Aktuell

Die Ausstellung THE LONG NOW versammelt vom 8. Juli bis zum 27. August 2018 in der Lounge des me Collectors Room Berlin 20 aktuelle künstlerische Positionen, in denen unterschiedliche Aspekte von Zeitlichkeit zum Tragen kommen.
Diese betreffen unseren Zeitbegriff ebenso wie die Muster der Zeitwahrnehmung und nicht zuletzt die Darstellung von Zeit. Die Zeit erweist sich dabei zusehends als offene Größe, die sich in der subjektiven Erfahrung gänzlich anders zeigt als auf den Zifferblättern unserer Uhren. Polaritäten wie Ruhe und Unruhe, Be- und Entschleunigung, aber auch Augenblicklichkeit, Dauer und Vergänglichkeit werden zu zentralen Kategorien.
Zeit ist etwas, das uns alle sowohl auf konkrete wie elementare Weise betrifft. Ohne einen Begriff von Zeit scheinen unsere Existenz, wie auch die Vorgänge in der Welt um uns herum nicht denkbar. Zugleich stellt die Zeit ein abstraktes und schwer fassbares Phänomen dar, das ForscherInnen und DenkerInnen, wie auch KünstlerInnen seit jeher beschäftigt. Vor dem Hintergrund einer beschleunigten Moderne und einer medial vermittelten globalen Gleichzeitigkeit stellen sich Fragen nach der Zeit umso dringlicher. Was bedeutet uns die Zeit? Was heißt Gegenwart? Wie lange währt das Jetzt?
THE LONG NOW läuft vom 25.03. - 17.06.2018 als zweiteiliges Ausstellungsprojekt im Museum Goch und parallel im Kunstverein Bochum.
Kuratiert von Reinhard Buskies.

KünstlerInnen
Malte Bartsch | Christiane Baumgartner | Roland Boden | Maurits Boettger | Daniel Burkhardt | Mark Formanek | Nikolaus Gansterer | Dafna Gazit | Christoph Girardet | Lukas Grundmann | Timo Klos | Simona Koch | Vera Lossau | Zhenia Couso Martell | Lilla von Puttkamer | Otto Reitsperger | Johanna Reich | Hans-Christian Schink | Katrin Wegemann | Michael John Whelan

Veranstaltungen
ART & MEDITATION – Achtsame Wege des Kunst-Erlebens
Jeden Mittwoch, 9 Uhr & 18 Uhr
9€ (30 min Meditation & Achtsamkeits-Übungen in der Ausstellung + 1 Tasse Tee)
Auch im Rahmen der Ausstellung THE LONG NOW lädt der me Collectors Room Berlin sowohl zu einem achtsamen Start in den Tag als auch zu einem bewussten Ausklang nach der Arbeit ein. In Zeiten einer beschleunigten und oft Stress-gefüllten Lebenswelt, gönnen Sie sich eine halbe Stunde der Stille als wertvolle Vorbereitung für Ihre Arbeit, Begegnungen und Entscheidungen des Tages. Sanfte Körperübungen und etablierte Achtsamkeits-Methoden, wie die Beobachtung des Atems, verbinden Sie mit der Kraft des Augenblicks und mit Ihnen selbst. Umgeben von der Stille des Ausstellungsraumes, integriert ART & MEDITATION achtsame Wege des Kunst-Erlebens.

Pressekontakt:
me Collectors Room Berlin / Stiftung Olbricht

Tina Volk, presse@me-berlin.com Instagram:
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Ausstellung: Vornehmlich weiß. Modernes Manufakturporzellan der 1960er und 1970er Jahre
26. August bis 15. Oktober 2018, Fr – Mo 13 – 17 Uhr

Eröffnung: Im Rahmen der „Lange Nacht der Museen“ am 25. August um 20 Uhr
Es spricht die Kuratorin der Ausstellung Frau Eva Chatzicharalambous MA

Die 1960er und 1970er Jahre waren veränderungsstarke Jahrzehnte: Der Weltraum wurde erobert, die Hippie-Bewegung feierte sich in Woodstock, und politische Bewegungen wie der Prager Frühling, die US-Bürgerrechts- und die Studentenbewegung beschleunigten den gesellschaftlichen Wandel. Die Umbruchstimmung hatte auch Auswirkungen auf die Entwicklung des Designs. So bestimmten runde, asymmetrische, dynamische oder futuristische Formen den Zeitgeschmack und das Interieur. Die Formvielfalt der Natur wurde zum Vorbild. In der Architektur entstanden Bauten, die sich an organischen Formen orientierten. Die Künstler/innen der OP-Art nutzten abstrakte Muster, um die Wahrnehmung zu täuschen. Dinge aus einem anderen Blickwinkel zu sehen und damit den Zeitgeist sichtbar zu machen, wurde auch für die Porzellanindustrie zum Leitbild. Man wollte trendbewusste junge Käufer ansprechen. Das schnelle Wirtschaftswachstum ab den fünfziger Jahren in der BRD führte zu neuem Wohlstand, und die bestehende Forderung nach einer Ästhetisierung des Alltagslebens wurde zunehmend Realität.

1961 setzte die Firma Rosenthal mit der studio-linie einen Meilenstein für modernes Porzellan-Design. Der Fabrikant Philip Rosenthal holte internationale Künstler/innen und Designer/innen
in die Produktionsstätte nach Selb. Dieses neuartige Konzept, mit dem Rosenthal US-amerikanischen Vorbildern folgte, sah concept stores vor, in denen auch andere Produktgruppen wie bspw. Gläser, Bestecke, Tischwäsche und Möbel angeboten wurden.

Weitere traditionsreiche Porzellanhersteller in Ost- und Westdeutschland – wie Hutschenreuther, Scherzer, Fürstenberg, Arzberg, Heinrich, Meissen, Wallendorf, Schönwald u.a. – verpflichteten zunehmend Designer/innen wie Margarete Jahny, Hans Achtziger, Ludwig Zepner, Heinrich Löffelhardt, Hans Theo Baumann, Ernst August Sundermann, Björn Wiinblad und Tapio Wirkkala, um nur einige zu nennen.

Parallel dazu wurde in der DDR in den 60er Jahren der sogenannte Formalismusstreit ausgetragen, nachdem Walther Ulbricht anlässlich der V. Deutschen Kunstausstellung in Dresden direkt die Formensprache des Keramikers Hubert Petras kritisiert hatte.

Die Kabinettausstellung „Vornehmlich weiß“ setzt neben einigen Service-Teilen den Schwerpunkt auf Vasen unterschiedlicher Manufakturen. Nach dem Rosenthalschen Motto „Mehr als nur ein Platz für Blumen“ (1977) werden Vasen zu Skulpturen. Anhand der ausgewählten Beispiele möchte die Ausstellung zeigen, welche künstlerischen Strömungen und Designtrends dieser Epoche für deutsches Porzellan prägend waren. Gemäß dem Ausstellungstitel wird der Fokus auf weißes Porzellan mit Reliefdekoren gerichtet, um die Innovationen in der Formgestaltung sichtbar werden zu lassen.

Die meisten Exponate stammen aus der Sammlung von Helga Fröbel, und werden ergänzt durch Objekte privater Leihgeber sowie durch Stücke aus der eigenen Sammlung.

Reprofähiges Bildmaterial auf Anfrage: info@keramik-museum-berlin.de

In der Ausstellung "KunstGenuss" werden Arbeiten in asiatischer Tuschmalerei, Kalligraphie und Aquarelle der Wahlberlinerin Monika Taterra präsentiert. Zu sehen sind Landschaften und zarte florale Motive. Die Künstlerin hat eine Ausbildung in asiatischer Kalligraphie und Tuschmalerei und nahm von 2013 bis 2017 an Ausstellungen im Bundespresseamt im Rahmen der Asien-Pazifikwochen und an der Weltkalligraphie-Biennale 2017 in Südkorea teil. Seit 2014 ist sie Dozentin für Aquarellmalerei an der VHS Havelland in Falkensee und organisiert Gruppenausstellungen für ihre Kursteilnehmer.

"KunstGenuss" wird bis zum 25. November 2018 gezeigt.
Das Café im Museum ist geöffnet: Mi, Do, Fr, Sa und So 15-18 Uhr.

In Zeiten von „alternativen Fakten“ wollen wir umweltrelevante Fragen mit der Öffentlichkeit diskutieren. Gemeinsam mit Forschern des Joint Research Centers der Europäischen Kommission und dem Fotokünstler J Henry Fair präsentiert das Museum für Naturkunde eine Ausstellung, die Brücken zwischen Kunst und Wissenschaft schlägt und mit Hilfe unserer Besucher weiter gestaltet wird.

Großformatige Luftaufnahmen zeigen die teilweise katastrophalen Auswirkungen menschlichen Handelns auf die Natur. ARTEFAKTE benennt die Herausforderungen, die hinter den Bildern stecken, wie Wissenschaft und Politik Lösungen erarbeiten und welchen Beitrag jeder Einzelne leisten kann.

Die Ausstellung „Local Histories“ spürt Beziehungen und Bedingungen nach, unter denen zentrale Werke der Sammlungen in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts entwickelt wurden.

„The history of art and art’s condition at any time are pretty messy“ schreibt Donald Judd 1964 in einem Artikel, der sich der New Yorker Kunstszene widmet. Er wendet sich darin gegen traditionelle Unterscheidungen von Stilen und Gattungen und plädiert für eine ungezwungene Begegnung mit Kunstwerken. Judds Analyse einer lokalen Szene ist Ausgangspunkt für das Experiment, Werke aus der Friedrich Christian Flick Collection und der Sammlung der Nationalgalerie, ergänzt durch ausgewählte Leihgaben, in den Kontext ihrer Entstehung zu bringen.

Welche Kunst war prägend für Donald Judd? Was verbindet Konrad Lueg, Sigmar Polke und Gerhard Richter? Welche Galerien haben Bruce Nauman oder Jenny Holzer in ihren frühen Karrierephasen unterstützt? Mitunter ungewöhnliche Werk-Aufstellungen liefern Momentaufnahmen aus dem New York und Düsseldorf der 1960er- und 1970er-Jahre, dem Berlin und Köln der 1980er- und dem Los Angeles der 1990er-Jahre.

Kuratiert von Matilda Felix

Im Mittelpunkt von Sam Pulitzers erster institutioneller Ausstellung in Deutschland steht ein schmaler Korridor aus Aluminium und durchsichtigem Acrylglas. Dieser lockt an, engt ein und als Element im Raum hält er auf Distanz. Die sieben Zeichnungen im Korridor verdeutlichen die Affinität des institutionskritischen Künstlers zu Sprachspielen, versteckten Referenzen, Logos und zur Popkultur. Der Installation werden weitere Werkgruppen Pulitzers sowie Arbeiten aus der Sammlung der Nationalgalerie von Daniel Buren, Hans-Peter Feldmann, Mona Hatoum, Jenny Holzer, Jonathan Horowitz, Gülsün Karamustafa, Bruce Nauman, Raymond Pettibon und Roman Signer gegenübergestellt.

Der Titel des Werks und der Ausstellung bezieht sich auf die Theorie des britischen Ökonomen John Maynard Keynes aus den 1930-Jahren, der zufolge Entscheidungen nicht rationalen Berechnungen folgen, sondern aufgrund von animalischen Instinkten („animal spirits“) und von Laune, Gefühl oder Zufall („whim or sentiment or chance“) getroffen werden.

Sam Pulitzer (*1984 Fremont, NH, USA) ist Gewinner des Baloise Kunst-Preis 2017. Die Baloise Group engagiert sich seit mehreren Jahrzehnten im Bereich der bildenden Kunst. Im Mittelpunkt der Aktivitäten steht der Baloise Kunst-Preis, mit dem jährlich zwei junge Kunstschaffende ausgezeichnet werden. Die mit je CHF 30'000 dotierten Preise werden auf der Art Basel im Sektor Statements von einer mit internationalen Fachleuten besetzten Jury vergeben.

Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Baloise Group.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation.

Kuratorin: Ina Dinter

Obwohl wir sie meistens übersehen, würden wir etwas vermissen, wenn es sie nicht gäbe. Zimmerpflanzen sind unsere täglichen Begleiter, sie sind duldsame Mitbewohner und stumme Zeugen unseres Lebensgefühls.
Zimmerpflanzen spiegeln nicht nur unsere Innenräume, sondern auch unser Innenleben. Die Ausstellung beleuchtet die emotionalen Facetten einer ganz besonderen Beziehung: Geschichte(n) zwischen liebevoller Pflege und gedankenlosem Konsum, präsentiert auf dem längsten Fensterbrett Berlins. Natürlich mit vielen Infos und Pflegetipps rund um die 50 populärsten Zimmerpflanzen.

Für die Künstlergruppe "Brücke" bedeutete das Jahr 1913 das Ende ihrer Zusammenarbeit. Nach Zerwürfnissen rund um die geplante "Chronik" der "Brücke" löst sich die Gemeinschaft im Mai in Berlin auf. Die Ausstellung "1913: Die Brücke und Berlin" entfaltet ein Kaleidoskop dieses besonderen Jahres und seiner Ereignisse.

Ausgehend von den Künstlern Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff und Max Pechstein spürt sie in Gemälden, Zeichnungen, Druckgraphiken und Fotografien den Inspirationen und Erzählungen der Großstadt nach. Davon zeugen Kirchners berühmte Skizzen des belebten Potsdamer Platzes oder Heckels Porträt der Filschauspielerin Asta Nielsen. Die Ausstellung präsentiert vertraute ebenso wie weniger bekannte Werke der Sammlung des Brücke-Museums, ergänzt durch Leihgaben.

Begleitend erscheint eine Zeitung (dt./engl.), die in Zusammenarbeit mit dem Journalisten und Autor Florian Illies entstanden ist. "1913: Die Brücke und Berlin" markiert den Beginn einer dreiteiligen Ausstellungsreihe des Brücke-Museums, die in den kommenden Jahren Schlaglichter auf zentrale Jahre der Künstlergruppe "Brücke" wirft.

Die Ausstellung konfrontiert künstlerische Arbeiten mit Exponaten aus der Industrieproduktion,
Befragt wird dabei die Bedeutung und das Verhältnis von künstlerischen und industriellen Produktionsweisen. Der Industriesalon mit seiner Dauerausstellung von Exponaten aus der Produktionsgeschichte des ehemaligen Werks für Fernsehelektronik (WF) ist für diese Begegnung der ideale Ort.
Den zeitlichen Rahmen bilden einerseits die gesellschaftskritischen Holzschnitte von Gerd Arntz aus den 20/30er Jahren des 20sten Jahrhunderts und andererseits Produkte der ortsansässigen Firma PROAUT TECHNOLOGY GmbH im Bereich Prozessautomatisierung Mikroelektronik. -
Der Holzschnitt ist als klassisches künstlerisches Handwerk in seinem Herstellungsprozess leicht nachvollziehbar. Die mikroelektronische Fertigung von Kleinstteilen im Nanobereich ist nur mit einer Präzisionsmaschine möglich. Auf den Kontrollbildschirmen produziert die Maschine Bilder, die wie Grafiken von hoher künstlerischer Qualität anmuten.
Zu der Ausstellung werden 10 Künstler und Künstlerinnen eingeladen. Ihre sehr unterschiedlichen Arbeiten werden direkt in die Dauerausstellung integriert. Der Industriesalon wird damit von einer Technikausstellung zu einer Rauminstallation.
Die Unterscheidung zwischen Kunstprodukt und Industrieprodukt liegt beim Betrachter.
Der Begriff Bedeutung und Arbeit gelangt so in den Fokus der Rezeption.
Was macht künstlerische, was macht industrielle Arbeit aus? Was lässt sich vergleichen?
Für viele Menschen hat Kunst keine praktische Funktion. Aber auch die Funktion industriell gefertigter High-Tech-Objekte erschließt sich dem Laien längst nicht mehr. Die Ausstellung ist ein Experiment mit dem Anspruch, Kunst im Spannungsfeld industrieller Produktion neu zu befragen.

Die Berliner Modedesignerin Buki Akomolafe verbindet mit ihrem gleichnamigen Label traditionelles Handwerk mit einer ästhetischen Vision. In ihren Kollektionen treffen androgyne, präzise Schnitte auf auffällige Wachsprints. Besonders heraus stechen die aufwendig gequilteten Röcke und Oberteile, die wie die Basics vollständig in ihrem Studio und einer kleinen Manufaktur in Berlin produziert werden. Sie verwendet ausschließlich ökologisch verträgliche Materialien, wie biologisch angebaute Baumwolle und Hanfseide oder westafrikanische Wachsdruckstoffe. Sie verbachte ihre frühe Kindheit in Nigeria bei ihrem Vater, der dort ein Landwirtschaftsprojekt leitet. Ressourcen zu schonen ist ihr ebenso ein konsequent verfolgtes Anliegen wie ein neues Bewusstsein für Mode und Materialien zu schaffen.

Design Views ist eine neue Ausstellungsreihe des Kunstgewerbemuseums und des Internationalen Design Zentrums Berlin.

Im März 2018 erhielten die Staatlichen Museen zu Berlin durch letztwillige Verfügung der Kunsthistorikerin Barbara Malwine Auguste Göpel (1922–2017) ein bedeutendes Konvolut aus zwei Gemälden, 46 Zeichnungen und 52 druckgraphischen Werken Max Beckmanns sowie einem Gemälde Hans Purrmanns für die Sammlungen der Nationalgalerie und des Kupferstichkabinetts. In einer ersten Präsentation soll der Öffentlichkeit nun das gesamte, kunsthistorisch bedeutende Vermächtnis vorgestellt werden. Ebenso wird die Herkunft der Werke thematisiert, die in den 1940er- und 1950er-Jahren von dem Kunsthistoriker Dr. Erhard Göpel, dem 1966 verstorbenen Ehemann Barbara Göpels, erworben wurden.

Das Vermächtnis Barbara Göpel stellt einen großen Zugewinn für die Bestände der Klassischen Moderne der Staatlichen Museen zu Berlin dar und ermöglicht einen facettenreichen Einblick in das künstlerische Werk Max Beckmanns (1884–1950). So decken die 46 Zeichnungen alle Schaffensphasen des Künstlers von den Anfängen als Weimarer Student im Jahr 1900 bis ins letzte Jahr seiner Exilzeit in Amsterdam (1937–1947) beinahe mustergültig ab. Ein besonders bewegender Akzent liegt auf Skizzen, die während Beckmanns Sanitätsdienstes im Ersten Weltkrieg an der Ostfront und in Flandern entstanden. Viele dieser Zeichnungen wurden in den letzten Jahrzehnten kaum gezeigt bzw. waren nur wenigen Forschern bekannt. Sie machen neben dem Einsatz unterschiedlicher Zeichenmittel und Blattformate auch die stilistische Entwicklung des Künstlers schlaglichtartig sichtbar.

Unter den Zeichnungen der Sammlung Göpel befinden sich zahlreiche Porträts, darunter eines der frühesten Selbstbildnisse des Künstlers, das „Selbstbildnis mit flachem Hut“ von 1901. Einzigartig sind auch die Bildnisse seiner zweiten Frau Quappi aus dem Hochzeitsjahr 1925 und zwei Studien zu dem heute am Museum Ludwig in Köln befindlichen Bildnis des Sammlers Gottlieb Friedrich Reber von 1929.

Die 52 druckgraphischen Blätter, die überwiegend zwischen 1911 und 1929 entstanden, umfassen neben weiteren Selbstbildnissen viele seltene Probedrucke von hoher Qualität. Von den regulären Exemplaren, die sich bereits vielfach in der Sammlung des Kupferstichkabinetts befinden, unterscheiden sie sich auch durch den Einsatz besonderer Papiere, wie etwa von Japanpapier oder farbigem Bütten. Manche der Graphiken wurden zudem von Beckmann nachträglich mit dem Bleistift ergänzt – wie etwa ein frühes, äußerst seltenes als Radierung ausgeführtes „Selbstbildnis“ von 1904.

Die Gemälde „Selbstbildnis in der Bar“ (1942) und „Bildnis Erhard Göpel“ (1944) schließlich beleuchten das Werk des im „Dritten Reich“ als entartet diffamierten Künstlers im Amsterdamer Exil. Während Beckmann sich auf ersterem müde und in sich gekehrt am Tisch einer Bar sitzend zeigt, stellt er den 38-jährigen Erhard Göpel in einem mannshohen Porträt als gedankenschweren Intellektuellen dar. Ebenfalls präsentiert wird Hans Purrmanns Gemälde „Häuser und Mauern in Porto d’Ischia“ (1955). Purrmann, der mit dem Ehepaar Göpel eng befreundet war, weilte zwischen 1953 und 1958 regelmäßig auf Ischia. Die dort gemalten Landschaften zeichnen sich durch satte, leuchtende Farben aus.

Barbara Göpel war die Witwe des Kunsthistorikers Dr. Erhard Göpel, dessen Rolle im Nationalsozialismus zutiefst ambivalent erscheint: Zwar war er seit Februar 1942 für den „Sonderauftrag Linz“ aktiv am NS-Kunstraub beteiligt, doch schützte Göpel zugleich seinen als „entartet“ diffamierten Künstlerfreund Max Beckmann vor dem Zugriff der Nationalsozialisten. Nach 1945 machte sich das Ehepaar Göpel um die Forschung zur Kunst der Klassischen Moderne und besonders zum Werk Beckmanns und Purrmanns verdient. Die Gemälde und zahlreiche der graphischen Arbeiten erwarb Göpel direkt von den Künstlern: 1943 bzw. 1944 in Max Beckmanns Atelier in Amsterdam sowie 1955 von Hans Purrmann.

Das Vermächtnis an die Staatlichen Museen zu Berlin erfolgte durch Vermittlung von Eugen Blume, bis August 2016 Leiter des Hamburger Bahnhofs – Museum für Gegenwart – Berlin, der in einem engen freundschaftlichen Verhältnis zu Barbara Göpel stand.

Die fortlaufende Erforschung der Provenienzen gemäß der Washingtoner Prinzipien ist den Staatlichen Museen zu Berlin ein zentrales Anliegen. In Vorbereitung der Sonderpräsentation wurde daher vom Zentralarchiv eine tiefergehende Prüfung der Herkunft der Werke begonnen. Und obwohl bei keinem der vor 1945 entstandenen Werke ein konkreter Verdacht auf NS-Raubkunst besteht, konnte gerade für die Arbeiten auf Papier und für die druckgraphischen Werke, die in höheren Auflagen erschienen, keine lückenlosen Objektbiografien gefunden werden. In der Sonderpräsentation werden die Ergebnisse der bisherigen Provenienzforschung mit einer chronologischen Gliederung der Werke sowie einzelnen thematischen Akzenten verknüpft.

Eine Sonderpräsentation des Kupferstichkabinetts in Zusammenarbeit mit der Nationalgalerie und dem Zentralarchiv der Staatlichen Museen zu Berlin

Zur Sonderpräsentation erscheint eine Begleitpublikation, ca. 50 Seiten, 30 Abbildungen, mit Texten von Eugen Blume, Sven Haase, Corinna A. Rader, Petra Winter und Andreas Schalhorn, Museumspreis: 8 €.

Das Produkt- und Möbeldesignstudio WertelOberfell experimentiert mit 3D-Druck in der Fläche. Was zunächst wie ein Widerspruch klingt, erweist sich als schnelle und materialeffiziente Möglichkeit, unterschiedlichste Bauteile herzustellen. Durch unterschiedliche Strukturen und Geometrien erhalten diese spezifische Eigenschaften, wie Stabilität oder Verformbarkeit, Flexibilität und eine interessante Ästhetik. Der direkte 3D-Druck auf Folie, Textil oder Papier stellt dabei eine Art Hybrid-Technik dar, mit der sich die Vorteile der verschiedenen Materialien nutzen lassen. Angeregt von den berühmten Papierleuchten von Isamu Noguchi entstehen mit diesem Verfahren leichte Lampenschirme in platonischen und catalanischen Formen.

Im Rahmen der Ausstellung am Kunstgewerbemuseum setzen die Designer ihre Form- und Materialexperimente vorort an mehreren Tagen fort und gewähren Einblicke in ihren Arbeitsprozess.

Design Views ist eine neue Ausstellungsreihe des Kunstgewerbemuseums und des Internationalen Design Zentrums Berlin.

Das studio b severin untersucht mit dem Projekt Design Impressionism anhand des Werkstoffs Glas, welche Veränderungen die industrielle Revolution in der Kunst mit sich brachte. Das Fensterglas, das für die Pariser Glasbauten des 19. Jahrhunderts verwendet wurde, schafft eine spezielle Atmosphäre, die die Lichtbehandlung impressionistischer Maler inspirierte. Diese Beobachtung setzt das Studio in einer Objektserie aus traditionell hergestelltem, gewalztem Glas um. Die entstandenen Arbeiten, zum Beispiel ein quaderförmiger Tisch, adaptieren auf poetische Art und Weise die Farben und Formen impressionistischer Gemälde für Alltagsobjekte.

Das Studio wurde 2013 von Birgit Severin gegründet und wird mittlerweile von ihr und ihrem Partner, Guillaume Neu-Rinaudo, geleitet. Ihre Arbeiten bewegen sich an der Schnittstelle von Kunst, Technologie, Handwerk und Design.

Design Views ist eine neue Ausstellungsreihe des Kunstgewerbemuseums und des Internationalen Design Zentrums Berlin.

Eine Ausstellung des Mobilen Museums

Neben den Hansestädten Hamburg und Bremen mit ihren Über-seehäfen entwickelte sich die Reichshauptstadt Berlin nach dem Ende der viermonatigen Kongo-Konferenz im Februar 1885 schnell zur deutschen Kolonialmetropole. Spuren des Kolonialismus finden sich deshalb auch im Stadtbild Neuköllns. Eine Spur führt in die Wissmannstraße, benannt nach Hermann von Wiss-mann, Gouverneur von Deutsch-Ostafrika. Eine weitere Spur führt in die Woermannkehre. Namensgeber Adolph Woermann galt mit der Woermann-Linie als größter Privatreeder der Welt und war maßgeblich an der Einrichtung der deutschen Kolonien in Afrika beteiligt. Auch auf dem Garnisonfriedhof Columbiadamm ist unsere koloniale Vergangenheit sichtbar: Dort liegt der „Herero-Stein“ samt einer im Oktober 2009 eingeweihten Namibia-Gedenkplatte. Während bis vor kurzem nur der Täter gedacht wurde, erinnert der Ergänzungsstein jetzt auch an die mehr als 50 000 von deutschen Truppen vernichteten Herero und Nama während des Aufstandes von 1904 bis 1907.
Die vom Museum Neukölln erarbeitete mobile Ausstellung ist ein Beitrag zur aktuellen Diskussion um die deutsche koloniale Ver-gangenheit und wird am 24. August 2018 durch Bezirksstadträtin Karin Korte um 18:00 Uhr eröffnet.

Agenturen, Designer und Unternehmen aus aller Welt nehmen jährlich am Red Dot Award: Communication Design teil. Von Verpackungen über Online-Projekte bis hin zu Postern – die internationale Jury des Wettbewerbs bewertet Arbeiten aus 17 Kommunikationsdesign-Kategorien. Den Red Dot vergeben sie nur an Kreationen, die mit guter Designqualität und Kreativität überzeugen.

Die Ausstellung zeigt eine Auswahl der besten Projekte des Jahres sowie die herausragende Arbeit eines Nachwuchstalents, ausgezeichnet mit dem Red Dot: Junior Prize.

Ob am Arbeitsplatz, beim Arzt oder in der Familie – kaum ein Bereich in unserem Leben kommt ohne Geheimnis aus. Geheimnisse können schön sein, erschreckend, böse oder banal. Es gibt sie, seit Menschen zusammenleben, und ihre Geschichte ist eng mit der gesellschaftlichen Entwicklung verbunden. Im 21. Jahrhundert jedoch scheint sich die Bedeutung von Geheimnissen verändert zu haben: Soziale Netzwerke, neue Kommunikationsformen und Überwachung bedrängen die Räume und Sphären, die das Entstehen und Bewahren von Geheimnissen ermöglichen, während Transparenz zum Leitbegriff nicht nur in Politik und Wirtschaft wird.

Die Ausstellung Geheimnis. Ein gesellschaftliches Phänomen der Nemetschek Stiftung fragt nach dem Zusammenspiel von Transparenz und Schutz, von Macht und Vertrauen sowie von persönlicher Freiheit und gesellschaftlicher Verantwortung.

Die von Sanghyeok Lee gestalteten Objekte machen neugierig, laden ein zum Betrachten und Benutzen. Sie erwecken zunächst den Anschein, Gebrauchsgegenstände zu sein – Spiegel, Tisch, Regal oder Stuhl. Tritt man jedoch an sie heran und lässt sich auf den Dialog, zu dem sie herausfordern, ein, so merkt man, dass sich hinter der perfekten Verarbeitung, der minimalistischen Gestaltung, der Harmonie von Form und Funktion etwas verbirgt, das erst in der Interaktion mit den Objekten und in ihrer sinnlichen Erfahrung zum Vorschein kommt. Insgesamt fünf Arbeiten zeigt der aus Südkorea stammende Designer Sanghyeok Lee in seiner Ausstellung, sie werden an unterschiedlichen Orten im Museum präsentiert.

Design Views ist eine neue Ausstellungsreihe des Kunstgewerbemuseums und des Internationalen Design Zentrums Berlin.

1964 taucht im Werk von Max Ernst erstmals eine Geheimschrift auf, die er für eine Serie von Grafiken zu Ehren des Amateur-Astronomen Ernst Wilhelm Leberecht Tempel (1821–1889) schuf. Sie erinnert an die frühen Experimente der Surrealisten mit der „écriture automatique“ (Automatische Schrift) und ähnelt zugleich auf verblüffende Weise ägyptischen Hieroglyphen, wie sie sich auch auf dem Kalabscha-Tor am Eingang der Sammlung Scharf-Gerstenberg befinden. Hier genießt das berühmte Tempeltor Gastrecht,  bis es nach Fertigstellung des letzten Pergamon-Flügels auf die Museumsinsel nachziehen kann.

Die Surrealisten liebten den Zufall. Was läge näher, als die Präsenz des Tores zum Anlass für eine Max Ernst-Ausstellung zu nehmen? Ausgehend von den selten gezeigten Geheimschrift-Grafiken sollen einige typische Elemente und Themen im Werk von Max Ernst beleuchtet werden. Nicht wenige von ihnen sind ausgeborgt: Sie durchziehen unsere Kunst- und Bildgeschichte und lassen sich mitunter bis auf die Kunst der alten Ägypter zurückverfolgen. Tatsächlich sind die in Max Ernsts Collagen, Frottagen oder Grattagen auftauchenden Bilder und Zeichen selten von ihm selbst erfunden. Seine Spuren sorgsam verwischend, generiert Max Ernst sie aus dem Bilderreservoir einer bereits vorhandenen Welt, um ihnen mit diebischer Freude neue, surrealen Botschaften unterzuschieben.

Museale Objekte transportieren nicht nur Geschichte, sie besitzen auch ihre eigene. Jedoch bleibt diese meist verborgen. Genau diese Geschichten zu ermitteln, ist Aufgabe der Provenienzforschung. Sie dokumentiert den Weg eines Objektes mit all seinen Stationen vom Atelier ins Museum.

Das Gemälde Borussia von Adolph Menzel veranschaulicht exemplarisch eine nahezu vollständige Objektbiografie. Welchen Hinweisen auf dem Kunstwerk selbst kann die Provenienzforschung nachgehen? Was verbirgt die Rückansicht des Gemäldes und welche Geschichte sie gibt preis? Welche Konsequenzen zieht die Provenienzforschung nach sich?

Die Intervention gewährt einen Blick hinter die Kulissen der Provenienzforschung. Angesichts der anhaltenden Debatte über den Umgang mit NS-Raubkunst zeigt sie zugleich den Wandel in den juristischen und moralischen Einstellungen von 1945 bis zur Washingtoner Erklärung.

Backstein zählt zu den ältesten Baustoffen der Menschheit. In Europa hatte die Backsteinbauweise vom Mittelalter bis in die Renaissance in den Städten Hochkonjunktur. Berlin verdankt die Wiederentdeckung des Backsteins als Baumaterial Mitte des 19. Jahrhunderts dem genialen Architekten Friedrich Schinkel. Auch im heutigen Bezirk Marzahn-Hellersdorf finden sich architektonisch anspruchsvolle ziegelsichtige Bauten, die teils an die Schinkelschule anknüpfen, so die 1871 eingeweihte Dorfkirche auf dem Marzahner Anger. Im 20. Jahrhundert wurde diese Tradition fortgesetzt mit Bauten, die in modernen Baustilen wie der Neuen Sachlichkeit ausgeführt sind. Ein Beispiel hierfür ist die St. Martinskirche von Josef Bachem in Kaulsdorf, die 1930 geweiht wurde. Seit den 1980er-Jahren erfährt der Backsteinbau eine erneute Renaissance. Das Äußere der 1983 geweihten katholischen Kirche „Maria Königin des Friedens“ in Biesdorf ist mit rotbunten Klinkern gestaltet. Seit den 1990er-Jahren entstanden Neubauten mit verklinkerten Fassaden, darunter das bezirkliche Rathaus in der Hellen Mitte.
Die Ausstellung stellt die Gebäude in ihrer Bau- und Nutzungsgeschichte dar. Zudem wird die Ziegelherstellung von Hand und industriell anhand von Objekte erläutert.

Am 26. August 1978 hob im sowjetischen Baikonur eine Rakete zur Raumstation Saljut 6 ab. Mit DDR-Kosmonaut Sigmund Jähn trug sie den ersten deutschen Raumfahrer ins All. Vierzig Jahre später, ab dem 6. Juni 2018, umkreist Alexander Gerst als elfter
Deutscher im All die Erde, diesmal als Kommandant der Internationalen Raumstation ISS. Knapp über einhundert Objekte, wie der Startschlüssel für eine Sojus-Rakete oder ein Raumanzug vom Typ Sokol, lassen kleine und große Ereignisse der getrennten und gemeinsamen deutschen Raumfahrt lebendig werden. Die Jubiläums-Schau wirft einen Blick zurück
auf 40 Jahre Deutsche im Weltall, auf politische Propaganda, wissenschaftliche Meilensteine und überraschende Anekdoten.
Die Ausstellung wurde in Zusammenarbeit mit dem Raumfahrtmuseum Mittweida (Sachsen) umgesetzt.

Seit Ende des 19. Jahrhunderts betrieb die Familie Paris an wechselnden Standorten in Berlin eine Notenstecherei. Dort wurden in mühevoller Handarbeit Vorlagen für Notendrucke erstellt. In den letzten zehn Jahren vor der Wende arbeitete Hans-Joachim Paris bis November 1990 weitgehend allein und als letzter Notenstechermeister in Berlin. Die Werkstatt befand sich in der Kopenhagener Straße in Prenzlauer Berg. Nach Paris‘ Tod wurde sie im Frühjahr 1991 aufgelöst, das Deutsche Technikmuseum erwarb das Inventar. Bevor die Objekte eingepackt wurden, dokumentierte der Museumsfotograf Clemens Kirchner die Werkstatt. Entstanden sind dabei dokumentarische Fotografien, die den Alltag dieses fast vergessenen Berufes festhalten und dabei die besondere Zeit der Wendejahre thematisieren. Gleichzeitig wird in den Schwarzweiß-Aufnahmen die außergewöhnliche Ästhetik einer vergangenenHandwerkskunst erfahrbar.

Die großzügige Schenkung des Porträts der Henriette von Carlowitz an die Nationalgalerie ergänzt den hochrangigen Sammlungsbestand an Gemälden Anton Graffs. Das 1772 entstandene Porträt strahlt Anmut und Grazie aus, jugendliche Frische und aristokratische Noblesse. Das ausdrucksstarke Gemälde des führenden deutschen Porträtisten der Aufklärung verbindet einen zugleich intimen wie auch repräsentativen Charakter. Nach einer umfassenden, zweijährigen Restaurierung präsentiert die Kabinettausstellung in der Alten Nationalgalerie Graffs Gemälde nicht nur erstmals der Öffentlichkeit in neuem Glanz, sondern zeigt auch die ausgiebig erforschte Geschichte hinter dem Objekt.

Der Fokus dieser konzentrierten Kabinettausstellung richtet sich auf die durch die restauratorische und kunsttechnologische Beforschung gewonnenen Erkenntnisse. Neben den erfolgreichen Maßnahmen, die ein Bildnis von höchster Brillanz aus der stark verschmutzten und gealterten Oberfläche des Gemäldes hervorgehoben haben, verweisen Veränderungen an Leinwand, Keilrahmen und Befestigungen auf die Provenienz und Objektgeschichte. Die Ausstellung vermittelt durch reiches Bildmaterial die verschiedenen Restaurierungsschritte und lässt die spannende Spurensuche anhand von historischen Quellen und Vergleichsobjekten nacherlebbar werden.

Zum Europäischen Tag der Restaurierung am 14. Oktober 2018 finden zwei Sonderführungen in der Ausstellung statt

In der Ausstellung wird ein höchst aufwendiges klassizistisches Möbel in seinen Einzelteilen präsentiert. Deren Virtuosität im Detail wirft Fragen nach den technischen und handwerklichen wie ästhetischen Qualitäten in der Gestaltung von Möbeln allgemein auf und offenbart das Wesen von Möbelkunst: Ein zeitlos anmutendes Vergnügen an elegant geschwungenen furnierten Oberflächen, an der kunstvollen Präsentation des Naturstoffs Holz und an den Mechaniken zur Verwandelbarkeit, wie sie zum Teil auch im heutigen handwerklich und industriell geprägten Möbelbau existieren.

Im Mittelpunkt steht ein Schreibsekretär, der um 1835 in Berlin von dem Ebenisten Joseph Schneevogl angefertigt wurde und heute zum Bestand der Preußischen Schlösser und Gärten Berlin-Brandenburg gehört. Seine souveräne Furnierung in Mahagoniholz, die auch geschweifte und sphärisch gekrümmte Oberflächen meistert, setzt die Schönheit des Materials kunstvoll in Szene. Das Möbel steht nicht nur im Zenit der Preußischen Möbelkunst, sondern markiert einen Schlusspunkt handwerklicher Herstellung und vorindustrieller Materialkultur. Es bezeugt eine Haltung zum Konsum, die uns in ihrer Wertschätzung heute nur mehr nostalgisch entrückt erscheint.

In weiteren Sektionen widmet sich die Ausstellung dem wenig beachteten Werk Schneevogls, erläutert die kolonial geprägte Geschichte und Materialikonographie von Mahagoniholz und die aufwendigen Techniken des Furnierens. Sie präsentiert verwandte Positionen modernen Möbeldesigns mit dreidimensional furnierten Flächen (vor allem Sitzmöbel) und zeitgenössischer handwerklich gefertigter Möbel, ergänzt durch einzelne Werke aus der ständigen Ausstellung des Kunstgewerbemuseums.

Die Ausstellung zeigt Leihgaben aus Privatbesitz, der Stiftung Preußische Schlösser und Gärten Berlin-Brandenburg, der Danzer Deutschland GmbH, des Botanischen Museums Berlin, des Ibero-Amerikanischen Instituts und der Staatsbibliothek, beide Stiftung Preußischer Kulturbesitz. Sie stellt die Meisterstücke zweier zeitgenössischer Berliner Tischlermeister vor, und sie beinhaltet zwei Projekte: Der Studiengang Konservierung und Restaurierung von Holz an der Fachhochschule Potsdam präsentiert eine Rekonstruktion historischer Furniertechniken und die Berufsfachschule für Holzschnitzerei und Schreinerei des Landkreises Berchtesgadener Land wandelt mit ihren aktuellen Schreinerarbeiten auf den Spuren der Schneevogl‘schen Möbelkunst.

Für Februar 2019 ist eine international besetzte Tagung geplant, die – orientiert an den Sektionen der Ausstellung – einlädt zur Begegnung zwischen Kunst- und Kulturhistorikerinnen, handwerklichen wie industriellen Möbelherstellern, Designerinnen, Kunsthändlern, Restauratorinnen und Freunden der Möbelkunst.

Das Radio begann vor rund 100 Jahren, die Hörgewohnheiten zu verändern und die Kulturtechnik des Sendens und Empfangens zu revolutionieren. Der Begriff „Radiophonie“ bezeichnet die daraus erwachsene Konstellation aus technisch vermitteltem Klang und Raum: die Hörerfahrung, in der sich ein Klang mit den Nebengeräuschen von Medium und Kanal zu einem originären Erlebnis vereint. „Radiophonie“ beschreibt somit auch ein Wissen, das sich im Lauf des 20. Jahrhunderts im Umgang mit den Radioapparaten herausbildete. Seit Beginn der Digitalisierung befindet sich das Radio im Umbruch. Während die Formen der Radiokunst in andere Medien migrieren, vervielfachen sich die Möglichkeiten und Ereignisse des Sendens und Empfangens: Der Mensch des 21. Jahrhunderts „funkt“ ununterbrochen und in die verschiedensten Richtungen. Die Frage danach, was empfangen wird und was gesendet, was ausgeblendet und was verstanden wird, folgt dabei nicht nur technischen Prozessen und psychoakustischen Gewohnheiten, sondern auch politischen Interessen.

Welches Wissen stellte die Institution Radio im 20. Jahrhundert bereit und wie prägt es den radiophonen Raum heute? Welche Bedeutung kommt dem Hör-Wissen in der von visuellen Kulturen geprägten Gegenwart zu? Wie ändern sich Kulturen, Ästhetiken, und Politiken des Sendens und Empfangens? Welche Kriterien bestimmen heute die „Sendersuche“? Wer steuert wen?

Das begehbare Radioarchiv Radiophonic Spaces versammelt mehr als 200 Werke deutschsprachiger und internationaler Radiokunst aus zahlreichen Archiven. Radiophonic Spaces wurde konzipiert von Nathalie Singer (Professur für Experimentelles Radio, Bauhaus-Universität Weimar) mit einem Team von Radiokünstler*innen und -forscher*innen. In einem Raumkonzept des Künstlers und Musikers Cevdet Erek können die Besucher*innen Experimente, Produktionsformen und Kompositionsverfahren des Radios, seine Apparaturen und Diskurse individuell erforschen. Ein digitales Nachschlagewerk vor Ort erschließt Zusammenhänge zwischen den Arbeiten und Hintergrundmaterial.

Die dreitägige Veranstaltung Der Ohrenmensch eröffnet vom 1. bis 3. November das begehbare Radioarchiv und erforscht das Wissen des Hörens. Internationale Künstler*innen und Wissenschaftler*innen fragen in experimentellen Formaten nach dem Zustand und den Möglichkeiten der radiophonen Konstellation. In Konzerten, Performances und Gesprächen erkunden die Beitragenden ästhetische und theoretische Bedingungen der Radiophonie sowie politische Handlungsmöglichkeiten im radiophonen Raum.

Radiophonic Spaces mit Arbeiten von Ammer & Console, Alessandro Bosetti, Andrea Cohen und Diego Losa, John Cage, Ferdinand Kriwet, Christina Kubisch, Friederike Mayröcker, Michaela Melián, László Moholy-Nagy, Kaye Mortley, Olaf Nicolai, Georges Perec, Paul Plamper, Milo Rau, Carl Sagan, Natascha Sadr Haghighian, Eran Schaerf, Dziga Vertov, Ror Wolf u. a.

Der Ohrenmensch mit Beiträgen von Gilles Aubry, Hermann Bohlen, Lino Camprubí, Cevdet Erek, Wolfgang Ernst, Beatriz Ferreyra, Marie Guérin, Wolfgang Hagen, Alexandra Hui, Ute Holl, Johannes Ismaiel-Wendt, Hassan Khan, Sebastian Kunas, Verena Kuni, Aurélie Lierman, Flora Lysen, Mara Mills, Nástio Mosquito, Marko Peljhan, Marina Rosenfeld, Zoran Terzić, Anna Zett u. a.

Im Rahmen von 100 Jahre Gegenwart

„Der Elefant im Raum – Skulpturen aus der Sammlung Marx“ im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin befasst sich mit einem wesentlichen Aspekt der Bildhauerei der 1960er-Jahre: die räumliche Wirkung von Skulpturen. Mit Werken von Absalon, Joseph Beuys, Donald Judd, Jeff Koons, Rachel Whiteread u. a. rückt die Ausstellung das Verhältnis von Kunstwerk und Räumlichkeit in den Blick. Ausgehend von der englischsprachigen Redewendung „the elephant in the room“ verweist der Elefant im Ausstellungstitel auf jene Kräfte und Größen, die zwar nicht Teil der Skulpturen sind, ihre Präsenz im Raum jedoch maßgeblich mitbestimmen und damit wesentlicher Bestandteil des erweiterten Kunstbegriffs der 1960er-Jahre sind.

Anlässlich der Ausstellung erscheint Ende des Jahres eine Publikation zur Sammlung Marx in der Edition Cantz. 1996 eröffnete der Hamburger Bahnhof als Haus der Nationalgalerie für die Kunst der Gegenwart neben eigenen Beständen mit Werken aus der Sammlung Marx. In wechselnden Präsentationen zeigt das Museum Werke der Kunstsammlung des Berliner Unternehmers der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Die Veranstaltungsreihe „The Making-of…“ führt am Beispiel von Hauptwerken von Joseph Beuys in die museale Bewahrung und Präsentation großformatiger Skulpturen und verschiedenster Materialien ein.

In Erinnerung an das Dachatelier Max Liebermanns zeigt die Stiftung Brandenburger Tor zweimal jährlich zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler in der Reihe "im Atelier Liebermann". Der Fokus liegt auf dem künstlerischen Entstehungsprozess: Wie sieht die Arbeit im Atelier aus und was inspiriert das künstlerische Schaffen? Mit diesem Blick in das jeweilige Atelier knüpft die Ausstellungsreihe an den genius loci an: das Max Liebermann Haus als kreativ-schöpferischer Ort.

Unter dem Titel "von wegen" stellt Nanne Meyer als vierte Künstlerin in der Reihe aus. Konsequent widmet sie sich seit den siebziger Jahren ausschließlich der Zeichnung und befragt dieses Medium auf vielfältige Weise. 2014 erhielt sie für ihr zeichnerisches Werk den renommierten Hannah-Höch-Preis des Landes Berlin.

Fragen nach der Verortung in der Welt beschreiben für Nanne Meyer wesentliche Grundimpulse ihrer künstlerischen Arbeit. Neben den "Papierperspektiven", die den Blick aus dem Flugzeug zeichnerisch fassen, zeigen die "Kartenarbeiten" ihre Auseinandersetzung mit unserer kartografierten Welt. Erzeugt bei den "Papierperspektiven" die zeichnerische Spur ein Neben- und Übereinander von Raum- und Zeiterfahrungen, so werden bei den "Kartenarbeiten" Landkarten, Atlasseiten und Stadtpläne als zeichnerisches Material verwendet. Durch Verstecken, Überzeichnen, Herausschneiden, besonders auch durch das Auslöschen von wortsprachlichen Benennungen, wird die Karte als Orientierungsinstrument radikal in Frage gestellt. Ein Niemandsland mit neuen Herausforderungen an die Wahrnehmung tut sich auf.

Darüber hinaus wird die Werkgruppe der "Worte" präsentiert. In insgesamt ca. 150 Zeichnungen widmet sich Nanne Meyer mit dem Zeichenstift den unscheinbaren und vermeintlich überflüssigen Worten, denen in der deutschen Sprache selten Beachtung geschenkt wird. Gleichwohl sind es jene, die das Kolorit prägen und Nuancen hervorheben wie „absolut“, „zwangsläufig“ und „zweifelllos“.

Auch die seit drei Jahrzehnten geführten "Jahrbücher" sind Teil der Ausstellung. Fortlaufend bearbeitet Nanne Meyer sogenannte Blindbände für Buchproduktionen, mit denen Verlage Format, Gewicht und Papier testen. Diese Blindbände füllt die Künstlerin mit Beobachtungen, Aufzeichnungen, Fotos, Texten, Erinnerungen, Papierschnipseln, einem Bewegungsimpuls, Gesprächsfetzen, Worten oder dem Beginn einer Linie. Es sind gerade diese, die den BesucherInnen eine Ahnung vom Inspirations- und Gedankenkosmos Nanne Meyers vermitteln und überraschende Einblicke in den Entstehungsprozess ihrer Zeichnungen geben.

Anlässlich der Preisverleihung zeigen die beiden Künstlerinnen in einer Sonderausstellung speziell für das Museum Nikolaikirche geschaffene Arbeiten.

Für ihr herausragendes künstlerisches Lebenswerk erhält Christiane Möbus in diesem Jahr den Kunstpreis des Landes Berlin. Seit 1970 erschafft sie mit ihren Installationen, Performances, Fotoarbeiten, Filmen und Texten poetische Sinnbilder, die stets auf existentielle Themen verweisen. Ihre oft merkwürdigen Assoziationen verleiten dabei zu Erkenntnissen unserer selbst.

Den Förderpreis erhält Sunah Choi. Ihre Arbeiten verweisen auf Prozesse des Abstrahierens, die Bezug auf konkrete Zeiten, Orte und Phänomene nehmen. Durch Skulptur, Installation und Fotografie untersucht sie visuelle Übersetzungsmechanismen. Seit 1996 wird der Hannah-Höch-Preis alle zwei Jahre durch das Land Berlin in Anerkennung herausragender künstlerischer Leistungen vergeben.

Eine Ausstellung im Rahmen der „Berlin Art Week“ | 26–30 SEP 2018

Im Jahr 2018 jährt sich der Geburtstag des Museumsgründers Hans Pels-Leusden zum 110. Mal, sein Todestag zum 25. Mal. Aus diesem Anlass widmet das Käthe-Kollwitz-Museum seinem Stifter eine Ausstellung, die den Galeristen und Sammler als Künstler vorstellt.
1908 in Lüdenscheid geboren ging Pels-Leusden Anfang der 1930er Jahr nach Berlin, um bildender Künstler zu werden. Nach erfolgreichen Anfängen mit Einzelausstellungen, beispielsweise in der Galerie Nierendorf, und Museumsankäufen in seiner westfälischen Heimat, verlegte sich der junge Künstler in der NS-Zeit zunehmend auf das Schreiben von Kunstkritiken.
1940 zum Kriegsdienst eingezogen, kehrte Pels-Leusden 1945 nach Berlin zurück. Sein Atelier und sein künstlerisches Werk waren im Bombenkrieg zerstört worden. Daher widmete sich Pels-Leusden ab 1950 dem Buch- und Antiquariatshandel, der bald um einen Kunsthandel erweitert wurde. Ab den 1960er Jahren am Kurfürstendamm ansässig, avancierte seine Galerie zu einer wichtigen Kulturinstitution im Westen Berlins.
Seinen eigenen künstlerischen Ambitionen ging Pels-Leusden kontinuierlich neben seiner Galerietätigkeit nach. Seine Werke präsentierte er ab den 1970er Jahren immer wieder in Ausstellungen. Bei seinem Tod 1993 hinterließ er ein umfangreiches künstlerisches Œuvre, das Arbeiten auf Leinwand und Papier gleichermaßen umfasst.
In den vergangenen Ausstellungen, die auch in der Galerie Pels-Leusden stattgefunden hatten, wurden die aktuellen Arbeiten des Künstlers in zumeist breiter Übersicht vorgestellt. Die diesjährige Präsentation versucht, dem künstlerischen Wollen von Hans Pels-Leusden
nachzuspüren und zeigt etliche Werke, die bisher noch nicht ausgestellt waren. Neben wenigen geretteten Frühwerken stellt die Ausstellung Themenkomplexe, wie Landschaft, Stadtlandschaft oder abstrahierende Strukturen vor, die den Künstler immer wieder beschäftigten. Die Auswahl verfolgt dabei Pels-Leusdens Untersuchungen zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion.
Gezeigt werden ca. 40 Gemälde und Zeichnungen sowie Fotos und Dokumente zum Leben des Künstlers und Galeristen.
Parallel zu der Ausstellung wurde eine Monographie über Hans Pels-Leusden erarbeitet, die anlässlich einer Finissage am 7. September 2018, um 17 Uhr vorgestellt wird.

Der Künstler Dieter Hacker (*1942), der heute vor allem als Maler bekannt ist, beschäftigte sich in den 1970er Jahren intensiv mit Amateurfotografie als künstlerisch-politischem Medium. Mit Andreas Seltzer gab er die Zeitschrift „Volksfoto. Zeitung für Fotografie“ heraus. Die insgesamt sechs Hefte wurden von Ausstellungen begleitet, in denen die analogen Fotos, die Hacker von diversen Privatleuten erhielt, zu interaktiven Rauminstallationen zusammengebracht wurden. Die Installationen thematisierten so das Verhältnis von Privatsphäre und Öffentlichkeit, Individuum und Masse, Kunst und Abfall. Außerhalb dieser „Volksfotos“ entstanden eigene Aufnahmen, Strecken und Installationen Hackers, die nicht nur Theorien der Fotografiegeschichte, sondern auch die Spießbürgerlichkeit der BRD kommentieren.

Das Bröhan-Museum würdigt das fotografische Werk Hackers mit einer Einzelausstellung, denn ob „Volkskunst“ oder Social Media: Die Fragen nach der Macht und Ohnmacht von Bilderfluten, dem Foto als Instrument der Selbstinszenierung sind in Zeiten von Facebook und Instagram aktueller denn je.

George Grosz (1893-1959) gilt als einer der bedeutenden politisch-satirischen Künstler der Weimarer Republik – dreimal wurde Grosz angeklagt, wegen Beleidigung der Reichswehr, Angriffs auf die öffentliche Moral und Gotteslästerung. In der Ausstellung werden seine die Zeitgenossen provozierenden Mappenwerke detailliert vorgestellt. Aber auch die eher unbekannten Fotografien Grosz', die seine Eindrücke und Erlebnisse während der Überfahrt nach Amerika und in New York wiedergeben, rücken in den Blick. Eine weniger bekannte Facette des Künstlers wird zudem mit seiner Arbeit als Kostüm- und Bühnenbildner vorgestellt. Es werden hauptsächlich Werke aus zwei Privatsammlungen gezeigt, die sonst nicht für das Publikum zugänglich sind. Grosz, dessen Werk ohne die Revolution 1918 und die Wirren der Weimarer Republik nicht denkbar wäre, wird als einer der bedeutendsten Berliner Künstler der 20er Jahre präsentiert. Seine in Berlin entstandenen Arbeiten sind ein Spiegel der politischen und gesellschaftlichen Fragen der Zeit. Und auch im New Yorker Exil lassen ihn die politischen Ereignisse, die vom Berlin unter nationalsozialistischer Herrschaft ausgehen, nicht los.

Dieses Jahr feiert ›Kunst im Untergrund‹ sein 60jähriges Jubiläum. Was 1958 in der DDR mit dem Aufruf »Plakate für den Frieden« auf dem U-Bahnhof Alexanderplatz begann, findet bis heute seine Entsprechung im öffentlichen Raum. Seit der Wende richtet die nGbK (damals ›NGBK‹) den internationalen Kunstwettbewerb aus.

Die Jubiläumsausstellung in der station urbaner kulturen in Hellersdorf gibt einen Einblick in 60 Jahre Kunst im Untergrund mit Schwerpunkt auf die Jahre vor 1989/90. Hierzu werden die Entwürfe der diesjährigen Ausschreibung präsentiert und der Historie des Projektes gegenübergestellt. In der Verschränkung von Vergangenheit und Gegenwart des Wettbewerbs werden Kontinuitäten und Brüche künstlerischer (Um-)Setzung anschaulich.

Zur Geschichte:
In den Jahren ab 1958 waren die Plakataktionen für die Hintergleisflächen der U-Bahnstation staatlich reglementiert. Im weiteren Verlauf zeugen Themenwahl und Umsetzung vom Bemühen der Künstler_innen, den U-Bahnhof Alexanderplatz vom Agitationsraum für politische Propaganda in einen Ort für künstlerische Beiträge zu gesellschaftlich relevanten Themen zu verwandeln. 1991 gründete sich die Arbeitsgruppe »Kunst statt Werbung« in der nGbK und realisierte 1993 die Gruppenausstellung »Hund ist extra« auf dem U-Bahnhof Alexanderplatz. Bis 2008 wechselten jährlich die Ausstellungen und künstlerischen Aktionen sowohl auf den Flächen hinter den Gleisen der U2 als auch auf dem Bahnsteig.

Nachdem die BVG die Werbeflächen auf den U-Bahnhöfen verkauft hatte, stand der Bahnsteig am Alexanderplatz nicht mehr für die Kunst zur Verfügung. Der Kunstwettbewerb veränderte sich: Die Standorte wechselten entlang des U-Bahnnetzes – nun nicht mehr ausschließlich unterirdisch – und auch die künstlerischen Formate wurden erweitert hin zu stärker konzeptionellen und intervenierenden Arbeiten. 2014 entstand mit der station urbaner kulturen in Berlin-Hellersdorf eine feste Anlaufstelle in der weiterhin gesellschaftspolitische und ästhetische Fragen an die Menschen dieser Stadt adressiert werden.

2018 - Plakat politisch machen:
Schwerpunkt der diesjährigen Ausschreibung war die Verbindungen zwischen Berlin-Hellersdorf als Außenbezirk und dem Alexanderplatz als Sinnbild urbaner Zentralität und gleichzeitig traditionellem Austragungsort des Wettbewerbs. Unter dem Motto »Recht auf Stadt« thematisieren die künstlerischen Arbeiten das Verhältnis von Stadtpolitik und bürgerlicher Teilhabe und fragen was Stadt ist und wem sie gehört.
Ausgewählte Künstler_innen 2018 sind: Stephan Kurr, mark, Mio Okido, Felix Pestemer und GloReiche Nachbarschaft, Lars Preisser (aus dem offenen Wettbewerb) und Sven Johne, Katharina Sieverding (aus dem Kooperativen Verfahren)

5. August - 8. September 2018
station urbaner kulturen

15.–17. November 2018
nGbK-Veranstaltungsraum, 1. OG

In diesem Jahr feiert „Kunst im Untergrund“ sein Jubiläum. Der Wettbewerb hat seinen Ursprung im Jahr 1958 auf dem Bahnsteig der U2 am Alexanderplatz. Was in der DDR mit dem Aufruf „Plakate für den Frieden“ begann, findet noch heute seine Entsprechung im öffentlichen Raum. Seit 1991 von der nGbK ausgeschrieben und durchgeführt adressiert der Kunstwettbewerb inhaltlich gesellschaftspolitische und ästhetische Fragen in gleichem Maße und bewegt sich bis heute partiell im Untergrund – entlang des Berliner U-Bahnnetzes.
Zum Jubiläum werden künstlerische Plakate am Bahnsteig der U5 am Alexanderplatz und weitere Arbeiten aus dem offenen Kunstwettbewerb in der station urbaner kulturen in Hellersdorf präsentiert.

Der zweite Teil der Ausstellung wird auf dem U-Bahnhof Alexanderplatz (U5) gezeigt.

In diesem Jahr feiert „Kunst im Untergrund“ sein Jubiläum. Der Wettbewerb hat seinen Ursprung im Jahr 1958 auf dem Bahnsteig der U2 am Alexanderplatz. Was in der DDR mit dem Aufruf „Plakate für den Frieden“ begann, findet noch heute seine Entsprechung im öffentlichen Raum. Seit 1991 von der nGbK ausgeschrieben und durchgeführt adressiert der Kunstwettbewerb inhaltlich gesellschaftspolitische und ästhetische Fragen in gleichem Maße und bewegt sich bis heute partiell im Untergrund – entlang des Berliner U-Bahnnetzes.
Zum Jubiläum werden künstlerische Plakate am Bahnsteig der U5 am Alexanderplatz und weitere Arbeiten aus dem offenen Kunstwettbewerb in der station urbaner kulturen in Hellersdorf präsentiert.

Der zweite Teil der Ausstellung wird in der station urbaner kulturen in Berlin-Hellersdorf gezeigt.

Mit: Sarah Browne, Ruth Buchanan, Andrea Büttner, Cevdet Erek, Emma Haugh, Christin Kaiser, Robin Kirchner, Stephanie Kiwitt, Luise Marchand, Florian Meisenberg, Julien Prévieux, Grazyna Roguski, Anike Joyce Sadiq, Maja Zimmermann

Das Projekt beschäftigt sich diskursiv und prozessual mit der Berührung als paradigmatische Geste der Gegenwart. Durch Touchscreens hat die Berührung im Bereich der Kommunikations- und Computertechnik an Bedeutung gewonnen. Gleichzeitig erfahren Körper- und Heilpraktiken, die mit Berührung arbeiten, einen Boom. Die taktilen Interfaces technischer Geräte und deren Zugriff auf den Körper werden in der zeitgenössischen Kunst zunehmend thematisiert, ebenso wie Fragen von Berührung in der sozialen Interaktion und Kommunikation sowie Prozesse der Einschreibung in den Körper. Das Ausstellungs- und Veranstaltungsprojekt bringt diese unterschiedlichen Auseinandersetzungen um den Begriff der Berührung miteinander in Beziehung.

nGbK-Projektgruppe: Bakri Bakhit, Lotte Meret Effinger, Nadja Quante, Grazyna Roguski, Anna Voswincke

Zwischen 1957 und 1972 konzipierte die Situationistische Internationale (S.I.) zunächst eine „Revolutionäre Front in der Kultur“ und verlegte ihre Propaganda dann auf das politische Feld. Mit den Methoden des Spiels übte die Bewegung grundsätzliche Kritik am Spektakel der Warengesellschaft. In einer Zeit, in der marktwirtschaftliche Prinzipien zunehmend alle Lebensbereiche durchdringen, regt  „The Most Dangerous Game” eine Neubetrachtung der Jahre an, in der die S.I. ihre Kritik formulierte.

In Bezug auf eine verschollene Collage des S.I.-Mitbegründers Guy Debord erinnert der Ausstellungstitel einerseits an den revolutionären Ernst, mit dem die S.I. die Auseinandersetzungen der Nachkriegszeit radikalisierte. Andererseits betont er das Element des Spiels, das sie auf all ihren Wegen umtrieb. Als „Spielraum“ dienten ihnen die Großstadt und das Alltagsleben. Hier suchten sie die Konfrontation mit dem bürgerlichen System – ästhetisch durch eine „Konstruktion von Situationen“, theoretisch durch genaue Analysen der modernen Warengesellschaft.

Den Auftakt der Ausstellung bildet die Bibliothèque situationniste de Silkeborg, ein Konzept, das Debord 1959 mit dem Maler Asger Jorn für dessen Museum in Dänemark skizzierte. Im HKW wird dieses unrealisiert gebliebene Projekt erstmals vollständig rekonstruiert. Ein Archiv der letzten Bilder zeigt Beispiele der malerischen Produktion dieser vielleicht letzten Avantgarde des 20. Jahrhunderts.

Die Ausstellung thematisiert den Bruch mit der Kunst um 1962, als die S.I. sich von jenen Mitgliedern distanzierte, die an einer vor allem künstlerischen Praxis festhalten wollten. Sie folgt den Aktivitäten der S.I. bis zur Revolte im Mai 1968 in Frankreich, an der die S.I. wesentlich beteiligt war. Der Aufstand wurde nach einigen Wochen erstickt. Die bürgerliche Gesellschaft aber eignete sich die Themen der revoltierenden Jugend an und unterwarf in der Folge alle Bereiche des Lebens – auch die Sexualität – kapitalistischer Verwertung.

Mit Werken von Pierre Alechinsky, Karel Appel, Armando, Enrico Baj, CoBrA, Constant, Corneille, Guy Debord, Erwin Eisch, Ansgar Elde, Farfa, Lothar Fischer, Giuseppe Pinot-Gallizio, Internationale Lettriste; Internationale Situationniste, Isidore Isou, Jacqueline de Jong, Asger Jorn, Jan Kotik, Laboratorio Sperimentale, Uwe Lausen, Jeppesen Victor Martin, Giors Melanotte, Eva Renée Nele, Erik Nyholm, Panamarenko, Hans Platschek, Heimrad Prem, Ralph Rumney, Piero Simondo, Gruppe SPUR, Gretel Stadler, Hardy Strid, Helmut Sturm, Hans-Peter Zimmer, Maurice Wyckaert u.v.a.

Ein Projekt von Wolfgang Scheppe mit Roberto Ohrt und Eleonora Sovrani

Im Rahmen von 100 Jahre Gegenwart

Dort, wo die Spandauer Straße das Dörfchen Pankow, das im 19. Jahrhundert im we­sent­lichen aus der heutigen Breiten Straße als Dorfanger bestand, in Richtung … verließ, kaufte 1856 Hermann Killisch von Horn ein 2,5 Hektar großes Gelände. Er war als Mittdreißiger zur damaligen Zeit ein junger Mann, der gerade begann, seine Karriere und sein Vermögen aufzubauen und ein Jahr zuvor nahe dem Gendarmenmarkt in Berlin seine Berliner Börsen­zeitung gegründet hatte. Es zog ihn wie viele andere vermögende Berliner in das idyllische kleine Örtchen nördlich von Berlin, und er fand mit einem Wasser­mühlen­gebäude ein entwicklungsfähiges Wohnhaus und eine noch wilde, herr­liche Umgebung.

Der Liebhaber der Gartenkunst gestaltete zunächst einen parkartigen Garten, acht Jahre später vergrößerte er sein Gelände auf 10 Hektar und schuf gemeinsam mit seinem Obergärtner Wilhelm Perring, der 1868 zu ihm kam und acht Jahre mit ihm gemeinsam wirkte, einen Landschaftsgarten von besonderer Güte. Wohn-, Wirtschafts- und Schmuck­bauten entstanden, zwei Hügel wurden angelegt, das Areal nach dem Prinzi­pien englischer Landschaftsparks modelliert.

Neben ihrem Wohnsitz in der Stadt lebte die Familie gerne hier draußen, und sechs der sieben Kinder sind hier geboren. Über viele Jahre hatten auch die Einwohner und Be­sucher Pankows Zutritt, bis die Zunahme “grober Missbräuche” Killisch von Horn ver­an­lassten, den Park zu schließen.

Nach seinem Tode 1886 wurde es ruhig im Park, 1906 stand er zum Verkauf. Ein Be­bau­ungsplan bestand schon, als sich der Pankower Bürgermeister Wilhelm Kuhr ein­schal­tete. Er war erst seit August im Amt, erkannte aber die Brisanz der Situation sofort und kämpfte für den Ankauf des Parks durch die Gemeinde, um ihn für den stetig wach­sen­den Ort zu erhalten, der als “Gesündester Vorort des Nordens” galt und er­hal­ten werden sollte.

Der Erwerb gelang 1907 nach zähen Verhandlungen, 1.450.000 Mark kostete das Ge­lände mit all seinen Baulichkeiten. Über ein Jahrhundert lang trägt er nun den Namen “Bürgerpark”.

Vom 6. bis 15. Juli 1938 trafen sich Vertreter von 32 Staaten im mondänen Badeort Évian-les-Bains am französischen Ufer des Genfer Sees. Anlass war eine von US-Präsident Roosevelt einberufene Konferenz zur Flüchtlingskrise in Europa, die durch die Vertreibung der Juden aus dem Deutschen Reich und dem gerade "angeschlossenen" Österreich durch das NS-Regime ausgelöst worden war.

Die Konferenzteilnehmer bekundeten zwar ihr Mitgefühl mit den Geflüchteten, lehnten die Aufnahme zusätzlicher Flüchtlinge jedoch mit unterschiedlichen Begründungen ab. Zudem vermieden sie es, das NS-Regime als Verantwortlichen der Flüchtlingskrise und die Juden als deren Hauptbetroffene zu benennen. Damit wurde die Konferenz von Évian zu einem Symbol dafür, wie die dringend auf Zuflucht angewiesenen verfolgten Juden von der internationalen Staatengemeinschaft weitgehend im Stich gelassen wurden.

Anlässlich des 80. Jahrestags der Konferenz erinnern die Gedenkstätte Deutscher Widerstand und das Zentrum für Antisemitismusforschung der Technischen Universität Berlin in einer gemeinsamen Ausstellung an die Voraussetzungen, den Verlauf und die Folgen dieser Konferenz. Ein besonderes Schlaglicht wird zudem auf die teilnehmenden Staaten und die Delegationen geworfen.

Die Wanderausstellung ehrt das Lebenswerk des Gartenkünstlers Peter Joseph Lennés (1789-1866) und sein landschaftsprägendes Schaffen in Mecklenburg-Vorpommern. Lenné zählt zu den bedeutendsten Gartenkünstlern des 19. Jahrhunderts und hat unter anderem die großherzoglichen Gärten in Schwerin, Neustrelitz und Ludwigslust gestaltet.

Die Ausstellung wurde 2016 anlässlich des 150. Todesjahres des Gartenkünstlers vom Bund Deutscher Landschaftsarchitekten in Mecklenburg-Vorpommern konzipiert.

Zum Jahr der Frau_en nimmt sich die Ausstellung Radikal – Lesbisch – Feministisch erstmalig einer lange erwarteten Betrachtung von Geschichte und Bedeutung der HAW-Frauengruppe (Homosexuelle Aktion Westberlin) und des LAZ (Lesbisches Aktionszentrum) an. Die Gründerinnen dieser ersten offensiven feministischen Lesbengruppe der 1970er Jahre in der BRD kamen teils aus der antiautoritären und antikapitalistischen linken Bewegung der 68er, in der die herrschenden heteronormativen und patriarchalen gesellschaftlichen Strukturen kaum thematisiert wurden. Anfänglich als HAW-Frauengruppe, später als LAZ waren sie von 1972 bis 1982 aktiv; danach lösten sie sich auf.

Im Kontext der sich wandelnden historischen Übersichtsausstellung Tapetenwechsel veranschaulicht Radikal – Lesbisch – Feministisch die anfängliche Kooperation mit den HAW-Männern ebenso wie die produktive Zusammenarbeit und die Wechselwirkungen zwischen den Lesben- und autonomen Frauenzentren.

Eine Vielzahl bisher unveröffentlichter Originaldokumente, Bild-, Tonmaterial und nicht zuletzt kostbare Schätze aus privaten Platten- und Instrumentensammlungen illustrieren erstmals die kämpferischen Widerstandsformen, die fantasievollen Aktionen, die aus dem LAZ entstandenen Publikationen sowie die Fülle der Projekte, die zum Teil bis heute existieren und dokumentieren so die Lust am lesbischen Leben in all seinen Facetten. Auch die damaligen Visionen – das Feeling einer „Lesbian Nation“, das in zahlreichen europäischen Lesben-Sommercamps, beim Feiern großer Feste mit den Flying Lesbians, in kreativen Projekten wie der Lesbenpresse, oder auch in Selbstverteidigungs- und Selbsthilfegruppen entstand.

Die Ausstellung sucht die politische Bedeutung der HAW-Frauengruppe und des LAZ und die daraus entstandenen Aktionen und Projekte in der Gegenwart erlebbar zu machen. Dafür beschwören Zeitzeuginnen begleitend zur Ausstellung den Geist der damaligen Bewegung herauf und schlagen anhand von Filmen und Diskussionen, Geschichten und Musik eine Brücke zur heutigen Realität von Lesben, zu deren Selbstverständnis und Sichtbarkeit.

Was hat sich verändert – was ist geblieben – was kann noch kommen? Das Ziel der Ausstellungsmacher_innen ist, das LAZ als Vereinigung neu zu beleben, u. A. dadurch, dass “LAZ Reloaded” künftig Teil des E2H-Projekts (Elberskirchen-Hirschfeld-Haus) werden soll.

Kuratiert von Christiane Härdel, Regina Krause, Monne Kühn – und Wolfgang Theis, einer der Gründer des Schwulen Museums; in enger Zusammenarbeit mit Aktivistinnen und Zeitzeuginnen von HAW/LAZ.

Radikal – Lesbisch – Feministisch ist Teil des Jahresprogrammes Jahr der Frau_en – eine konzertierte queerfeministische Intervention. Das Jahr der Frau_en wird gefördert von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa.

Bewegung ist ein zentrales Motiv von Gil Delindros kinetischen Skulpturen. Er arbeitet vorwiegend mit natürlichen Materialien, um Prozesse der Veränderung, Berührung und Resonanzkörper akustisch wahrnehmbar zu machen. Seine Arbeiten für A Grain Within a Cloud of Dust knüpfen an seine Forschung in der Sahara im algerisch-marokkanischen Grenzgebiet an, wo er sich mit performativen Aktionen und experimentellen Field Recordings einer Landschaft angenähert hat, die äußerst trocken, unwirtlich, reduziert und zugleich gewaltig ist. In A Grain Within a Cloud of Dust geht es um das Partikulare im Ganzen, das Einzelne in der Masse, Individualität und Wiederholung und damit auch um eine existenzielle Fragestellung. Diese wird vor dem Hintergrund nicht-menschlicher Architekturen, in abgelegenen Geografien verhandelt, in denen Zeit, Bewegung, Stille und Ereignis in ein anderes Verhältnis zueinander eintreten. In seinem Umgang mit Geräusch und Musikalität lädt Gil Delindro dazu ein, eine gegenkulturelle Form der Wahrnehmung einzuüben. Abseits der großen Ereignisse mit ihren weitreichenden Konsequenzen sucht sie das Politische in einer Sensibilisierung für die Realität vibrierender Materie – Respekt vor einer Welt, in der alle Materialität als lebendig erscheint.

Die Malerin Sabine Herrmann (*1961 in Meißen) studierte an der Kunsthochschule Berlin-Weissensee und gehört zu den prägenden Malerinnen Ost-Berlins der Jahre nach 1989. An der Schnittstelle zwischen Figuration und Abstraktion hat sie ein malerisches Oeuvre von beeindruckender Dichte entwickelt, das sie mit Arbeiten aus verschiedenen Schaffensperioden im Rahmen einer umfangreichen Ausstellung im 1. OG der Alten Kaserne vorstellt.

Ausstellung im Botanischen Museum
Im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography 2018
www.emop-berlin.eu/de/
Zu Zeiten des Kolonialismus galt der in der deutschen Kolonie „Kamerun“ lebende Botaniker Georg August Zenker als einer der wichtigsten Sammler des Berliner Botanischen Museums. Das Fotografie-Projekt von Yana Wernicke & Jonas Feige widmet sich der Geschichte bzw. den Nachwirkungen seines Lebens in Afrika.
Für ihr Projekt reisten die beiden Fotografen mehrfach in die heutige Republik Kamerun, um die Überbleibsel von Zenkers Villa im abgeschiedenen Bipindi mitten im Urwald zu dokumentieren sowie seine noch immer dort lebenden Nachfahren kennenzulernen und zu portraitieren.
Mit ihrem Projekt erzählen Yana Wernicke & Jonas Feige die Geschichte der Familie Zenker, die heute vor der Herausforderung steht, ihre deutsche mit ihrer kamerunischen Identität in Einklang zu bringen. Sie wollen mit der Ausstellung auf die noch immer spürbaren Nachwirkungen des deutschen Kolonialismus aufmerksam machen und auf die Spannungen hinweisen, die im Umgang mit kolonialem Erbe entstehen können.
Zu diesem Thema erscheint rechtzeitig zur Eröffnung auch eine wissenschaftliche Begleitpublikation im Verlag des BGBM.
Zu den Künstlern:
https://yanawernicke.com/
https://www.jonasfeige.com/

Hundert Jahre nach der Reformation Martin Luthers bildete der berühmte Prager Fenstersturz vom 23. Mai 1618 den symbolischen Anfang für eine Reihe lang andauernder kriegerischer Auseinandersetzungen in Mitteleuropa. Erst 1648 fanden diese Konflikte mit dem Westfälischen Frieden von Münster und Osnabrück ein Ende und gingen als Dreißigjähriger Krieg in die Geschichte ein. Die kriegerischen Auseinandersetzungen führten zu fundamentalen Erschütterungen im Heiligen Römischen Reich, zu großflächigen Verwüstungen und zu großem Leid für die betroffenen Menschen.

Eindrückliche graphische Bildzeugnisse spiegeln die Ereignisse und die gesellschaftliche Grundstimmung der Epoche. Neben damals äußerst beliebten druckgraphischen Porträts und satirischen Flugblättern schildern einige Bilderfolgen die Auswirkungen des Krieges auf die einfache Bevölkerung. Sie zeigen Kriegshandlungen einzelner Marodeure oder Söldnergruppen. In diesen graphischen Bildersequenzen stehen die Schicksale einzelner Personen und kleinerer Gruppen sowie die unmittelbaren Folgen des Krieges und seiner sozialen Katastrophen für den und die Einzelnen im Vordergrund.

Das Werk von Evelyn Taocheng Wang (*1981, CN) entwickelt sich aus der Fragestellung heraus, wie sich Identität konstituiert und wie der eigene Körper von autobiografischen Strukturen kulturell geprägt und durchzogen ist. Im Rahmen von Pause präsentiert Wang eine neue Werkserie in den KW Institute for Contemporary Art, die sich aus zwei Filmen und einer Installation aus großformatigen Stoffen zusammensetzt. Das Format Pause fungiert als Unterbrechung des laufenden Ausstellungsprogramms der KW und stellt anhand von einzelnen Kunstwerken Verbindungen zwischen der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft her.

Die von Wang neu produzierte Arbeit resultiert aus ihrer Reflexion über die Erzählweisen von Mythologien, die aus unterschiedlichen Quellen stammen und über kulturelle Kontexte und Jahre hinweg umgeschrieben, verändert, bearbeitet und neu erzählt wurden. Dabei rückt Wang das Märchen Die Prinzessin und der Frosch in den Fokus, da alle Versionen dieser Erzählung in einem engen Zusammenhang mit Fragen der Transformation und einem Verständnis von Identität stehen, die als fließend und anpassungsfähig begriffen wird.

Ausgehend von der Idee eines fiktionalisierten Charakters und der real vorgefundenen Architektur in den KW wird die Ausstellung so zu einem Ort, in dem Narrative in die räumliche Struktur der Halle übertragen werden. Die Räumlichkeiten der Institution werden zu einem Symbol für die Architektur des Körpers und seiner Struktur im Transformationsprozess.

Kuratorinnen: Maurin Dietrich, Cathrin Mayer

Mit freundlicher Unterstützung der Botschaft des Königreichs der Niederlande in Berlin und der Galerie Fons Welters, Amsterdam

In Zusammenarbeit mit der JULIA STOSCHEK COLLECTION und OUTSET Germany_Switzerland widmet sich das Projekt KW Production Series anhand zweier Neuproduktionen pro Jahr dem künstlerischen Bewegtbild. Das Projekt ist inspiriert von den Gründungsprinzipien der KW Institute for Contemporary Art als einem Ort für Produktion, Reflexion und kritischen Austausch.

Die KW Production Series setzen sich zum Ziel, ausgewählte KünstlerInnen zu unterstützen, deren Arbeit und Karriere sich vor einem wegweisenden Durchbruch befinden und die nicht nur von der finanziellen Unterstützung und dem institutionellen Renommee profitieren, sondern dieses Format auch nutzen, um den Tiefe- und Schärfegrad ihrer künstlerischen Arbeit maßgeblich und nachhaltig zu modifizieren.

KW Production Series wird organisiert von Mason Leaver-Yap, Assoziierte*r Kurator*in der KW.

Adresse: Julia Stoschek Collection Berlin, Leipziger Str. 60 (Eingang: Jerusalemer Straße), 10117 Berlin-Mitte
Öffnungszeiten: Sa–So 12–18 Uhr
U2 Hausvogteiplatz / Bus 265, M48 Jerusalemer Straße
Eintrittspreis: 5 €
Barrierefreier Zugang nur im Erdgeschoss

Im Februar eröffnete P. Krishnamurthy den neuen Raum K, („K-Komma”). Außerhalb der KW Institute for Contemporary Art und in Berlin-Schöneberg gelegen, schlägt diese Ausstellungswerkstatt einen Ort zwischen „Studio und Cube” vor. Kontextualisiert durch die Arbeiten des ostdeutschen Grafikdesigners Klaus Wittkugel (1910–85) wird K, lokale sowie internationale KünstlerInnen, DesignerInnen und KuratorInnen einladen, um gängige Ausstellungsformen mittels Installationen, Talks und diskursiven Interventionen neu zu denken.

Prem Krishnamurthy arbeitet als Kurator, Designer, Autor und Lehrer an der Schnittstelle zwischen Kunst und Design. Von 2012 bis 2017 leitete er in New York City den unabhängigen Projektraum P!. Dieser war experimentellen Ausstellungsformaten gewidmet, die die Wechselwirkung zwischen Design, Architektur und Kunst thematisierten. Er ist Gründer des prämierten Designstudios Project Projects (2004–2017), seit 2018 Wkshps, das sich auf die Entwicklung visueller Erscheinungsbilder für Kunst- und Kulturinstitutionen spezialisiert hat. Im Rahmen der Residency A Year with … folgt Krishnamurthy 2018 auf Will Holder, der 2017 mit seinem Projekt Prospectus: A Year with Will Holder das Programm verantwortete.

Kurator: P. Krishnamurthy
Projektassistenz: Judith Gärtner
Projekt-Website: Christoph Knoth, Konrad Renner
Assistenzkuratorin und Projektmanagement: Cathrin Mayer

Am 28. und 29. Oktober 1938 verhafteten die Nationalsozialisten im Rahmen der „Polenaktion“ rund 17.000 jüdische Menschen und schoben sie in das Nachbarland Polen ab, weil sie polnische Staatsangehörige waren. In Berlin wurden mehr als 1.500 jüdische Bewohnerinnen und Bewohner in ihren Wohnungen oder auf der Straße verhaftet und an die deutsch-polnische Grenze transportiert. Die meisten von ihnen mussten zu Fuß die Grenze überqueren und erreichten die polnische Kleinstadt Zbąszyń (Bentschen). Insgesamt kamen am 28. und 29. Oktober über 8.000 ausgewiesene Jüdinnen und Juden in diesem Ort an. Rund zehn Monate mussten sie in improvisierten Notunterkünften in Zbąszyń ausharren. Einigen wenigen wurde die Rückreise ins Reichsgebiet gestattet, anderen gelang die rettende Emigration ins Ausland oder sie durften zu Verwandten ins Landesinnere Polens weiterreisen. Nach dem Einmarsch der Deutschen Wehrmacht gerieten sie hier in die Fänge der Besatzer. Viele von ihnen wurden in den Ghettos und Lagern ermordet.

Die Ausstellung erzählt die Geschichte von sechs jüdischen Berliner Familien vor, während und nach dem 28. Oktober 1938. Für die meisten Familien war dies der Tag, an dem sie für immer auseinandergerissen wurden. Seit Jahrzehnten hatten sie in Berlin gelebt oder waren hier geboren worden. Berlin war ihr Zuhause, ihre Spuren lassen sich im Stadtraum verorten. Die Geschichte der „Polenaktion“ ist deshalb auch ein Teil der Geschichte der Stadt Berlin. Viele der betroffenen Familien lebten in unmittelbarer Nachbarschaft des heutigen Centrum Judaicum. Gezeigt werden in der Ausstellung neben Dokumenten der Verfolgung und Ermordung auch private Familienfotos, die das Leben vor der Ausweisung veranschaulichen oder vom Weiterleben nach 1945 erzählen. Berliner Studierende haben daran mitgearbeitet, die Biografien der vorgestellten Familien zu recherchieren.

THE WORLD ON PAPER ist die Eröffnungsausstellung des PalaisPopulaire, die mit rund 300 Highlights und Neuentdeckungen aus der Sammlung Deutsche Bank zeigt, welche besondere Faszination Papier auf Künstler seit der Nachkriegsmoderne ausübt und wie dieses sinnliche und zugleich konzeptionelle Medium auch im digitalen Zeitalter immer wieder neue Möglichkeiten eröffnet.

Für die Kunst nach 1945 zählt die Sammlung Deutsche Bank im Hinblick auf das Medium Papier zu den bedeutendsten Kollektionen weltweit. THE WORLD ON PAPER bietet neue Einblicke in die Diversität, die Geschichte und die internationale Ausrichtung dieser außergewöhnlichen Sammlung, die in Bankgebäuden und Ausstellungen rund um den Globus präsent ist.

Arbeiten von 133 Künstlerinnen und Künstlern aus 34 Ländern dokumentieren den Weg von einer zu Beginn weitgehend auf den deutschsprachigen Raum fokussierten Sammlung zu einer der umfassendsten Unternehmenskollektionen der Welt, welche die globale Landkarte der Kunst abbildet. Mit tausenden von Werken, die auf alle Kontinente verteilt und räumlich manchmal auch tausende von Kilometern voneinander entfernt sind, ist der Bestand als Ganzes kaum zu erfassen, höchstens in seiner digitalen Form – als Datenbank.

Man kann sich die Sammlung Deutsche Bank also als imaginäres Museum vorstellen, als einen großen Pool von Themen, inhaltlichen und formalen Ideen, aus dem zahlreiche sehr unterschiedliche Ausstellungen kuratiert werden könnten. Deshalb bildet THE WORLD ON PAPER den Auftakt zu einer Ausstellungsreihe, die in den nächsten Jahren immer wieder neue, andere Aspekte der Sammlung beleuchten wird. Als erste Schau dieser Serie widmet sie sich der alles verbindendenden Grundlage, dem Medium Papier.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

Die Kunstausstellungen auf der Zitadelle widmeten sich über zwei Jahrzehnte überwiegend zwei Schwerpunkten, zum einen der Kunst der sogenannten „verschollenen Generation“ und der Kunst der 1920er Jahre, die in Einzelausstellungen und in der Ausstellungsreihe „Kunstherbst Zitadelle“ präsentiert wurden. Einige der Künstler wurden erstmals museal in einer großen Ausstellung einem breiten Publikum vorgestellt. Diese „Entdeckungen“, wie z.B. Hans-Joachim Staude, Wilhelm Kohlhoff, Leonhard Sandrock oder Johann Walter-Kurau, wurden auch von anderen aufgegriffen. Zum anderen zeigten Einzel- und Gruppenausstellungen figurative Malerei und Bildhauerei geprägt von Skurrilem, Absurdem, Makabrem, Hintersinnigem und Humorvollem. So waren Werke von Johannes Grützke, Hans Scheib, Horst Janssen, Yongbo Zhao, Peter Herrmann, Petrus Wandrey, Matthias Koeppel, Pavel Feinstein oder SOOKI zu sehen. Diese beiden Schwerpunkte finden sich mit ihren Künstlern in der Ausstellung „Schönheit und Abgrund“ wieder. Einige wenige Werke waren schon einmal auf der Zitadelle zu sehen. Den Hauptteil bilden aber speziell für diese Ausstellung zusammengestellte oder auch „entdeckte“ Werke. Und was dabei „Schönheit“ ist und was „Abgrund“, das sei der Betrachterin und dem Betrachter selbst überlassen. Schönheit kann gleichermaßen auch Abgrund und Abgrund auch Schönheit sein. Oder sogar beides?