen sein.

Im Rahmen des Jubiläums „Einhundert Jahre Ende Erster Weltkrieg“ widmet das Stadtgeschichtliche Museum Spandau eine Ausstellung dem Thema der Kriegsgefangenschaft. Der Begriff bezieht sich heute allein auf die Internierung von Soldaten, doch gerieten bereits seit August 1914 auch Zivilisten in kriegsbedingte Gefangenschaft. Nach heutigen Erkenntnissen waren im Laufe der Kriegsjahre weltweit über 9 Millionen Menschen in Lagern festgesetzt: ca. 8,4 Millionen Soldaten und etwa 800.000 Zivilisten. Die Einrichtung von Kriegsgefangenen- und Internierungslagern entwickelte sich zum globalen Phänomen.

Eines der damals bekanntesten Internierungslager, das sogenannte „Engländerlager“, befand sich auf dem Gelände der ehemaligen Trabrennbahn in Ruhleben. Dort waren bis zu 5.000 britische (zuweilen auch deutsch-britische) Männer eingesperrt. Einige lebten seit Jahren im Deutschen Reich, andere befanden sich bei Kriegsausbruch zufällig dort. Die Ausstellung vermittelt entlang der Darstellung des „Ruhleben Camp“ ein Stück dieser kaum präsenten Geschichte des Ersten Weltkriegs, wobei an bestimmten Punkten der Blick durch Vergleiche mit anderen (Kriegs-)Gefangenenlagern erweitert wird.

So kann die Entwicklung der Lagerorganisation des Deutschen Reichs am Lager Ruhleben beispielhaft nachvollzogen werden. Zudem – und das ist ein zentrales Moment der Ausstellung – entwickelten die Menschen in nahezu allen Kriegsgefangenen- und Internierungslagern bestimmte Strategien der kulturellen Gegenwehr: Sie organisierten Theater- und Musikaufführungen, Bildungsangebote und Lagerzeitungen. Weitere Ausstellungskapitel nehmen die Unterkunft, die Ernährung sowie den Kontakt zur Außenwelt durch Postverkehr, die Arbeit sowie das Thema Krankheit und Tod in den Blick. Flucht(versuche) und schließlich Heimkehr bilden die letzten thematischen Ausstellungspunkte, mit denen die Überlegungen zu den Dynamiken des Lagerlebens, zur Professionalisierung der Lagerstruktur und zu den menschlichen Reaktionen auf den permanenten Ausnahmezustand hinter Stacheldraht, der den Blick nach draußen ermöglicht und den Weg dorthin brutal versperrt, zur Diskussion gestellt werden.

Da auf dieser Grundlage auch Fragen zu heutigen Lagern aufkommen, wird der Schweizer Künstler Michael Stoll mit einer Installation den Bezug zu den Flüchtlingslagern der Gegenwart herstellen. Er nimmt Fluchtgründe, -routen und -stationen in den Blick, zugleich problematisiert er auch den Schlusspunkt der Flucht: das Ankommen. Die Diskrepanz zwischen Masse und Individuum zieht sich als roter Faden durch die verschiedenen Elemente der Installation: Welches Individuum steht hinter der Verwaltungsnummer? Wie passt das Einzelschicksal in standardisierte Formulare? Wo bleibt die Privatsphäre in Massenunterkünften?

In Zusammenarbeit mit dem Verein 100 Beste Plakate e.V. präsentiert die Kunstbibliothek die 100 besten Plakate des Jahres 2017 aus Deutschland, Österreich und der Schweiz. In den Kategorien Auftragsarbeiten, Autorengrafik und studentische Projektaufträge zeigt sich erneut die hohe Qualität des aktuellen Grafikdesigns. Die Auftaktausstellung mit Präsentation aller 100 Plakate und Launch des Jahrbuchs findet am Kulturforum statt und ist anschließend in Essen, Nürnberg, Luzern, Wien, La Chaux-de-Fonds und Zürich zu sehen.

Die bildenden Künste sowie die künstlerisch informierte Stadtforschung bewegen sich im Feld der ›urban cultures‹ verstärkt aufeinander zu. Kunst und Kultur sowie Urbanität und gebauter Raum müssen erkundet, erlebt und erzählt werden.

Ein Feld der Auseinandersetzung der letzten Jahre sind Großsiedlungen der heroischen Phase von 1960 bis 1990. Sie haben Dimensionen, die für sich stehend einer Kleinstadt entsprechen – doch zentrale Funktionen einer Stadt wie etwa die Künste und das Kulturleben werden vorrangig auf das Zentrum projiziert. Großsiedlungen bleiben deswegen vielen Menschen einer Stadt merkwürdig fremd. Es braucht neue Narrative und Bilder, um die scheinbare Homogenität von Großsiedlungen aufzubrechen und ihre bestechende Widersprüchlichkeit nachzuzeichnen.

Großsiedlungen sind miteinander vergleichbar – auch über Kontinente hinweg. Oft sind sie in konzentrischen Kreisen um die Kernstadt herum organisiert. Doch selbst innerhalb einer Stadt haben die Großsiedlungen kaum Kontakt miteinander. Das Ausstellungsprojekt‚ KREISE ZIEHEN im Stadtteil Berlin-Hellersdorf schlägt Brücken innerhalb und auch jenseits der Stadtgrenzen mit Partnersiedlungen und Partnerstädten: Wie entstehen Stereotypen von Orten, wie werden sie von außen gesetzt und von innen angenommen und weitergeführt? Wie operieren Bildstrategien in der Peripherie, die nicht von außen ein ›Image‹ überstülpen, sondern von den Bewohner_innen mit Eigensinn erarbeitet wurden? Der Kunst soll hier eine besondere Bedeutung zukommen, da sie über Strategien der Bildererzählung und des Bildwissens verfügt.

Teil 1: »Zeitkapsel Hasenbergl« von Pia Lanzinger und »Aspectomat Hellersdorf« von Barbara und Thomas Klage

Im ersten Teil der Ausstellung werden eine Dokumentation des zweijährigen Projekts »Zeitkapsel Hasenbergl« der Künstlerin Pia Lanzinger und Fotografien der Hellersdorfer Anwohner_innen Barbara & Thomas Klage gezeigt.

Während ihrer Recherchen zur Geschichte der Großsiedlung Hasenbergl am Stadtrand von München fand Pia Lanzinger heraus, dass der Grundstein der Siedlung samt Zeitkapsel bei Umbauten zerstört wurde. Diesen ›Verlust‹ begreift das Projekt »Zeitkapsel Hasenbergl« als Chance. Die zum Zeitpunkt der Gründung angedachten Zukunftsvisionen haben sich nicht erfüllt. Das Hasenbergl hat sich eigensinnig entwickelt. Das Selbstbild wurde im Jahr 2017 durch eine Wiederholung der Grundsteinlegung festgehalten. 70 Bewohner_innen steuerten ein bestimmtes Ereignis aus ihrer selbst erlebten Geschichte am Hasenbergl als Videoclip für die neue Zeitkapsel bei. So entsteht – mit breiter Beteiligung – eine alternative Darstellung des Lebens in dieser Großsiedlung am Stadtrand Münchens.

Barbara und Thomas Klage zogen 1988 als Erstbewohner_innen nach Hellersdorf. Ihr umfangreiches Fotoarchiv wird nun für die Ausstellung digitalisiert. Außerhalb des privaten Rahmens eines Familienalbums wird eine Auswahl der erzählten Geschichten und Alltagsdokumente öffentlich präsentiert. Stadt ist hier nicht nur der gebaute Raum, sondern immer auch ein Ort für gelebte Praxis, die Wünsche und Imaginationen der Menschen selbst. Wie war die „Gummistiefelzeit“ in Hellersdorf, als die Erstbewohner_innen ihre neue Siedlung in Besitz nahmen? Welche Veränderung und Verschiebungen von Wertesystemen haben Anwohner_innen erlebt, und wie haben sie diese dokumentiert?

Unterstützt von: Senatsverwaltung für Kultur und Europa und Amt für Weiterbildung und Kultur Marzahn-Hellersdorf

Bukarest in den 1980er Jahren. Mehrere Jahre lang wendet Ceaușescu sein Programm der „Systematisierung“ auf die rumänische Hauptstadt an: ein Drittel des historischen Zentrums wird dem Erdboden gleichgemacht, um imposante Gebäude zu errichten und breite Alleen zu Ehren des Regimes zu ziehen. Trotz besonderer Verbissenheit im Umgang mit den Kirchen bleiben sieben von ihnen verschont, wobei ihnen eine ebenso außergewöhnliche wie absurde Behandlung widerfährt: sie werden auf Schienen gehoben, versetzt und hinter Wohnblöcken versteckt. Aus dem Stadtbild gelöscht, führen sie ein geheimes Leben in einer verschachtelten Architektur, die die heutige Stadtlandschaft prägt.

Anton Roland Laub, in Berlin ansässiger Fotograf mit rumänischen Wurzeln, setzt seine Bilder in Beziehung zu historischem Archivmaterial und beleuchtet so eine wenig bekannte, doch faszinierende politische Stadtgeschichte.

Kuratorin der Ausstellung: Sonia Voss

Eine Ausstellung der Evangelischen Versöhnungsgemeinde.

Die Ausstellung "Ein Künstlermuseum für Berlin: Karl Schmidt Rottluff, Leopold Reidemeister und Werner Düttmann" ist eine Hommage an die Gründung des Museums vor 50 Jahren und an seine Protagonisten. Sie rekonstruiert anhand von Zeitzeugenberichten, Dokumenten und Originalfotografien die elegante und großzügige Ersteinrichtung der Sammlung aus dem Jahr 1967 und ist Ausgangspunkt zur Erkundung neuer Perspektiven auf die Sammlung und ihre Geschichte. Gezeigt werden insgesamt 39 Gemälde, 59 Grafiken und Originalzeichnungen, 7 Skulpturen, eine Glasarbeit sowie Jahresmappen und Postkarten aus dem Bestand des Brücke-Museums von Künstler*innen wie Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Max Pechstein und Otto Mueller sowie Anton Kerschbaumer, Otto Herbig, Max Kaus und Emy Roeder. Die Präsentation umfasst einen Zeitraum von 70 Jahren aus dem Früh-, Haupt- und Spätwerk der Künstlergruppe sowie Werke von Wegbegleiter*innen und Freund*innen der "Brücke"-Künstler.

Im Garten des Museums erichtet die Künstlerin Sol Calero (*1983 in Caracas, Venezuela) zeitgleich ihren Pavillion "Casa Isadora", inspiriert vom MUIM-Institut (Moderner Unterricht in Malerei), das Ernst Ludwig Kirchner und Max Pechstein 1911 in Berlin gründeten. Der Pavillion ist Auftakt einer Reihe von Kollaborationen des Brücke-Museums mit nationalen und internationalen Künstler*innen, Praktiker*innen und Wissenschaftler*innen.

Ausstellungsreihe KUNST IM HERRENHAUS (1) - Gruppenausstellung "Landkulturen. Multimediale Perspektiven zwischen Natur und Kunst"

Im Museum im Herrenhaus präsentieren wir Ihnen 2018 als dreiteilige Ausstellungsreihe KUNST IM HERRENHAUS. Die Künstlerinnen und Künstler setzen sich mittels unterschiedlicher Techniken und Materialien mit den Themen Natur, Ökologie und Urbanität auseinander. Dabei geht es insbesondere um die heutige Beziehung zwischen Mensch und (Nutz-) Tier und das Spannungsverhältnis zwischen Stadt und Land. Die gezeigten Malereien, Grafiken, Fotografien, Videos und Installationen sind zum Teil poetische und sehr persönliche Werke, die uns auf eine visuelle Suche mitnehmen und dabei die Sehnsucht nach Alternativen und Orten der Freiheit wecken …

Als erste der drei Ausstellungen präsentieren wir unter dem Titel Landkulturen eine Gruppenausstellung von Künstlerinnen und Künstlern, deren hier ausgestellte Arbeiten multimediale Perspektiven zwischen Kunst und Natur beleuchten:

Maj-Synje Berns; Martin Binder; Sigrid Braun-Umbach; Andrea Colitti; Barbara von Hartha; Tina Hopp; Tama Kapanadze-Popkova; Celia Mehnert; Bettina Müller; Teona Paichadze; Sebastian Rohr; Bärbel Rothhaar; Georgi Tchkhaidze

Kuratorin: Dr. Lily Fürstenow. Mit Begleitprogramm

Ungewöhnliche Wege beschreitet die Kulturstiftung Schloss Britz mit der neuen Ausstellung ab April 2018. Unter dem Motto „Kunst zum Mitmachen“ werden 19 interaktive Exponate aus 500 Jahren Kunstgeschichte gezeigt. Die Besucherinnen und Besucher können sich darin selbst in Szene setzen und damit Teil des Kunstwerks werden.

Entgegen sonst üblichen Gepflogenheiten ist in dieser Ausstellung das Fotografieren nicht nur erlaubt, sondern sogar erwünscht. Also schnell die Kamera oder das Smartphone ausgepackt und sich selbst oder Familie und Freunde als Teil des Kunstwerks fotografieren. Dabei kann natürlich nach Herzenslust gepostet werden: Das Foto in den sozialen Netzwerken hochladen und schon ist man in außergewöhnlicher Umgebung zu bewundern. Beginnend in der Renaissance geht die Reise von Botticelli und Michelangelo über Manet und Degas bis hin zu Picasso, Keith Haring und Andy Warhol; allesamt Werke von Weltruhm. In den begleitenden Texten erhält man auch noch Informationen zu den Künstlern, ihren Werken und den Epochen.

Mit der Ausstellung wendet sich Schloss Britz ganz besonders an ein jüngeres Publikum, das an die Kunst herangeführt werden soll. Mit diesem Zugang zur Kunst, der auch die neuen Formen der Kommunikation und der neuen Medien einbezieht, wird die Ausstellung zu einem lebendigen Ort, an dem mit Kunst experimentiert werden kann. Aber auch für ein älteres Publikum hat der Rundgang durch die Topwerke der Kunstgeschichte seinen Reiz. Auch sie sind herzlich eingeladen, sich selbst zum Kunstwerk zu machen.

Die Ausstellung wird in Kooperation mit dem Institut für Kulturaustausch, Tübingen präsentiert.

In Rahmen einer Kooperation zwischen dem Kunstgewerbemuseum der Staatlichen Museen zu Berlin und dem Mies van der Rohe Haus und anlässlich der Themenreihe „MIES – SITZEN UND LIEGEN“ werden die von Ludwig Mies van der Rohe entworfenen Sitz- und Liegemöbel des Landhauses Lemke nun in einer Sonderpräsentation am Kulturforum gezeigt.

1984 übereignete Martha Lemke dem Kunstgewerbemuseum eine Sammlung an Möbeln, die ursprünglich zur Erstausstattung des Landhauses Lemke in Berlin-Weißensee gehörten, welches Ludwig Mies van der Rohe 1932 für das Ehepaar Lemke entworfen hatte. Auch an der Inneneinrichtung war der führende Architekt der Moderne und Direktor des Bauhauses gemeinsam mit Friedrich Hirz und seiner langjährigen Assistentin Lilly Reich beteiligt. Bedingt durch die geschichtlichen Ereignisse in der Nachkriegszeit – das Ehepaar Lemke wohnte nur bis 1945 dort – wurden Haus und Möbel schließlich voneinander getrennt.

Nun werden die Möbel aus dem Nachlass Martha Lemkes in der Designsammlung des Kunstgewerbemuseums im Rahmen einer Sonderpräsentation gezeigt, darunter ein Liegesofa aus dem Damenzimmer, ein Schreibtischstuhl aus dem Arbeitszimmer sowie zwei verschiedene Varianten von lederbezogenen Holzhockern. Der Stil des Mobiliars zeichnet sich durch eine reduzierte Formgebung aus; Makassar- und Zitronenholz sowie helle Lederbezüge verleihen dem Interieur eine luxuriöse Note.

Die Möbel werden mit einer eigens entstandenen Serie des Berliner Fotokünstlers Michael Wesely (*1963) in Szene gesetzt. Für „Doubleday. Mies van der Rohe Haus. (1933-2018)“ hat Wesely historische Schwarzweiß-Fotografien der Innenausstattung des Hauses Lemke mit aktuellen Aufnahmen des Gebäudes zu einem Bild verschmolzen.

Die Ausstellungs-, Symposiums- und Veranstaltungsreihe „MIES – SITZEN UND LIEGEN“ veranstaltet das Mies van der Rohe Haus 2018 zur Einstimmung auf das 100-jährige Bauhaus-Jubiläum 2019. Die Reihe beleuchtet praktische, ästhetische und kulturtheoretische Aspekte des Sitzen und Liegens vor dem Hintergrund des Beitrages eines der größten Architekten des 20. Jahrhunderts.

Der Dokumentarfotograf Peter Thieme verfügt über einen umfangreichen Bestand von Fotografien, die Lichtenberg im Zustand von 1991–1999 wiedergeben. Auf ihnen sind noch die von der DDR hinterlassenen Spuren sichtbar. Nach nur wenig mehr als einem viertel Jahrhundert ist diese Vergangenheit inzwischen nur noch schwach oder gar nicht mehr erkennbar. Peter Thiemes Blick durch die Kamera ist alles andere als sentimental. Stadtansichten, Industriebrachen und von Investoren noch nicht entdeckte Leerflächen lassen das Ausmaß an Vernachlässigung vor und auch nach der so genannten Wende erkennbar werden, in der die Stadtlandschaft eines Wandels harrt.

Peter Thieme, geboren in Chemnitz, 1986–1991 Studium und Diplom an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig bei Arno Fischer und Horst Thorau, arbeitet als freiberuflicher Fotograf und Dozent in Berlin.

Die kleine Sonderausstellung „Liebe, Sex & Sozialismus“ spürt dem Zusammenhang zwischen den höchst privaten zwischenmenschlichen Beziehungen und den Vorstellungen des DDR-Staats in Bezug auf eine allumfassende Liebe nach. Dabei wird gezeigt, dass die ideologischen, sozialen und ökonomischen Verhältnisse der DDR tief in den Bereich der Geschlechterbeziehungen, der Familienplanung und des Alltags eingriffen und dass die Partei ihre Mitglieder und darüber hinaus alle Menschen der DDR zu Liebe, Hingabe und ewiger Treue verpflichtete.

In 26 thematischen Wandvitrinen sehen Sie spannende Exponate zu Beziehungsthemen sowie zur Aufklärung und Erotik in der DDR.

Die Sonderausstellung ist vom 28.03.2018 bis zum 31.07.2018 im Eingangsbereich des DDR Museum zu finden, direkt gegenüber dem inhaltlich neu gestalteten Foyer.

Der Eintritt zur Sonderausstellung ist frei.

Die Nationalsozialisten zerstörten die demokratischen Strukturen und verfolgten, enteigneten und ermordeten Vertreterinnen und Vertreter der „verhassten“ Weimarer Republik. Die Ausstellung zeigt erste Ergebnisse einer regionalen Spurensuche. Sie dokumentiert verschiedene Facetten der politischen Partizipation in einer offenen Gesellschaft und ihrer Bedrohung.
Im Mittelpunkt stehen dabei die Biografien von sechs Abgeordneten – Frauen und Männern: Hermann Clajus, Richard Draemert, Hans Holtz, Friedrich Matèrn, Anna Mayer und Minna Todenhagen. Fotografien und Dokumente erzählen von den politischen und beruflichen Aktivitäten in Zehlendorf und von den individuellen, spezifischen Verfolgungen im Nationalsozialismus. Auf diese Weise soll einerseits die Auseinandersetzung mit politischer Verfolgung und ihrer Definition angeregt werden. Andererseits ermöglichen die Biografien, Sensibilität und Empathie für Verfolgte zu wecken.
Die Ausstellung entstand in Kooperation des Fachbereichs Kultur des Bezirksamtes Steglitz-Zehlendorf mit dem Aktiven Museum Faschismus und Widerstand in Berlin e.V. Sie wurde erstmals 2016 in der Schwartzschen Villa in Steglitz präsentiert, 2017 der Zehlendorfer Teil im Heimatmuseum Zehlendorf.

Die Vogelperspektive, also der Blick von oben, ist die wohl beste Möglichkeit, um sich einen Überblick über eine Landschaft zu verschaffen.
Die Ausstellung erzählt mit eindrucksvollen Schwarz-Weiß-Aufnahmen die bislang wenig bekannte Geschichte der Brieftauben-Fotografie zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Sie gilt als wichtiges historisches Vorbild für die heutige Luftbildfotografie. 20 vergrößerte Reproduktionen und rund 20 Original-Abzüge von Luftaufnahmen, bei denen Brieftauben als Fotografen eingesetzt wurden, würdigen Julius Neubronner (1852-1932) als eine der ersten Personen, der es gelang, die Welt wortwörtlich von der Vogelperspektive aus zu betrachten.

Der Erfinder Julius Neubronner
Julius Neubronner, Apotheker im hessischen Kronberg, hatte die geniale Idee, Brieftauben als Träger von Fotoapparaten einzusetzen. Die von ihm entwickelten Taubenkameras fanden schnell Beachtung und kamen auf verschiedenen Gebieten zum Einsatz, vor allem in der kriegsrelevanten Aufklärungsfotografie. Das Preußische Kriegsministerium hatte großes Interesse an Neubronners Erfindung. Die gefiederten Soldaten erfüllten jedoch nicht alle Erwartungen - letztendlich erwiesen sich Aufklärungsflugzeuge als besser und effektiver.

Ein Rückblick auf 20 Jahre Stadtteilmagazin mit Fotografien von Wolfgang Krolow, Michael Hughes und Holger Groß. Titelbilder, eine Auswahl historischer Geschichten und Hintergrundinformationen führen von der 0-Nummer bis zur aktuellen 200. Ausgabe des Kultmagazins. Besonderes Augenmerk legt die Ausstellung auf die Kreuzberger Musikszene. Eröffnet wird sie am 22. Juni mit einem Konzert im Museumsgarten, bei dem die Protagonist*innen der Ausstellung live auf der Bühne im Museumsgarten stehen, u. a.: Christiane Rösinger, Bass-Gabi, Rachelina, Ralph Lanrue (Ton Steine Scherben), Hans Hartmann (Guru Guru), Rashidii Graffiti, Süleyman Celik, Gino Merendino.
Ein Projekt der Kreuzberger Chronik in Zusammenarbeit mit der Browse Gallery.

Mit der Ausstellung „1988“ laden wir zu einer Zeitreise in ein Jahr ein, das wir heute als Prolog zur Wende lesen. Der Fokus liegt auf den Ereignissen in Berlin und in Polen. In Polen begannen die Streiks der Solidarność, die in einen Runden Tisch zwischen der Regierung und der Opposition und letztlich in die freien Wahlen von 1989 mündeten. Das war der Beginn der Wende in Europa, zu dem später auch der Fall der Berliner Mauer kam. In Berlin war das Jahr 1988 geprägt von zahlreichen Auseinandersetzungen zwischen dem Senat und der linksalternativen Szene der Stadt. Zur gleichen Zeit fand im Rahmen der Kulturhauptstadt Europas 1988 ein Schriftstellerkongress statt, bei dem Autorinnen und Autoren aus dem Westen und dem Osten von einem Europa ohne Grenzen träumten. Im September 1988 tagte in Berlin der Internationale Währungsfonds, damals Symbol dessen, was man heute als Globalisierung bezeichnet. Zehntausende linke Demonstrant*innen gingen gegen die Tagung auf die Straße. Die Fotografien von Ann-Christine Jansson und die Zitate aus Uwe Radas Roman „1988“ zeigen diese Welt, die noch ganz von dem, was ein Jahr später geschieht, unberührt scheint. Einen in seiner Schrägheit unspektakulären Alltag, der einen glauben macht, als wäre das schon immer so gewesen – und würde immer so bleiben.
Gefördert durch Mittel des Bezirkskulturfonds Friedrichshain-Kreuzberg mit Unterstützung des Vereins zur Erforschung und Darstellung der Geschichte Kreuzbergs e.V.

"Ich will dem Durstigen geben von der Quelle des lebendigen Wassers umsonst." Offenbarung 21,6

Die Jahreslosung 2018 ist Thema einer Ausstellung mit Arbeiten der Hobbyfotografin Ines Küstermann, die im Café des Museum Spandovia Sacra zu sehen ist.

In der begehbaren Installation »Aural« des Künstlers James Turrell bewegen sich die Besucher*innen in einem Licht- und Farbraum, dessen Grenzen nicht wahrnehmbar sind. Die Arbeit des weltweit bedeutendsten »Bildhauers des Lichts« ist in einem temporären Bau im Museumsgarten zu sehen und scheint die Gesetze der weltlichen Erfahrung aufzulösen.
Der entmaterialisierte und entgrenzte Raum wirkt gleichsam kontemplativ wie sinnlich aufgeladen und kann als eine künstlerische Interpretation des göttlichen Schöpfungsaktes angesehen werden. Mit »Aural« wird erstmalig eines der »Ganzfeld Pieces« von James Turrell in Berlin präsentiert.

Das Kunstwerk ist eine Schenkung von Dieter und Si Rosenkranz.

Ein Jahresprogramm mit Filmen von feministischen Filmemacher_innen und Videokünstler_innen

Ein Raum des Schwulen Museums wird zur Filmlounge, in der sich die Besucher_innen für unterschiedliche filmische Formate und internationale (queer-)feministische Positionen Zeit nehmen können. Die Filmlounge, mit ihrem zu jedem Neumond wechselnden Programm, ist während des regulären Museumsbetriebs zugänglich.

Die Reihe 12 Monde ist eine ganzjährig angelegte Intervention gegen die mangelnde Repräsentation weiblicher* Perspektiven – sowohl in audiovisuellen Medien und musealen Kontexten als auch in Kultur und Gesellschaft allgemein. Sie entwirft Fragen nach der Darstellung und Konstruktion von Weiblichkeit_en und dem Potential eines anderen Blicks.

Auf der Suche nach den Klassikern lesbischer und feministischer Filmhistorie, nach zeitgenössischen queeren Positionen und den Stimmen von Women* of Color sprechen wir mit den OWLs (Older Wiser Lesbians), den Pornfilmexpert_innen, wir besuchen Archive und gehen auf Festivals. Wir fragen die Communities nach den Geschichten, die gesehen und gehört werden sollten.

Die Filmauswahl eröffnet Einblicke in Alltagsleben und Begehren, hinterfragt Beziehungsstrukturen und Machtgefüge.

Beleuchtet werden sowohl gesellschaftliche Zumutungen als auch Geschlechterordnung. Die darin aufscheinenden Utopien und heilenden Momente sind Zeugnisse des globalen Kampfes von Frauen* um Respekt, Selbstbestimmung und Entfaltungsräume.

Team
Gesamtkuration: Vera Hofmann
Assistenz: Felix Roadkill und Anina Falasca

Raumarchitektur mit Carolin Gießner und Théo Demans

Vera Hofmann arbeitet als Künstlerin und ist im Vorstand des Schwulen Museums.

12 Monde wird im Rahmen des Projekts Jahr der Frau_en von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa gefördert.

Stefan Thiels Papierschnitte sind auf der ganzen Welt bekannt. Sie sind vertreten in großen Privatsammlungen sowie bedeutenden Museen und Institutionen in den USA, in Australien und in Europa. Man findet sie in den Sammlungen des Deutschen Bundestags und der Berliner Nationalgalerie.

Stefan Thiels Silhouetten des black facebook (2011–15) sind bereits ein fester Bestandteil der Geschichte der Homosexualität und ihrer Selbstdarstellung, zirkulieren in der Kunstwelt und den entsprechenden sozialen Netzwerken. Gekauft werden sie nicht nur von schwulen Männern, sondern auch von heterosexuellen Frauen, die die erotische Darstellung des Mannes als Sammelobjekt im Bereich der bildenden Kunst mehr und mehr für sich entdecken.

Thiel schnitt seine Silhouetten nach fotografischen Vorlagen aus schwarzem Büttenpapier – von einfachen Rückenakten mit heruntergelassener Hose über pornografische Situationen auf Möbelikonen der Klassischen Moderne bis hin zu Großformaten wie Logan + Bird Chair.

Aus diesem Werkblock gelangte 2016 die Serie 100 Berlin Based Men ins Schwule Museum. Thiel zeigt darin Silhouetten von Drag Kings, heterosexuellen und homosexuellen Männern. Was als kleine, unspektakuläre Untersuchung von Männerposen begann, verwandelte sich innerhalb von vier Jahren in ein Opus Magnum von 140 Einzeldarstellungen, das die unterschiedlichsten Personen aus Stefan Thiels Bekanntenkreis, der Berliner Szene und PlanetRomeo, aus Sydney über Toronto und New York bis Paris und Warschau in selbstdarstellerischer Weise vereint. Es ist eine artifizielle Trophäensammlung, ein anonymer, zugleich intimer Freundeskreis aus Transsexuellen, Mitgliedern eines Rugbyvereins, Bodybuildern, Tänzern, Pornodarstellern, Thiels Galeristen aus Berlin und Sydney und vielen Leuten, die aus dem Berliner Clubleben bekannt sind. So sind die 100 Berlin Based Men als Teil der Sammlung des Schwulen Museums ein Archiv im Archiv geworden. Und auf unserer Suche nach bekannten Körpern schärfen sie den Blick für unsere eigenen Projektionen. Wir stehen vor Thiels Papierschnitten wie in Platons Höhle gefesselt, denn der Papierschnitt funktioniert wie ein schwarzes Loch. Wir erkennen nur seinen äußeren Rand, und es saugt all unsere Projektionen in sich auf, um sich mit deren Energien aus Vermutungen, Ängsten und Wünschen aufzuladen und zu verdichten.

Der gleichnamige Katalog erscheint zur Ausstellung und kann für 29€ im Shop gekauft werden. Außerdem hat Stefan Thiel exklusiv für das SMU 25 Exemplare seines Werkes Young Man (2018, 55×40 cm) zur Verfügung gestellt, welche jeweils zusammen mit einem signierten Katalog als Sonderedition für 300€ erstanden werden können.

Zeitgleich zeigt das SMU aus eigener Sammlung Fotos und Objekte zum Thema „Leder“, darunter die private Lederstiefelsammlung von Volker Zimmermann. Er trug sie den 1980er- und 90er-Jahren zusammen und schenkte sie 2013 der Sammlung des Schwulen Museums, wo sie u.a. in der Ausstellung Homosexualität_en im Deutschen Historischen Museum/DHM zu sehen waren. Außerdem werden Fotoarbeiten von Krista Beinstein sowie Gerhard Pohl gezeigt.

Kuratiert von Wolfgang Theis im Rahmen von Tapetenwechsel 2.04.